EN ESCENA... Críticas de Cine

Crítica: "Bandidas"

2006-09-02T19:25:00.000+02:00

Te esperamos En Escena.

Crítica: "Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto"

2006-09-02T19:23:00.000+02:00

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Crítica: "Agentes secretos"

2006-09-02T19:21:00.000+02:00

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Crítica: "Días azules"

2006-09-02T19:19:00.000+02:00

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Crítica: "Un minuto de silencio"

2006-09-02T19:15:00.000+02:00

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Crítica: "Seis nueve"

2006-09-02T19:08:00.000+02:00

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Crítica: "A la deriva"

2006-09-02T19:06:00.000+02:00

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Crítica: "La joven del agua"

2006-09-02T19:05:00.000+02:00

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Crítica: "Kebab Connection"

2006-09-02T19:03:00.000+02:00

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Crítica: "Desayunando en Plutón"

2006-09-02T19:02:00.000+02:00

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Crítica: "Devils on the doorsteep"

2006-09-02T19:00:00.000+02:00

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Crítica: "Shadowboxer"

2006-09-02T18:58:00.000+02:00

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Crítica: "Alatriste"

2006-09-02T18:56:00.000+02:00

Te esparamos En Escena.

Crítica: "La bicicleta"

2006-06-30T12:05:00.000+02:00

Director: Sigfrid Monleón
Intérpretes: Sancho Gracia, Pilar Bardem, Bárbara Lennie, Javier Pereira
Estreno en España: 30 de junio de 2006

Le damos un 5,5

Sigfrid Monleón se adentra en historias domésticas para encadenarlas al servicio de un objetivo común: narrar un relato vitalista y luminoso sobre un mundo mejor.

Esta versión mediterránea de las Vidas cruzadas de Robert Altman llega después de que La isla del holandés, su más que correcto primer trabajo, pasara casi de puntillas por la cartelera hace cinco años.

Las buenas intenciones afloran en esta producción que lucha por amplificar la llamada de atención al consumismo y al derroche energético de la sociedad actual. Como gran metáfora, la película representa otra manera de mirar las cosas: más limpia, menos dañina. Pero la emoción no se contagia con tanta facilidad como para vibrar durante todo el metraje de La bicicleta. Y si la emoción cuesta transmitirla, algo similar ocurre con las utopías posibles, y más en estos tiempos que corren. Cierto es que cineastas como Monleón aportan su grano de arena a tal efecto.

Por todo lo anterior es posible que el libreto original brille mucho más que su propia plasmación en imágenes. Algo se echa en falta al entrar en las vidas que se cruzan en las calles de Valencia. Los personajes están bien anclados con una biografía nada sesgada y las transiciones entre relatos se producen sin grandes roces. Puede que los triángulos amorosos planteados por Monleón y Martín Román, el coguionista y autor del argumento, no tengan el suficiente peso.

Crash tenía a los coches y las "colisiones" como nexo de unión entre las existencias anodinas de un buen grupo de personas en Los Angeles, ligadura en el caso de la película del guionista y director que viene dada por un velocípedo que pasa de mano en mano, de manera no tan figurada. Los veteranos Pilar Bardem y Sancho Gracia, y la joven Bárbara Lennie (Obaba) encabezan el reparto coral de este conjunto de relatos que tienen un común denominador que seguro imaginan cuál es.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Aaltra"

2006-06-30T11:54:00.000+02:00

Director: Benoit Delepine, Gusteve Kervern
Intérpretes: Benoit Delepine, Gusteve Kervern
Estreno en España: 30 de junio de 2006

Le damos un 6

Se estrena con dos años de retraso este ejercicio de hombre-orquesta: sus dos directores son a su vez guionistas e intérpretes.

En ocasiones, entre películas que nada tienen que ver por su argumento y su estética se establece una analogía tenue, incluso fútil a ojos ajenos. Después de esta reflexión se preguntará qué cinta me recordaba a la que tenemos entre manos. En 1999 llegaba a las salas españolas Una relación privada (Une liaison pornographique), con una francófona llamada Natalie Baye y un casi desconocido por aquel entonces Sergi López. Uno de sus puntos fuertes eran los breves diálogos sobre situaciones que, por no haber sido narradas antes, resultaban sorprendentes por la naturalidad con la que eran llevadas a imágenes.

Si a la sensación de intrusismo en la intimidad que nos proporcionaba aquella cinta, unimos el influjo del cineasta finlandés Aki Kaurismaki –no sólo por el evidente uso del blanco y el negro-, obtenemos como resultado esta inclasificable experiencia cinematográfica que, a partir de los planteamientos de una película de carretera, nos revela la atípica amistad (y enemistad) de dos vecinos sentados en una silla de ruedas que, la verdad sea dicha, no parlotean tanto como nuestro amigo Sergi.

Los protagonistas de Aaltra quedan paralíticos por un atropello en medio de una acalorada discusión entre ambos. Aún así la discapacidad no centra el argumento, cediendo su relevancia a la idea de superación y odio al funesto destino, parecido a lo que sienten los personajes de otra recomendable cinta, uruguaya en este caso, que entronca con ésta: Whisky, de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, también herederos confesos del director de La chica de la fábrica de cerillas y Un hombre sin pasado.

No hay nada como un largo viaje para unir o separar de manera definitiva a dos seres humanos. Éste no se hace largo –sólo 92 minutos, así que depende de cómo tengas el día- y es, por encima de todo, una de las muestras más originales del reciente cine europeo, con muchas dosis de humor negro y un notorio componente crítico con la sociedad actual.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Nang Nak"

2006-06-30T11:50:00.000+02:00

Director: Nonzee Nimibutr
Intérpretes: Intira Jaroenpura, Winai Kraibutr
Estreno en España: 30 de junio de 2006

Le damos un 6

Un espíritu que se resiste a abandonar el mundo de los vivos protagoniza el éxito más atronador de los últimos años en el cine tailandés.

Siete años más tarde llega a algunas pantallas selectas este título que combina melancolía con violencia, romanticismo con terror, e incide en el anhelo universal de que el amor es mucho más poderoso que la muerte.

Gracias al cine de sustitos llegado de Oriente hemos conocido la admiración en el sudeste asiático por las historias de fantasmas y seres sobrenaturales. La de Nang Nak es la historia de una tristeza, una desaparición, un amor más fuerte que el destino que separa a dos seres y las trágicas consecuencias provocadas por un sentimiento como los celos.

Perdone lo enrevesado de la idea que se pretende trasmitir, pero contado de esta forma no contribuimos a que se esfume el interés nada más leer el argumento. El auge de este género tradicional que, limando ciertos localismos puede dar buenos frutos fuera de sus fronteras, lo hemos sufrido recientemente con dos relatos de fantasmas, brujería y demonios: P. La semilla del mal y Shutter, dos cintas de diferente argumento pero igual resultado, nefasto y previsible.

Aquellos que suelen darlo todo por hecho se encontrarán con una grata sorpresa gracias a Nang Nak, que no es como las anteriores: sus torpezas –reiterado "modus operando", pobreza de decorados, simpleza en los diálogos,...- se contrarrestan con una fotografía que nos traslada a otra época y a muchos kilómetros de distancia, con unas interpretaciones correctas. Somos conscientes de que es posible que nuestra emoción se contagie de la máxima que apunta eso de que "en el país de los tuertos... ".

No olvidamos el hecho de que estamos ante la enésima versión de un mismo cuento sobre el fantasma de una mujer que hace enloquecer a su marido, aún "vivito y coleando", y al que contagia sus ansias de venganza. La particularidad de este relato respecto a otras adaptaciones reside en el interés de su director por contar una historia de amor pasional, sin caer en el recurso fácil de los gritos, los sobresaltos innecesarios y el suspense de "todo a 100".

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Astérix y los vikingos"

2006-06-30T11:37:00.000+02:00

Director: Stefan Fjeldmark, Jesper Møller
Estreno en España: 30 de junio de 2006

Le damos un 5,5

Los creadores del cómic René Goscinny y Albert Uderzo han dado el visto bueno a esta adaptación muy libre del tomo Astérix y los normandos (1967).

Partimos de una premisa clara: el consumo de esta cinta está destinado al público infantil, no a aquel que creció con las aventuras de los personajes del cómic. Aquellos personajes venidos de tierras del norte no respondían a los nombre de Vikea y Abba aunque si pensaban lo mismo: que el miedo les daba alas. Con los galos crecimos muchos de nosotros (divididos en "tintinistas" y "asterixtas", o siendo partidarios de los dos iconos del tebeo del viejo continente), y acompañaremos a los más pequeños al cine, recordando el libro original... ¡Ay del que lo relea de cara a recordar viejas aventuras!

El adulto que vaya buscando el tono de las míticas adaptaciones cinematográficas de finales de los sesenta (Astérix el galo, Astérix y Cleopatra) se topará de bruces con los efectos del imparable progreso y no porque hayan innovado en los procesos de animación, algo lógico en pleno siglo XXI y doce años después del último largometraje de dibujos animados, Astérix en América.

Se centran sus creadores en la fuerza del miedo dentro de la búsqueda del éxito y el valor, aunque suene equivocado. Astérix y Obélix pierden cierto grado de rigor histórico (al menos en cuanto a lo historiado de los libros originales) y se apuntan al carro de la modernidad con la llegada de un personaje cool e irreverente proveniente de Lutecia, la capital más in del momento. El chaval es Gudúrix, sobrino del jefe Abraracúrcix, un cobarde con look entre amanerado y pijo, lleva consigo su cargamento de chistes novísimos y una fiel compañera de viajes, una paloma llamada Eseemeese.

Lo dicho, una adaptación que mantiene cierto origen, aunque bastante desvirtuado, que sacrifica, además, parte de su esencia con tal de enganchar con los gustos del público más joven. Un nuevo título –el octavo de estás características- que cumple con los objetivos propuestos aunque nos duela a todos los que nos quedamos con Las doce pruebas de Astérix y Astérix en Bretaña.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El señor de la guerra"

2006-06-30T11:18:00.000+02:00

Director: Andrew Niccol

Intérpretes: Nicolas Cage, Ethan Hawke, Bridget Moynahan, Jared Leto

Estreno en España: 30 de junio de 2006

Le damos un 6,5

Nicolas Cage se convierte en traficante de armas en esta fábula sobre el negocio más triste del mundo por el daño irreparable que hacen sus productos.

Por mucho que uno se empeñe en controlar hasta los más insignificante detalles, tanto en el cine como en el sector de los trapicheos armamentísticos, lo que empieza a pequeña escala acaba convirtiéndose en un monstruo imposible de domesticar, debido a los excesos, los lujos y las ansias de poder. Pero un día todo se derrumba sólo por el simple hecho de bajarse de la montaña rusa y reflexionar unos minutos.

Los conflictos morales que provocan batallas encarnizadas en nuestro cerebro están encontrando una salida al exterior en más de una película en el Hollywood más alternativo aunque siempre acomodado en el respaldo de los grandes estudios. Cage se apunta a la moda con un prometedor cineasta que pronto dejará de serlo si no se apura, como más adelante contaremos.

El ganador de un Oscar por Leaving Las Vegas ha sabido mantenerse en equilibrio sobre la fina línea que separa el cine más comercial del otro: el independiente, moralizante y combativo. Prueba de ello es este título en el que da rienda suelta a su faceta como productor. El sobrino de Francis Ford Coppola, y a su vez primo de Sofia, se interesó por esta historia que establece cierto paralelismo con el cine de denuncia social inteligente, aderezado con humor ácido.

Por su aire de sátira El señor de la guerra se acerca más a Tres reyes que a Syriana, menos deformada a instancias de un cine más sesudo. Este ejercicio sobre subidas rápidas y bajadas estrepitosas conserva en todo momento el toque de ironía justo en cada secuencia. Y puestos a establecer odiosos paralelismos, antes de que se desinfle el balón, esta pretenciosa historia con su halo de falsa originalidad –aunque convincente- se parece más al segundo título si lo trituramos y añadimos al revoltijo la divertida Everything is illuminated, sobre el chico de origen judío, obsesionado por el coleccionismo, que decide buscar sus orígenes en Ucrania.

Tanto ritmo vertiginoso a veces nos pide un respiro, deleitarnos con secuencias más planas, como el forzado encuentro entre el personaje de Cage y su futura mujer. El abuso de la voz en off nos lleva a pensar que Andrew Niccol ha optado por el camino más fácil, sin querer meterse en terrenos farragosos y solucionando de manera artificiosa el mejunje. De haberlo intentado con más ahínco, saliendo indemne o no, su nombre habría pasado a otro estatus en la realización cinematográfica, quitándose para siempre la etiqueta de cineasta listillo con visos de mejorar tras las plausibles Gattaca y Simone.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Una historia de Brooklyn"

2006-06-23T10:40:00.000+02:00

Director: Noah Baumbach

Intérpretes: Jeff Daniels, Laura Linney, Jesse Eisenberg, Owen Kline, Halley Feiffer, William Baldwin, Anna Paquin

Estreno en España: 23 de junio de 2006

Le damos un 7

Su secuencia inicial parece adelantar el posible desenlace de un tira y afloja en un matrimonio abocado al fracaso. La acción de Una historia de Brooklyn comienza con un intenso partido de tenis entre los cuatro miembros de una familia progre y un tanto elitista.

El cine se erige en gran ventana por la que podemos mirar el interior más intimo de una sólida, en apariencia, estructura hogareña. Nos da la posibilidad de asistir a un retrato de familia en pleno proceso de descomposición. El olor, a pesar de la atmósfera putrefacta que envuelve a la situación, destila efluvios dulces y cómicos.

Con un tono fresco y natural, el director Noah Baumbach nos guía por un relato casi autobiográfico que bebe de los instantes que se suceden en el ámbito de los cotidiano, condimentando con ironía y acidez los momentos más funestos. Los actores contribuyen a lograr el halo de sencillez a pesar de que el guión esté lleno de guiños eruditos y toques de cierto dramatismo, nada exagerados, por otro lado.

Esa es la principal cualidad de esta cinta cuyo título original hace alusión a una metáfora protagonizada por una ballena y un calamar gigante. Acondiciona el cineasta un buen campo de batalla: escritor de éxito en declive, prometedora ascensión en la carrera de ella, pérdida del deseo sexual, adolescente estable en su inestabilidad y adolescente en ciernes que sufre por ser demasiado avispado y más maduro que su hermano, un ejemplar a estudiar.

Ese revoltijo de aspectos casi inherentes –y perdonen la osadía- a una familia de clase media cualquiera, confiere sustancia a este título que entronca con la línea que siguen otros como La tormenta de hielo, de Ang Lee, precursora de American Beauty, de Sam Mendes, y la recién estrenada Thumbsucker, de Mike Mills. Pero no etiqueten: ni cine con halo independiente, ni regusto a influjo de nouvelle vague francesa como algunos apuntan... ¡No es necesario! Con dos secuencias uno se construye su propia película, gracias sobre todo a que el personaje de Laura Linney deja escapar perlas como la de "todos los padres de tus amigos están separados" –a lo que uno de sus hijos responde "los míos no"-, provocando los momentos más jugosos del metraje.

Con un reparto solvente, con interesantes roles como los interpretados por William Baldwin y Anna Paquin (la niña de El piano), la cinta sabe a poco a pesar de que no tiene porqué contar más de lo que narra, que ya es mucho hasta en temas secundarios: egocentrismo literario, sentimiento de dependencia, lucha por crecer en el mundo de los adultos,... Corta, y no es porque el argumento no dé más de sí. Esta comedia agridulce cuenta con una atildada banda sonora que nos traslada a los años ochenta, la década en que se firmaron más separaciones y divorcios.

Hasta el momento, lo más sonado de Baumbach (con el proyecto en mente desde 2000) era su guión de Life aquatic. Con tres largometrajes más a sus espaldas, el marido de la actriz Jennifer Jason Leight abre una interesante vereda por la que deben discurrir más títulos al margen de los grandes proyectos, más socorridos y, por lo general, insulsos. ¿Qué pasó en la última edición de los Oscar, donde la cinta aspiraba al premio al mejor guión? Algo tan sencillo como que este tipo de relatos no tiene cabida a pesar de lo mucho que aportan y conectan con el espectador.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La dignidad de los nadies"

2006-06-02T23:22:00.000+02:00

Director: Fernando Solanas
Estreno en España: 2 de junio de 2006

Le damos un 6

El origen de este documental lo tenemos que buscar en Memoria del saqueo, el largometraje que él mismo guionizó, realizó y produjo.

El mencionado título quedará a modo de manual audiovisual sobre los orígenes de la última crisis argentina. La película sirve también como lujosa introducción a lo que el cineasta cuenta ahora en La dignidad de los nadies. Son historias pequeñas pero no normales: no es corriente que unos padres de familia no tengan nada con lo que alimentar a sus 8 hijos, pero esta reseña no es el lugar apropiado en el que verter quejas y críticas ante esa situación.

El mundo es injusto, quienes lo manejan, todavía más, pero sólo podemos valorar el trabajo en estrictos términos cinematográficos. Así diremos que es mejor la idea inicial que su materialización: las diversas situaciones narradas a partir de testimonios se suceden salpicando el metraje (120 minutos), un tanto desmesurado por lo reiterativo del concepto. Son capítulos de un libro que tiene continuación, ya que con otra vertiente argumental pero en la misma línea, el argentino trabaja en otras dos cintas que, unidas a las dos anteriores, compondrán su tetralogía sobre la crisis de su país: Argentina latente y La tierra sublevada.

Aún así, yéndonos al lado moral del ejercicio, son necesarios los palos de ciego que dan profesionales como Fernando Solanas a la hora de relatar historias de los nadies, "las mujeres y hombres, como tantos argentinos, sin recursos y sin nombre". Dice Solanas que son los que siempre sufrieron despojo y adversidad, son el pueblo del aguante que lleva como bandera su coraje y dignidad. Él también se encarga de incluir a estos nadies en su catálogo de buenas intenciones en donde revela alternativas y propuestas solidarias que ponen de manifiesto hasta que punto otro mundo es posible.

Las victorias y hazañas cotidianas que nunca serán recogidas en los periódicos y mucho menos en los medios audiovisuales pueden acabar protagonizando la próxima cinta de Solanas. Su filmografía se centra en lo que significa para él los términos "lucha social". La hora de los hornos y Los hijos de Fierro son algunos de los títulos de este comprometido activista del cine documental que para La dignidad... se pasó ocho semanas rodando a lo largo de dos años, un material que estuvo editando durante más de diez meses en la mesa de montaje. El trabajo ha dado sus frutos, recogidos allá donde se ha proyectado: Venecia, Montreal, Valladolid y La Habana.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Thumbsucker"

2006-06-02T23:14:00.000+02:00

Director: Mike Mills
Intérpretes: Lou Taylor Pucci, Tilda Swinton, Vincent D'Onofrio, Keanu Reeves, Benjamin Bratt, Kelli Garner, Vince Vaughn
Estreno en España: 2 de junio de 2006

Le damos un 6,5

Entre superhéroes, asesinos en serie y seres "romanticotes" venidos del otro lado del Atlántico se suele colar, muy de vez en cuando, un título con marca "indie".

Esa suele ser la palabra más usada de cara a la promoción de Thumbsucker, como si se tratará de una seña de prestigio. El uso del sello independiente a veces da resultado, en caso contrario se añaden coletillas como "el éxito de Sundance" o "la sorpresa de la Berlinale".

No se nos deben ir las cosas de las manos: la película no está nada mal pero tampoco se sale de ese reducto selecto de títulos a los que más adelante hacemos referencia. Se trata de un relato sencillo acerca del proceso tan complejo de auto-búsqueda y reafirmación en cualquiera de las etapas de la vida pero con el añadido del lote de problemas que se le presenta a un joven a los 17 años.

Un entorno familiar que se derrumba y una manía infantil que hace las delicias de los psicólogos, la de chuparse el dedo, diferencian el tratamiento de la historia de títulos similares en cuanto a su concepción y proyección, como la reciente e interesante Algo en común, con Natalie Portman, Peter Sarsgaard y Zach Braff, también en la dirección y escritura de guión.

Mike Mills escribió también el libreto a partir de la novela de Walter Kim, pero no se animó a protagonizarlo como hizo Braff. Se concentró en el lado más técnico aunque no hizo algarabías en la realización, en todo caso acabó contagiándose del ritmo aprehendido montando video-clips y anuncios publicitarios. El debutante en la dirección de largos apoya su cinta de bajo presupuesto en nombres muy reconocidos en la industria como Tilda Swinton (Flores rotas, Las crónicas de Narnia), Vince Vaughn (De boda en boda, Be cool), Benjamín Bratt (Traffic, El leñador) y Vincent D’Onofrio (Días extraños, La fabulosa vida de los Altar Boys). No olvidamos a Keanu Reaves, que tiene una breve intervención.

Como toda historia con sello alternativo, con cuidada banda sonora, actores y envoltorio sencillo, Thumbsucker apunta alto, incluyendo la etiqueta de "no esperábamos tanta repercusión". Recuerda a Beautiful girls aunque sus personajes guardan más parecido con los de Todo por un sueño, los roles de Matt Dillon, Nicole Kidman y Joaquin Phoenix, personajes que en su cotidianeidad son llevados al límite. Lou Taylor Pucci, Oso de Plata al mejor actor en Berlín, tiene el don de la naturalidad, con cara de asustadizo y aceptando el papel de segundón que pronto dará la sorpresa, un ser poco ducho en las artes de la comunicación que cambiará a medida que se acerca el final de esta comedia diferente que te permite salir del cine con una sonrisa, algo ligera por el drama que esconde porque, amigos, crecer y convertirse en adulto no es tarea fácil.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La joven de las especias"

2006-06-02T23:08:00.000+02:00

Director: Paul Mayeda Berges
Intérpretes: Aishwarya Rai, Dylan McDermott, Ayesha Dharker, Nitin Chandra Ganatra, Nina Young, Toby Marlow, Caroline Chikezie, Padma Lakshmi, Paul Bhattacharjee
Estreno en españa: 2 de junio de 2006

Le damos un 5

Las imágenes te permiten oler y saborear las especias aunque esto sólo le ocurrirá a los más sensitivos.

Aquellos que estén menos abiertos a las sensaciones también pueden entretenerse con esta cinta que, lejos de pasar al estante de los recuerdos, cumple con su función básica: contribuir a pasar un rato sin pensar en otra cosa que no sea visitar un bazar de las especias o simplemente tomarse un té.

Aún así, el argumento no da para más y ya son excesivos sus 96 minutos de metraje: niña de la calle acaba por casualidad en un santuario bañando por las aguas del Índico; allí crece conociendo las propiedades de las hierbas salvajes, las plantas medicinales y las especias, todo ello para hacer el bien al prójimo, concibiendo al tiempo delicias gastronómicas más sabrosas… ¡no se puede olvidar la función primera de los condimentos!

El rostro principal de Bodas y prejuicios, estrella de Bollywood (equivalente indio a Hollywood), se embarca en un largometraje que hace las delicias de cualquier actriz: protagoniza el 95 % de los planos, la acción gira en torno a ella y cuenta una historia con el toque de cuento que encumbró cintas como Amelie, Como agua para chocolate y Chocolat.

El personaje al que da vida Ayshwarya Rai (por cierto, arquitecta y Miss Universo) debe respetar tres reglas básicas y si esto le recuerda a los Gremlins, sepa que no va desencaminado. El giro de tuerca llega cuando frente a su tienda descubre al amor de su vida. Comienza aquí un juego de idas y venidas, éxitos y fracasos, en el que las especias desempeñan un importante papel.

¿Qué aporta finalmente este relato audiovisual bien realizado pero con menos sustancia que un plato si aderezos? La respuesta la dejamos en que se trata de una romántica historia acerca de cómo las tradiciones pueden ser cambiadas sin ser por ello irrespetuosos con nuestras raíces.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Cuando llama un extraño"

2006-06-02T09:01:00.000+02:00

Director: Simon West
Intérpretes: Camilla Belle, Tommy Flanagan, Katie Cassidy, Tessa Thompson
Estreno en España: 2 de junio de 2006

Le damos un 2

Cuando empieza la película uno ya tiene ligeras sospechas acerca de por donde pueden ir los tiros. Por medio de esta introducción, banal por lo insustancial, queda eso si patente el tono de lo que se nos viene encima, un nuevo ejemplo de largometraje facilón encuadrado en el género de terror adolescente.

Pocos se atreven a introducir cambios cuando consideran que una fórmula funciona: cambias el escenario, sustituyes a un personaje por otro, pero dejas la atmósfera inquietante y los sustos, gritos y carreras por culpa de un psicópata con instintos criminales.

Aquí no hay una gasolinera en medio de un páramo inhóspito ni un colegio mayor, sino una lujosa mansión perdida en las montañas; frente al grupo de jóvenes con caracteres tipo (pijos, estirados, deportistas, intelectuales...) se impone una joven con arrojo y determinación –falta le hace para sustentar la película- que debe salvar la vida de los niños a los que cuida. En definitiva, son los mismos patrones, usados hasta la saciedad pero, amén de los productores, luego dan resultado en taquilla. Todo tiene su explicación y la que justifica el interés de Hollywood está en los jóvenes ávidos de relatos de suspense acompañados de un buen paquete de palomitas y el novio o la novia bien cerquita.

Un título de terror nipón también se bastaba del teléfono, en este caso móvil, para anunciar la muerte de sus protagonistas. Llamada perdida, que así se llama el referente, juega con los mismos elementos pero se reserva la carta de la sorpresa, algo que en Cuando llama un extraño se diluye en cuanto la chica coge el inalámbrico dos o tres veces... por cierto, ¿se ha mencionado ya el tono repetitivo? Al otro lado de la línea hay un asesino que no pasará a la galería de los homicidas en serie porque su modus operando no tiene nada de especial. Y aunque crean que les acabo de destripar la película, no empiece a maldecir de manera gratuita ya que comprobarán que Simon West, su director-malabarista, lo deja claro desde la primera secuencia.

Aunque nos pese, siendo un relato trillado, con actores inexpresivos y situaciones mal planificadas, la cinta puede resultar hasta entretenida pero sólo para los que disfrutan con los exponentes de la serie B y títulos como Scream pero avisamos: no estamos ante un incipiente Wes Craven sino hablando de un título que ofrece más de lo mismo y con más delito si cabe ya que parte de las mismas premisas plasmadas en una cinta de los años 70. Los productores de la actual deben ser algunos de los pocos que la vieron en su día. Aprovechándose de lo olvidadiza que es nuestra memoria han trabajado un guión que, para alejarse del plagio descarado, se finiquita de otra manera.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Código 46"

2006-05-27T10:16:00.000+02:00

Con 2 años de retraso llega esta cinta sobre virus empáticos y violaciones de códigos universales que encierra todo un tratado acerca del amor en un mundo deshumanizado.

A medio camino entre Gattaca –sobre élites e incompatibilidades- y Olvídate de mí –hay cierto paralelismo gracias a frases como ‘¿puedes amar a quien no recuerdas?’-, Código 46 supone otra muesca en la inclasificable filmografía del inglés Michael Winterbottom: no es la mejor ni la peor, es una película más, hecha con dominio de la(s) técnica(s) cinematográfica(s) e imperfecta en cuanto a su variopinta mezcla de géneros y la estructura que sigue.

Juega su carta precisamente a partir de esa combinación de cine negro y ciencia ficción. Además es creíble en cuanto a la cimentación de un mundo aún lejano pero tangible, sin marcianos ni robots, aferrándose a la ingeniería genética y las consecuencias de la clonación. Cinta futurista pero en una naturaleza perfectamente identificable donde los movimientos están controlados por estrictos mecanismos de seguridad impuestos en forma de seguros especiales, exponentes de la globalización que nos espera. En este sentido, pero más poético, el juego con el idioma –francés, italiano, iraní, español- es sólo un guiño anecdótico, aunque invita a ver la versión original.

El futuro está aquí, en las construcciones de asentamientos como Shangai y Dubai, donde la modernidad convive con la tradición... Las ciudades se muestran como oasis en un mundo árido del que sólo puedes salir con papeles. El cineasta no es ajeno a la problemática de la emigración y al control del Estado sobre el hombre; ya con una precisión diferente tocó el tema a través de En este mundo.

Volviendo a sus referentes –los literarios pasan por 1984 y Un mundo feliz- ahí está la cinta de Andrew Niccol protagonizada por Uma Thurman y Ethan Hawke, dos 'in-válidos' en un mundo donde sólo tienen opción de ascenso profesional los válidos; las diferencias entre los seres humanos quedan marcadas aquí por la separación ‘vivir dentro / estar fuera’. Como en Gattaca, Winterbottom trata la manipulación genética desde el thriller, con un detective, Tim Robbins, que se enamora del sujeto a investigar, el personaje interpretado Samantha Morton (la protagonista de Edén, de Amos Gitai, y En América, de Jim Sheridan) de la que sabe aprovechar su increíble fotogenia en primeros planos imposibles en otras actrices.

El escritor Frédéric Beigbeder dejó escrito que El amor dura tres años. En el cine, pocos han estado tan obsesionados por el tema como este joven pero prolífico director que a sus 44 años habla de dos seres con capacidad de amar entre sí, pero coartada por los mundos a los que pertenecen y un ADN que también se ocupa de que no se plantee un romance... ¿Revisión del clásico Romeo y Julieta? Dejémoslo en tratado acerca de la relación entre el sexo y el amor, un sentimiento que aquí dura lo que un seguro, escasas 24 horas.

Iconoclasta en su forma de hacer cine su estilo es, sin embargo, cada vez más personal e identificable. Su progresión le ha ido llevando a cierto desencantamiento ante el mundo, ahora más sosegado y con cierta melancolía que se ve en los ojos de sus dos actores, la misma que se respira en la música... Llegados a esta línea no está de más sugerir un paseo por su heterodoxo terreno: Besos de mariposa, Jude, Welcome to Sarajevo, Wonderland, 24 Hours Party People, 9 songs...

Sin decorados futuristas ni efectos especiales, basta echar un vistazo a nuestro alrededor: el futuro ya ha llegado.

Texto escrito por Daniel Galindo.

Crítica: "Camino a Guantánamo"

2006-05-26T09:16:00.000+02:00

Director: Michael Winterbottom y Mat Whitecross
Intérpretes: Rizwan Ahmed, Farhad Harun, Waqar Siddiqui, Arfan Usman
Estreno en España: 26 de mayo de 2006

Le damos un 7

Winterbottom vuelve a demostrar su dominio de la técnica cinematográfica, algo que ha quedado patente en la medida en que su filmografía ha ido cogiendo empaque.

Sin un guión escrito como tal y con unos personajes ‘verídicos’ que deambulan por una realidad ficcionada, Camino a Guantánamo es de esas películas que asestan un duro golpe al espectador por su carga emocional e ideológica. Cine necesario, si, pero también cine atrevido no sólo por lo que cuenta, sino por la forma en que lo hace.

El director de títulos como Wonderland, Welcome to Sarajevo y Código 46 nos tiene acostumbrados precisamente a que no nos acostumbremos a su manera tipo de hacer cine, dispar entre unos proyectos y otros, pero con el mismo rigor en cuanto a su precisión estética y formal. Su último estreno vuelve a ser un híbrido audiovisual con Irán como escenario elegido para recrear Afganistán dentro de una fábula tan atroz como ineludible.

Se parece mucho esta variante del camino al infierno a En este mundo (In this World), el largometraje en que el cineasta británico contaba las peripecias de dos jóvenes afganos que, desde Pakistán, inician un viaje de no retorno por la Ruta de la Seda hasta el Londres que le depara el edén prometido de un futuro mejor. Camino… se acerca al género documental pero no es como otros productos más periodísticos ya que pretende destacar el componente de entretenimiento que tiene toda ficción.

El drama de ‘los tres de Tipton’, tres británicos musulmanes confundidos con terroristas y embarcados en el peor viaje de sus vidas, protagoniza este relato imprescindible para posicionarnos, con argumentos sólidos, frente a la política del terror impuesta por gobiernos como el de Estados Unidos y ante el afán imperialista, camuflado como instinto de supervivencia ante el coloso americano, de países como Irán.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Un Franco, 14 pesetas"

2006-05-05T09:26:00.000+02:00

Director: Carlos Iglesias
Intérpretes: Carlos Iglesias, Javier Gutiérrez, Nieve de Medina, Isabel Blanco, Iván Martín, Eloísa Vargas
Estreno en España: 5 de mayo de 2006

Le damos un 7,5

Por etiquetar diremos que estamos ante una tragicomedia y, otra colgando una más, diremos que una visión al pasado al estilo Cuéntame. Una fórmula que parece dar buenos resultados y no sólo por fidelizar a los miembros de una generación concreta.

Agridulce estampa en la que no todo va a ser un escaparate de tópicos: la tierna mirada de Carlos Iglesias al pasado de muchos españoles como emigrantes, procedentes de una España gris, está dulcificada por medio de unas dosis de sentimentalismo y humor, bien planteadas y repartidas por un metraje sosegado, pero no exento de ritmo y gancho.

Muy redondo le ha quedado este titulo, el primero que escribe, realiza y protagoniza en un 90% de sus secuencias. Una correctísima ópera prima con una cuidada factura técnica y acertada elección del reparto se convierte en su tarjeta de presentación como cineasta. Sin olvidar AzulOscuroCasiNegro, Un Franco, 14 pesetas fue una de las propuestas más interesantes del pasado Festival de Málaga, siendo de recibo reconocer las buenas voluntades del autor a la hora de rememorar y anclar un capítulo olvidado de nuestra historia reciente.

El desembarco español en Europa durante los años cincuenta y sesenta, que tantas comparaciones debería establecer con nuestro presente, no ha gozado de mucha repercusión en el cine, salvo comedias costumbristas al estilo de Vente a Alemania, Pepe, que en su día jugaron un correcto papel acorde a las intenciones políticas del régimen. Iglesias juega con el hecho real pero también apunta maneras al establecer un equilibrio sostenido entre la lágrima y la risa sin que resulte almibarado a la postre.

Autor del guión, ha rescatado parte de sus recuerdos y los ha mezclado con los de tantos emigrantes retornados que le narraron sus historias. Fue un proceso largo, que no costoso. Se nota al ver los pequeños cuadros que salpican la acción: guiños al choque cultural tras la llegada a un país mucho más adelantado, la exageración del paso por las aduanas, el regreso a una patria extraña donde los curas castigaban a los niños por sus faltas de ortografía y Franco (el del título, con mayúscula) hacía de las suyas como buen señor feudal.

El coro de actores que acompaña al director actúa de sostén: Javier Gutiérrez, Nieve de Medina e Isabel Blanco –para más señas, la joven suiza propietaria del hotel- contrarrestan el protagonismo del Iglesias-actor, excelente en su papel –algo atormentado, por ponerle alguna pega-. El hecho de que tuviese aprehendidos los tics de su interpretación eliminó toda carga de arrogancia, esa que muchos actores llevan consigo a la hora de estar a ambos lados de la cámara.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "En la cumbre"

2006-04-28T08:48:00.000+02:00

Director: Chris Terrio
Intérpretes: Elizabeth Banks, Glenn Close, James Marsden, Jesse Bradford
Estreno en España: 28 de abril de 2006

Le damos un 6,5

En una sociedad cada vez más deshumanizada en la que fomentamos valores de manual suelen interesar los crisoles urbanos con vidas cruzadas. Películas como esta nos permiten husmear en existencias que, reconozcámoslo, no nos son tan ajenas. Sin ir más lejos Crash se alzó con el Oscar a la mejor película en la pasada edición de los Oscar de Hollywood.

Con más o menos humor, películas como Los amigos de Peter, Beautiful girls y Love actually se apuntan al carro de los repartos corales con personajes llevados al límite al servicio de una historia o argumento principal. En la cumbre parece no obstante un experimento que bien podría haber empezado su director por la secuencia final, para luego ir desglosando hasta llegar al inicio de una jornada cualquiera: 24 horas en la vida de 5 personas en el conglomerado de la ciudad moderna.

Quizás vea al joven Chris Terrio como un prometedor valor en alza que me recuerda, salvando las distancias lógicas, a Cesc Gay, responsable de En la ciudad, otro rompecabezas ambientado en Barcelona con personajes perfilados con mucha destreza que se comen la cabeza y cuestionan sus miserables vidas, comunes a las del resto de los mortales. ¿Qué les diferencia por tanto de otros seres? El hecho de haber sido elegidos por Gay o Terrio para desnudarse ante nosotros.

Entronca con Closer por la falta de artificios que, por otro lado, serían innecesarios de cara al relato en cuestión, que afianza el halo de aparente sencillez. Ahora bien, la perfección acaba redundando en los cruces que concluyen cada pequeña etapa en personajes que nacen, maduran y mueren. Y todo planteado en sólo un día.

Asistimos a este fresco del comportamiento humano desde la intimidad, quizás lo más reconfortante de un título con el que nos podemos relajar y del que disfrutar. Dejándonos llevar por el ojo de su director iremos descubriendo capas en cada uno de los personajes que no tienen porque ser agradables de cara a causarnos estupor o deleite.

Puede que los cabos queden atados con demasiado esmero, sin posibilidad de libre interpretación. Esto se puede ver como fallo en un debutante tras la cámara, pero a su vez nos permite salir del cine y "reconstruir" los caracteres a partir de cinco desenlaces entrecruzados. Un buen ejercicio audiovisual que sigue al salir de la sala.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El crimen de una novia"

2006-04-28T08:34:00.000+02:00

Director: Lola Guerrero
Intérpretes: María Botto, Rafael Amargo
Estreno en España: 28 de abril de 2006

Le damos un 5

Tirar del hilo. Eso es lo que se debe hacer con tantas historias y personajes interesantes en la historia reciente de nuestro país. La teoría está bien clara en la cabeza de Lola Guerrero pero la duda surge a la hora de decidir cómo hacerlo y buscar los asideros a los que agarrarse para que el proyecto no resulte un largo reportaje periodístico demasiado largo con intervenciones prescindibles.

En este viaje iniciático, tanto por el hecho de ser una ópera prima, como por su argumento, a Guerrero le aflora su "yo guionista" a pesar de que la faceta que pretenda desarrollar sea la de realizadora. Ésta, quizás sin pretenderlo, es su principal baza porque a la hora de afrontar un proyecto, el peso del libreto es primordial y con esto no queremos decir que la realización suponga una mera traslación de palabras a imágenes.

Los esquemas se derrumban en cuanto conocemos que la cineasta no ofreció un guión a sus actores sino un planteamiento inicial de situaciones. Eso puede implicar que el experimento acabe en documental ficcionado donde pesa más la trama secundaria, la forzada, que la principal, en este caso, la leyenda. El interés por la historia real se desvanece a medida que se hace patente de manera innecesaria la angustia de una actriz y un coreógrafo por poner en pie una nueva versión de Bodas de sangre de Federico García Lorca.

Me interesa la leyenda, con toda la fuerza y el halo de tragedia que tiene un crimen pasional en una tierra de cortijos azotada por el sol y el viento, al tiempo que me sobra la investigación dramática y, por tanto, emocional del personaje al que da vida María Botto, preocupada por darlo todo en su trabajo como actriz, más si cabe en los que se atisba el lado luchador de la mujer en sociedades anquilosadas por pensamientos machistas (María querida es un ejemplo). Dejando a un lado la devoción a esta intérprete, siempre correcta y en muchas ocasiones sorprendente, lo cierto es que no es justo que sobre ella recaiga toda la carga del filme.

Tiene fuerza su mirada y se nota el ímpetu, pero no es suficiente para atrapar al espectador, más concentrado en el torrente de información acerca de versiones literarias, leyendas y crímenes pasionales reales cometidos en Almería. Demasiado metraje para desenrollar el hilo conductor, la crónica real de lo acaecido en Níjar en 1928, con Paca Cañadas como una de las protagonistas del suceso.

La investigación deriva en la salida a la luz de Puñal de claveles, de Carmen de Burgos, una periodista y escritora en la defensa de los derechos de la mujer. Al igual que en las obras de Lorca y Burgos, ficción y realidad se mezclan en esta historia donde casi todos los personajes hacen de sí mismos, con más o menos naturalidad (nos referimos a Rafael Amargo, pisando el acelerador de la interpretación después de Tirante el Blanco).

Guerrero se esfuerza en dotar de contenido su debut como directora, aportando guiños sobre la creación dramática por medio de pequeñas píldoras de Cristina Rota, y el periodismo de investigación, encarnado aquí por Fernando Rodríguez, de La Voz de Almería. Voluntades perdidas ya que el título nos hace volver a una idea que siempre nos ronda cuando se estrena un producto de animación o un largometraje documental: ante la escasez de oferta, la única opción atrae todas las miradas, a veces desvirtuadas. Hay quien dirá que mejor eso que nada.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El color del crimen"

2006-04-28T08:09:00.000+02:00

Director: Joe Roth
Intérpretes: Samuel L. Jackson, Julianne Moore, Edie Falco, Ron Eldard, William Forsythe, Aunjanue Ellis, Anthoy Mackie, LaTanya Richardson
Estreno en España: 28 de abril de 2006

Le damos un 2

Empieza bien este largometraje. A priori concilia una trama de misterio –un secuestro infantil- y el drama del racismo en los ghettos de los grandes entramados urbanos de Estados Unidos.

Si a lo anterior unimos la participación de dos casi siempre solventes Samuel L. Jackson y Julianne Moore como cabezas de reparto, el cóctel parece interesante. ¿Qué ocurre para que se desvirtúe la esencia de esta copia barata de serie de televisión sobre investigaciones criminales con trasfondo social?

El director de La pareja del año y Una navidad de locos quería dar el salto al thriller y para ello se centró en una novela de Richard Price, que a su vez adaptó al formato de guión. Un desagradable incidente une los caminos de una mujer con sentimiento de culpa y comportamientos irracionales y un agente de policía que lucha por controlar la seguridad de un barrio de reclusión separado de las "zonas blancas" de la ciudad.

Conforme avanza la historia, ésta empieza a desprender cierto tufillo a C.S.I (en cualquiera de sus variantes: Nueva York, Las Vegas, Miami), guardando además un parecido razonable con Crash y Grand Canyon, el alma de la ciudad, por sus connotaciones raciales, pero con crimen de por medio, algo que enraíza más si cabe el sentimiento de discriminación basada en la culpa de los actos. Y la historia sigue su curso, saltando de trama en trama y anticipando el final, pero no acaba cuando debe hacerlo.

El director se recrea en la atmósfera opresiva donde tienen lugar las incoherentes acciones de los protagonistas, idas y venidas que llaman la atención a todos pero son sobre todo insufribles para aquel que ya se imagina el desenlace. Cuando parece que el argumento se endereza y vemos la luz al final del túnel, los diálogos empiezan a alargarse sin necesidad y, no es broma, surge una bonita y tierna historia de amor. La pregunta que nos hacemos es... ¿de dónde?

Aún falta por analizar la moraleja de este torpe, largo y tedioso telefilme. La dejaremos en suspenso por si aún le quedan ganas de ver un insulso título heredero de las tramas policiales propias de productos televisivos, aunque carente de su ritmo y gancho.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Remake"

2006-04-22T10:16:00.000+02:00

Director: Roger Gual
Intérpretes: Juan Diego, Silvia Munt, Eusebio Poncela, Mercedes Morán, Mario Paolucci, Gustavo Salmerón, Marta Etura, Juan Navarro
Estreno en España: 21 de abril de 2006

Le damos un 6

Personajes llevados al extremo y a los que no se tortura con la suficiente crudeza para este fresco pesimista rodado con cámara digital.

Roger Gual realiza su primer largometraje en solitario -un proyecto que huye de los estándares cinematográficos al uso- trasladando a nueve actores a un micro-universo apartado de la civilización, anclado a tierra por la idea de que los jóvenes somos herederos de los fracasos de nuestros padres referentes cinematográficos.

La historia se repite, en este caso los anhelos y las traiciones a uno mismo. El título hace alusión a ello, una nueva versión de esas películas de búsqueda personal, con personajes extraviados en si mismos. Si estos pertenecen además a dos generaciones distintas, el choque emocional puede ser mayor. Pero por mucho que se lo proponga Gual, su filme no provoca las impresiones que causan otros dramas corales.

El toque de autenticidad apoyado en el naturalismo de los actores –constituyen la verdadera riqueza- y en la escasez de medios técnicos acaba convertido en modus operando un tanto facilón. Si bien la idea inicial tiene fuerza, el desarrollo se efectúa con altibajos, repleto de preguntas sin respuestas o resueltas de manera apresurada, como la escapada del sector más joven como un supuesto acto de rebeldía, desperdiciando tan buen material dramático.

La comedia trágica sobre lo lejos que quedan los ideales que un día fueron perseguidos está clara sobre el guión pero el resultado en pantalla no es gran cosa: imaginen un terrario con bichitos o un simulador con seres virtuales manejados a nuestro antojo y a los que dejamos vivir; pero que no se equivoquen, su mísera existencia depende del de arriba. Da la sensación de que el remate es desafortunado y que Gual se duerme en los laureles al confiar demasiado en sus diálogos: excéntricos, divertidos, curiosos, pero sin la garra de los escritos junto a Julio Wallovitz para Smoking room.

Aún así la propuesta tiene su componente de originalidad, aunque también engaña con facilidad –ya se sabe, en el país de los ciegos...-. No es un título cuya estela vaya a brillar con mucha fuerza pero no obstante sirve de doble toque de atención: a la industria le avisa de la necesaria renovación formal y argumental; a los creadores, a Gual en este caso, de que no se debe abusar con este tipo de fórmulas aunque claro, dicen que no hay dos sin tres.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El guerrero sin nombre"

2006-04-07T17:01:00.000+02:00

Director: David Iglesias
Estreno en España: 7 de abril de 2006

Le damos un 6

Después de Gisaku, publirreportaje animado sobre las excelencias de la sociedad y la cultura españolas, se estrena esta otra producción de animación.

El anterior proyecto confirmó a la nueva industria de animación como una incipiente exportadora de piezas del género anime o manga en movimiento. Ahora llega a las pantallas una cinta de aventuras que comparte los mismos patrones, con una búsqueda incesante para mantener el orden mundial, pero cambiando los escenarios, yendo de una España reconocible a un mundo fantástico anclado en una época retrofuturista parecida a nuestra Edad Media, aunque sin tanta tecnología punta.

Sus personajes responden a los arquetipos a los que nos tienen acostumbrados los productos de dibujos animados dirigidos de manera exclusiva a los más pequeños de la casa. Dicen que en el país de los ciegos el tuerto es el rey y algo parecido pasa con este largometraje debido a la ausencia de animación infantil en las carteleras actuales.

Ahondando en la manida categorización del bien y el mal, los protagonistas de esta historia en la que conviven soldados desheredados, hambrientos de poder y valientes revolucionarios, no son tan planos como uno espera a priori, aún respondiendo a estándares esquemáticos, el más claro de ellos el del beligerante y atormentado mercenario que conserva algunos guiños de valiente caballero, una especie de Cid Campeador, aunque más chulesco que el héroe castellano.

Con una trama entretenida -siempre desde la percepción de un niño menor de 12 años-, El guerrero sin nombre atesora más logros comerciales que los estrictamente cinematográficos, ya que persigue la máxima rentabilidad. Gracias a las nuevas técnicas de animación, el mismo producto será distribuido en distintos formatos, dando lugar a una serie de televisión, un juego de ordenador y cortometrajes.

Todos tendrán su origen en el final de la trama principal, así que vaya olvidándose por ahora de conocer el nombre de este guerrero cuya aventura por el séptimo arte se suma a una interesante lista de títulos que va desde El bosque animado a El sueño de una noche de San Juan (Dygra Films), pasando por El Cid, la leyenda y Gisaku (Filmax), hasta la primera propuesta de Ilion Animation Studios que se llamará Planet One y se estrenará en 2008.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Tirante el blanco"

2006-04-07T11:45:00.000+02:00

Director: Vicente Aranda
Intérpretes: Caspar Zafer, Victoria Abril, Leonor Watling, Ingrid Rubio, Esther Nubiola, Rafael Amargo, Giancarlo Giannini, Jane Asher, Charlie Cox, Sid Mitchell
Estreno en España: 7 de abril de 2006

Le damos un 4

De poco le ha servido a su director haber acariciado este proyecto durante casi 4 décadas y contar con un presupuesto de 15 millones de euros para su realización. Salvando Alatriste, ésta una de las producciones más caras de la historia del cine español, y ya que hemos mencionado el título de Agustín Díaz Yanes, parece que tendremos que esperar a su estreno para ver una correcta película ambientada en el pasado con personajes de peso.

Después de 24 películas, Tirante el blanco vuelve a ser una adaptación, esta vez de un clásico de caballerías publicado en valenciano en 1490 por Joanot Martorell. Vicente Aranda lo encuentra irónico y sensual, algo que ha intentado trasladar mediante imágenes y un guión pobre que se centra en la correrías de la corte y en la virginidad de una princesa como seguro de vida de un pueblo y sus gobernantes. Salvo excepciones como Juana la loca, desde Amantes, rodada en 1991, el catalán parece no acertar en sus dramas, que siempre quedan cojos (el caso de Carmen), se alargan innecesariamente (La pasión turca) o terminan solucionándose con finales acelerados tras un desarrollo coherente (Libertarias).

Versiona Aranda sólo parte de la novela, en la que se dan ingredientes de aventuras, misterio y política, y no es que destaque de sus páginas la fuerte carga erótica –no hablamos de sensualidad precisamente- sino que en torno a ella gira todo el argumento de la película. Triste es decirlo ante un realizador tan inteligente, pero no sorprende con su nueva propuesta: sexo sin tapujos y, sin ánimos de parecer pudoroso, poco contextualizado, una postura que se contrarresta con un lenguaje moderno, curioso incluso, y el divertido retrato del mandato de las intrigantes mujeres a la hora de mantener la salud del imperio, contrariando al orden masculino establecido.

Las damas de la corte son quienes hacen la política y son ellas, las actrices, las que intentan aupar una trama que flojea en todo momento, pareciendo circular a modo de vodevil barato, y carente de emoción. Mucho más Leonor Watling e Ingrid Rubio (dos caras de una misma moneda) que Victoria Abril y la debutante Esther Nubiola –lo de ella se explica, lo de Abril no- logran captar la atención por méritos profesionales. Este punto se agrava con el desacertado elenco masculino, encabezado por unos inexpresivos Caspar Zafer y Rafael Amargo. El primero como el caballero que llega a Constantinopla para luchar contra los invasores y el segundo dando vida al Gran Turco.

Achacan el resultado a los problemas de producción y es verdad que las cosas no se dispusieron como al principio le prometieron al veterano cineasta: cambiar Sicilia por Estambul a última hora es sólo un ejemplo del sudor que le ha debido costar. Pero debemos juzgar por lo que vemos en pantalla y el resultado, por mucho que nos duela al tratarse de uno de los grandes del cine europeo, no es gran cosa.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "V de Vendetta"

2006-04-07T11:36:00.000+02:00

Director: James McTeigue
Intérpretes: Natalie Portman, Hugo Weaving, Stephen Rea, John Hurt
Estreno en España: 7 de abril de 2006

Le damos un 8

¿Quién dijo que un producto de entretenimiento no podía ser a su vez un trabajo interesante con carga social y crítica? Llega la revolución al cine comercial hecho en Hollywood.

Aunque es muy probable que V de Vendetta quede en un conato de película con compromiso que no renuncia a las líneas básicas de entretenimiento. Esta correcta versión de la novela gráfica creada en los 80 por Alan Moore (guionista) y David Lloyd (ilustrador) se empapa de una estética plástica sugerente y envolvente que nos lleva hasta un eficiente retrato del adiós a la libertad individual en un mundo imaginario anclado en la realidad. ¿Por qué será que no nos rechina lo suficiente que esta historia sobre tiranía y fanatismos esté ambientada en entornos reconocibles y terriblemente cercanos?

Alegato en pro del poder del pueblo y su levantamiento contra los gobiernos autoritarios, V de Vendetta tiene todos los visos para convertirse en filme de culto. 1984, de George Orwell, Fahrenheit 451, de Ray Bradbury, y en un tono más relajado, El show de Truman y El club de la lucha –que beben de ellas a su manera-, constituyen sus referentes. Otra de las patas de este filme tiene su origen en los retratos bélicos de opresores y oprimidos ambientados en la ocupación nazi durante la II Guerra Mundial o las fuerzas rebeldes de algunos títulos de ciencia ficción. Y no olvidamos el valor simbólico de nombres como el de Evey (la Eva bíblica) y grafías: "V" de venganza, de valor, de victoria... También "5" en números romanos y la Quinta Sinfonía de Beethoven que tanto gusta al enmascarado.

Política y poética a partes iguales acentúan los ideales de una revolución hechos públicos a golpe de atentado contra los edificios representativos de un Londres gobernado con mano más dura que la de "la dama de hierro". El planteamiento nos lleva hasta un acertado punto de no retorno del que salen con soltura los hermanos Andy y Larry Wachowski. Imposible no avanzar con la vista puesta en el horizonte del cambio y es ese punto vitalista el que impregna de el relevo que V encuentra en Evey.

La emoción carente en el cómic se traslada al audiovisual mediante inteligentes secuencias que contrarrestan los efectos que provocan tanta violencia y oscuridad: un asesinato puede ser bello, al igual que un relato desgarrador de tortura puede ser narrado de manera cálida. Lo que ya no es tan bonito es el miedo que se inyecta en las sociedades occidentales que más allá de propugnar un estado fascista, fomenta una política del terror desde el miedo a lo desconocido, una estrategia que tan bien le funciona a algunos gobiernos de EE.UU. y a ciertos países soberanos de nuestra vieja Europa.

Quienes critican de manera negativa la película, ahondando en el uso desmesurado de la violencia para combatir una dictadura, deben saber que ya lo han hecho otros héroes. Aún así, esta es una historia acerca de ideales y no sobre personajes concretos a partir del enfrentamiento a unos miedos que paralizan toda capacidad de reacción. Aprender de la experiencia de los otros es otro de los mensajes latentes: el ejemplo a seguir es el enmascarado V, victima y villano que, sin ser el personaje central, condiciona la marcha del relato, condicionado por el desarrollo de otros dos ejes clave, el inspector Finch (Stephen Rea) y la joven Evey (Natalie Portman). Ambos realizan una honrosa interpretación que les lleva a su peculiar redención, al igual que Hugo Weaving (Matrix, El señor de los anillos), que dota a su criatura de una expresividad asombrosa a pesar de la máscara que le oculta el rostro, dándole consistencia propia.

En esta ocasión el fin justifica los medios, derribar símbolos para que no se empleen los miedos de las personas como mecanismos de control. Es hora de rebelarse contra la sumisión silenciosa y obediente y ponerse a favor de la idea que resume esta gran e intensa película (y más en los tiempos que corren): los gobiernos deberían temer al pueblo y no al revés. Por si aún lo dudan, debe ser vista. Para su protección.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La dama boba"

2006-04-01T23:55:00.000+02:00

Director: Manuel Iborra
Intérpretes: Silvia Abascal, José Coronado, Macarena Gómez, Roberto San Martín, María Vázquez, Juan Díaz, Verónica Forqué, Antonio Resines, Paco León
Estreno en España: 25 de marzo de 2006

Le damos un 7

El perro del hortelano, además de testamento de Pilar Miró, recuperó una tradición, sobre todo de TVE, de trasladar a imágenes obras del Siglo de Oro.

Carmelo Gómez, Ana Duato, Emma Suárez, Blanca Portillo y muchos otros dignificaron por aquel entonces el verso de Lope de Vega, al igual que ahora hacen lo propio los actores que a las órdenes de Manuel Iborra nos invitan a disfrutar de una deliciosa comedia clásica, acreedora de los guiños incluidos en buena parte de los productos tan modernos que llegan a las pantallas.

El responsable de correctos trabajos de entretenimiento televisivos (Pepa y Pepe) y cinematográficos (El tiempo de la felicidad) era consciente de que llevar a la pantalla una obra en verso no iba a ser tarea exenta de riesgo, mucho más si el cine español parece haberse cansado de experimentar nuevas fórmulas, anclándose en ejemplos de cine social y cercano a la realidad o comedias, de desigual factura.

El veterano realizador ha querido regresar a sus tiempos de estudiante en el TEI (Teatro Español Independiente) y rescata su pasión por el estudio de dramaturgos clásicos. Sin apartar el objetivo de sus actores, las piezas a las que mueve con suma delicadeza, se centra en un argumento que, al igual que toda la producción literaria de Lope, gira en torno al amor y también al dinero. Iborra desglosó el texto e hizo que sus actores lo aprehendiesen de tal manera que una vez visto el resultado parecen salidos del siglo XVII. Una impecable puesta en escena y una cuidada ambientación, apoyada también por una escasez de escenarios, otorgan credibilidad a este entretenido largometraje.

Las dos hijas casaderas interpretadas por Macarena Gómez (Platillos volantes, El Calentito) y Silvia Abascal (La voz de su amo, El Lobo) dan vida y gracia a los quebraderos de cabeza del personaje interpretado por Verónica Forqué. Junto a ellas desfilan Roberto Sanmartín (Habana blues), José Coronado (La caja 507), Juan Díaz (Noviembre) y María Vázquez (Silencio roto). Y si todos están correctos quien debe recibir los mayores elogios es Silvia Abascal, que con su lograda, divertida, tierna e incluso maliciosa interpretación consigue arrancar más de una sonrisa.

Y no crean que nadie inventa nada: el maestro Lope de Vega sentó las bases del género de comedia, unas normas ya universales aderezadas con enredos, engaños, equívocos, juegos, pasiones no correspondidas y giros absurdos. El acierto de esta dama boba es precisamente el hecho de existir.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Los aires dificiles"

2006-04-01T23:46:00.000+02:00

Director: Gerardo Herrero
Intérpretes: José Luis García Pérez, Cuca Escribano, Roberto Enríquez, Carmen Elías, Pilar Castro, Alberto Jiménez, Andrés Gertrudix, Antonio Dechent
Estreno en España: 25 de marzo de 2006

Le damos un 6

Con esta cinta sobre las segundas oportunidades continúa Gerardo Herrero en su afán de llenar los estantes de las librerías con una colección de películas. Los aires difíciles es una nueva adaptación literaria después de elaborar el guión de Heroína, su anterior largometraje, a partir de un suceso periodístico.

Ostentan Almudena Grandes y Belén Gopegui el honor de ser las más adaptadas aunque la relación con la primera se convierte en la más provechosa debido a que seguirá dando frutos: el cineasta está trabajando en dos proyectos basados en Atlas de geografía humana y Castillos de cartón, relatos que se sumarán a su larga lista de cintas "que también se leen" entre las que figuran Frontera sur, Malena es un nombre de tango, Territorio comanche, Las razones de mis amigos y El misterio Galíndez.

Aún así, que nadie piense que en las versiones cinematográficas de obras literarias se difumina la autoría del director porque no es cierto: en ellas permanece el sello y la autoría de un lector con recursos y formación para llevar las palabras a imágenes. A pesar de ello algo ocurre con el cine de Herrero quien, por muy bien que presente las historias, no logra emocionar con ellas. Es como si le faltara redondearlas, ponerle el lazo, y en esta ocasión lo requería más que nunca al tratarse de la película más compleja en cuanto a su narración.

No crean lo contrario: a sabiendas de lo anterior, Los aires difíciles se deja ver con gusto porque no le falta un buen material original y unos excelentes actores que llevan al límite sus interpretaciones, como José Luis García Pérez y Roberto Enríquez. Completan el reparto Carmen Elías, Antonio Dechent, Pilar Castro y Alberto Jiménez quienes, de forma figurada, se meten en la piel de unos obreros que apuntalan el trabajo de los protagonistas. Y si hay alguien que atrae todas las miradas esa es Cuca Escribano, descarada y realista asistenta de un médico que se refugia con su sobrina y su hermano en Andalucía, como la barca que arriba a las costas tras un naufragio aciago.

Hay personajes que se nos presentan cojos, como el de Sara (Elías), un sustento en la historia central del que no conocemos su pasado. Herrera lo ha solucionado con alfileres, con un recurso infantil ("si no me preguntas sobre mi vida anterior, yo haré lo mismo") que, sin embargo, justifica las ansias del cineasta por contar, en una nueva película, las vivencias de esta mujer madrileña que, por alguna razón que no imaginamos, acaba en las costas de Cádiz.

La idea de superar al pasado está presente en todo el metraje gracias también a las localizaciones del sur que contraponen el presente luminoso al pasado oscuro de los tres personajes principales (Escribano, García Pérez y Elías). El indomable viento, un protagonista más –de ahí el título- se alía con ellos llevándoles hasta una playa un tanto apartada en la que pueden empezar una vida nueva.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El arco"

2006-04-01T23:41:00.000+02:00

Director: Kim Ki-duk
Intérpretes: Yeo-reum Han, Si-jeok Seo, Gook-hwan Jeon, Seong-hwang Jeon
Estreno en España: 31 de marzo de 2006

Le damos un 7

El cineasta asiático que más agrada al sector europeo de la crítica regresa con otra fábula narrada de manera magistral.

Por medio de unos escasos mecanismos se dibuja un cuento sobre el amor, quizás el sentimiento más egoísta de todos, que cumple todos los objetivos para convertirse en nueva perla de culto en la filmografía de Kim Ki-duk.

Será porque nos estamos acostumbrando a su forma de tratar las relaciones -poco corrientes sin duda- que al salir del mundo acuático que nos presenta quedamos con cierto regusto a cotidianeidad. Esta sensación de novedad camuflada contrarresta en esta ocasión la admiración que provoca su colección de relatos audiovisuales, de los que aún desconocemos siete títulos en España.

Después de perderse con la poesía a cuestas por escenarios urbanos con Hierro 3 y Samaritan girl, el coreano necesitaba volver a uno de sus elementos más cinematográficos: el agua. La incomunicada barcaza en mitad del océano en la que habitan un viejo y una muchacha se convierte de nuevo en un escollo en medio de la nada, como las casitas flotantes repartidas por el lago de La isla y el entramado de madera del marjal de Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera. Una imagen simbólica de nuestra vida, una gota indiferente en comparación con la eternidad.

Kim Ki-duk gusta de tensar los hilos en cuanto a romances atípicos, de poner al espectador al límite dando protagonismo al silencio –considera que hablamos demasiado-, con bellos encuadres y un montaje rítmico. Vuelve a plantear una problemática que incumbe a dos personajes y aunque lo fácil sería que defendiéramos a uno de ellos, deja entrever que al otro le podríamos coger cariño.

Belleza, sadismo y dureza marcan un cine lleno de simbolismos: si los anzuelos que aparecían en La isla desterraban a las flechas de Cupido –aunque la metáfora avivase sensaciones desagradables- y los palos de golf se erigían en escudos protectores en Hierro 3, aquí la dicotomía la encontramos en el arco, como instrumento musical y arma de defensa. Y un joven universitario es el componente externo que siembra la discordia, alterando una irreal e hipotética vida placentera.

Huye de los formalismos aunque al final, esa concepción del cine distinta y arriesgada acabará otorgándole una capa de extrañeza cotidiana y recurrente. Y no decimos con esto que el coreano no sea capaz de provocar la sorpresa, sino todo lo contrario. Si no lo hiciera, si no jugase con lo imprevisible, no tendríamos ante nosotros a ese cineasta que hace maravillas del desconcierto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "AzulOscuroCasiNegro"

2006-04-01T23:35:00.000+02:00

Director: Daniel Sánchez Arévalo
Intérpretes: Quim Gutiérrez, Marta Etura, Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Héctor Colomé, Eva Pallarés
Estreno en España: 31 de marzo de 2006

Le damos un 8

Dice su autor que el color del título es un estado de ánimo. Ese tono se nos presenta como azul o como negro. Como esta cinta que a veces es un drama en toda regla y en ocasiones torna en una comedia ácida, un reflejo de la vida, que es dura pero tiene sus golpes de humor, ya que de otro modo sería muy difícil de soportar.

Este relato certero sobre la imposibilidad de elegir el camino, de rebelarse ante el destino y las clases impuestas, comienza con una secuencia esclarecedora acerca de por donde irán los tiros: padre e hijo confabulan, casi sin saberlo, una existencia futura que será frustrante para ambos.

La forma de narrar la historia, mostrándonos a los personajes en sus celditas, hacen de este título algo imprescindible, a años luz de todas esas cintas a las que se cuelga la etiqueta de generacionales. Y no nos referimos a los aceptables Noviembre, El otro barrio, Mensaka y Las razones de mis amigos. Este costumbrista y atípico trabajo sobre los caminos que se tuercen y se enderezan consigue emocionar, trasmitiendo un mensaje positivo con su fondo oscuro.

La necesidad que tienen los antihéroes por escapar a su realidad se nos contagia. Unos lo llevan mejor que otros y no hablamos precisamente del joven, ya cercano a los 30, al que da vida Quim Gutiérrez, que salta de la pequeña pantalla al cine (pronto le veremos en Sin ti, junto a Ana Fernández) tirándose de cabeza a la piscina. Su ejercicio logra la máxima puntuación, al igual que el de Marta Etura, convincente en todo lo que haga. Los dos conectan por primera vez con un autor (en sus loables facetas de director y guionista) que en su debut en el largo necesitaba sentirse arropado, rodeándose por eso de colaboradores habituales como Eva Pallarés, Hector Colomé y Ana Wagener.

Sobresalen las interpretaciones, cuidadas, naturales y realistas, a pesar de rozar la marginalidad y la exasperación. Atentos sobre todo a Antonio de la Torre (Poniente, Volver), animal cinematográfico capaz de adaptarse a un complicado registro no por su apariencia u origen en el libreto, sino por los continuos equilibrios que debe realizar entre la desesperación y la vitalidad, destilando humor negro sin resultar forzado o irreal. Es una pieza más del engranaje que hacen de este título una apuesta sólida, con inteligente intensidad dramática y profesionales como Pascal Gaigne, que imprime euforia con una banda sonora sutil en determinados momentos y dominante en otros.

Recopilemos ahora la esencia de AzulOscuroCasiNegro: seres reconocibles e identificables, prisiones, destino, yugo, responsabilidad, miedo a decir no.... ¿Empieza a sentirse agobiado? No se altere. Sánchez Arévalo lo contrarresta con sutiles dosis de humor realista repartidas a lo largo de un metraje que durante su primera hora mantiene un ritmo trepidante y envolvente, decelerando en su última media hora, sin que sea éste un factor determinante para negar la evidencia: excelente ópera prima de un cineasta que conserva las maneras que apuntó en su momento con sus cortometrajes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Gisaku"

2006-03-17T08:41:00.000+01:00

Director: Baltasar Pedrosa
Estreno en España: 17 de marzo de 2006

Le damos un 6

Entretenido producto destinado a los más pequeños, en el caso de consumidores nacionales, y a extranjeros profanos en cultura española.

Fiel a sus objetivos como panfleto publicitario de esta España nuestra, este título de los creadores de P3k: Pinocho 3000 y El Cid, la leyenda nació como aportación de la industria de animación patria a la Exposición Universal de Aichi 2005.

Los nipones debieron quedar encantados ante las aventuras de un samurai en estado de hibernación durante casi cuatro siglos, perdido en el tiempo y ajeno a los cambios. Yohei, que así se llama el disciplinado defensor de las buenas artes, despierta en la Sevilla del siglo XXI y se pueden imaginar el shock que sufre al comprobar como la Expo del 92 marcó un punto de inflexión en la capital andaluza.

Una trama un tanto forzada provoca que una peculiar trouppe comandada por este personaje, que a su vez homenajea al manga, recorra la península ibérica y arribe en las islas Baleares. Este viaje incluye paradas no sólo turísticas, sino también morales, al fomentar los principios de fraternidad y respeto al medio ambiente y preconizar la eterna lucha entre el bien y el mal: basta con ver las primeras acciones del quijotesco samurai, que le llevan a plantarse delante de un dragón enfurecido que no es otra cosa que el AVE Madrid-Sevilla a punto de llegar a la estación de Santa Justa.

Este curioso ejemplo de animación a la japonesa, con un ritmo más bien pausado y muchos efectos especiales, constituiría por sí solo un prodigio en la animación española, aunque acaba lastrado por las continuas referencias "de folleto" en un intento de difundir la España de hoy. Y, a pesar de que "el octavo país industrial del mundo ya no cree en leyendas", sus nuevos moradores -nos referimos a los más jóvenes- sí que deberían contemplar este largometraje didáctico que exalta, de manera nada sutil, las excelencias de la gastronomía mediterránea, la cultura del vino y los progresos tecnológicos a través de sus singulares protagonistas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Volver"

2006-03-17T08:33:00.000+01:00

Director: Pedro Almodóvar
Intérpretes: Penélope Cruz, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Carmen Maura, Yohana Cobo, Chus Lampreave
Estreno en España: 17 de marzo de 2006

Le damos un 8

No defrauda Almodóvar con este ejercicio de cine en estado puro, un relato costumbrista, vibrante y conciso, en el que rebosa el humor, y eso que habla de la muerte.

Deja el listón bien alto, recuperando un tono con el que impregnó títulos característicos de su primera etapa, quedando bien visible la autocita a ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, en concreto a la madre que viene a solucionar asuntos pendientes, y al humor ácido de Entre tinieblas.

Los planos de Almodóvar, estudiados al milímetro, suelen ser cuadros vivos. Pocas veces un plano concentra tanto como los primeros, con todas las mujeres del pueblo en el cementerio, adecentando las tumbas de cara al día de los difuntos. Las vestiduras de las hermanas protagonistas anticipan el acento colorista y luminoso que dominará todo el metraje, lleno como siempre de símbolos eternos en su filmografía (la maternidad, los hospitales, la vecina, etc.) y alguno nuevo, como la mesa camilla.

Nos regala un coro formado por seis personajes contundentes. Por medio de ellos dibuja a las mujeres que recuerda de su niñez en La Mancha, pero lejos de proponerles un fiel reflejo, las asimila y refunde, introduciéndolas en un relato redondo, sorprendente por sus portentosos giros. Entiéndase este apunte como todo lo contrario a los devaneos que le hicieron errar en La mala educación.

Muestra a sus personajes femeninos en toda su intensidad aunque un tanto idealizados, de ahí la soberbia interpretación de Penélope Cruz. Su rol ejerce de columna vertebral aunque ella pone mucho de su parte, dejando atrás su mejor trabajo hasta el momento, el de No te muevas. Consciente de que las marujas españolas tienen algún fleco o connotación peyorativa, Almodóvar ha convertido a Cruz en una casalinga italiana, un ama de casa con carácter y glamour, una mezcla entre la belleza racial de Sophia Loren y el porte atlético de Silvana Mangano.

La acompañan en sus viajes del pueblo a la ciudad -y viceversa- una cercana, y distante al mismo tiempo, Lola Dueñas, Chus Lampreave aprovechada al máximo y una correctísima Yohana Cobo que no se amohína ante tanto portento junto –su presencia en las situaciones surrealistas sirve de anclaje al lado más terrenal de Almodóvar-. Nos cansaremos de oír que Blanca Portillo, "ese animal cinematográfico", es el gran descubrimiento de Almodóvar para la pantalla grande. Lo cierto es que su aportación a la carrera de la actriz es similar a la que en su día hizo a la de Leonor Watling con Hable con ella (y Alejandro Amenábar a la de Dueñas con motivo de Mar adentro). Y no es otra cosa que apuntalar, con mucha destreza, el regreso al celuloide de una actriz que ya era grande en televisión y cine (no olvidemos El perro del hortelano y El color de las nubes) y, sobre todo, enorme en teatro.

Se reencuentra el manchego con las situaciones cotidianas pero llevadas a un extremo histriónico y muy divertido. Cuenta para ello con una de sus musas, con la que hizo sus seis primeras películas. El fructífero y agradecido trabajo de Carmen Maura otorga una dimensión especial, dejando en anécdota (o sueño surrealista, según se mire) una interpretación que en manos de otra actriz hubiera sido un tanto arriesgada.

Bajo una primera apariencia de fábula, Volver es un delicioso trozo de la vida real, un retrato con envidias, rencillas entre hermanas, rencores a flor de piel, luto, teléfonos móviles, zapatillas y rebequitas, muchas rebequitas. Un guiño a la España más tradicional, al barrio y al pueblo en el que hemos crecido la mayoría de nosotros.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.
Hablamos con Pedro Almodóvar.

Crítica de "Volver".

Avanzamos... "Volver".

Perfil de Carmen Maura.

Crítica: "No matarás"

2006-03-13T18:45:00.000+01:00

Director: Krzysztof Kieslowski
Intérpretes: Miroslaw Baka, Krzystof Globisz, Jan Tesarz
Estreno en España: 10 de marzo de 2006

Le damos un 6

Filme novedoso -más bien su política de reposición- precisamente por constituir en sí mismo una reliquia que atesora paradigmas del cine que ya no se hace y que ha sido objeto de innumerables reseñas. Lo nuevo radica en el carácter inédito, porque no olvidemos que este título se estrenó en 1988 y no es hasta ahora cuando llega a nuestras pantallas, coincidiendo con el décimo aniversario de la muerte de Krzysztof Kieslowski, uno de los pocos cineastas cuyas obras desafiaron telones de acero y cambios políticos.

¿Qué postulados sustentan el argumento de esta película premiada por el jurado del Festival de Cannes? ¿Edificar un alegato en contra de la pena capital? ¿Reflejar la agonía de un asesino al que se castiga con el mismo garrote que él ha empleado? Está claro que la violencia constituye su espina dorsal, pero este corto aunque denso largometraje –84 minutos- también comulga con el ideario del cineasta: no hacer películas sobre lo que hoy consideramos temas globalizados, sino retratos y relatos a una menor escala, porque al final lo que cuentan son las personas.

Expone de forma evidente una tesis en contra del asesinato y de la pena de muerte aunque en términos puramente formales la película es un tanto efectista, árida, tosca, fría (aquí se me viene a la mente los bloques de edificios y las largas avenidas de la otrora Europa Comunista). En definitiva, participa de las características inherentes a su filmografía anterior a la etapa francesa iniciada con La doble vida de Verónica (1991), también premiada en Cannes: los rasgos son los mismos, pero más acentuados en la producción de los ochenta y un tanto desdibujados en sus últimas e impecables facturas.

Más allá de su predicamento, la repercusión de esta revisión del quinto mandamiento del Antiguo Testamento está clara en herederos del testimonio fílmico como Lars Von Trier, que recoge el testigo en las escenas finales de la desgarradora Bailar en la oscuridad, protagonizada por Björk y Catherine Deneuve. Españoles como Jaime Rosales, en su curiosa Las horas del día, también aprehendieron fundamentos plasmados en la cinta del polaco.

No podemos asegurar que esta película haya inspirado muchas otras obras de ficción posteriores pero de manera más que evidente Kieslowski dejó un poso en creadores que abordaron el tema del castigo máximo e irremediable y la lista de cintas que tratan la cuestión es larga, destacando Pena de muerte, segundo trabajo de dirección de Tim Robbins (Ciudadano Bob Roberts), y Sentencia de muerte, un reciente estreno de Bille August (Pelle el conquistador, La casa de los espíritus) que conserva la esencia de No matarás aunque tamizada por la concepción ‘hollywodiense’ del cine actual.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El pozo"

2006-03-13T18:07:00.000+01:00

Director: Renpei Tsukamoto
Intérpretes: Kyoko Okudera, Naoto Sakurai, Takako Nozoe
Estreno en España: 10 de marzo

Le damos un 3

Avisamos para que nadie se lleve a error: este subproducto de sobresaltos es recomendable sólo para aquellos adictos al género del terror. Un género que quedará en moda pasajera como sus responsables no se apliquen en la creación de nuevos argumentos.

Con dos años de separación se estrena la secuela de Llamada perdida, todo un éxito de taquilla que alertaba de los peligros del teléfono móvil poniendo como ejemplo las trágicas muertes de unos amigos que van sucumbiendo víctimas de una maldición mortal.
La leyenda coge cuerpo y aparece esta segunda entrega, que repite patrones manidos hasta la saciedad y ritmos monocordes alterados sólo por sustos y gritos de los que se han abusado en títulos como La maldición, The eye, The ring, Dark water y todas sus interminables secuelas y "precuelas".

De la fábrica de churros sale uno más, basado de nuevo en una novela de Yasushi Akimoto, que debe estar construyéndose una mansión gracias a los incautos. El trasfondo literario, que no ofrece ninguna garantía, se difumina y los argumentos de toda esta selección de largometrajes, una vez recortados, se podrían condensar en cortos que quedarían en pequeñas joyitas uniendo la cada vez mejor factura técnica con una sinopsis breve, que condense la esencia a narrar y sin giros innecesarios que alarguen el metraje.

Con el único objetivo de no redundar, los distribuidores occidentales decidieron cambiar el nombre de esta cinta, cuyo original es Llamada perdida II, y ahondar en una parte del relato ancestral que da pie a la historia y poco tiene que ver con la telefonía sin cables. Ese supuesto atisbo de inteligencia resulta insultante para el espectador que sale del cine con la idea de haber degustado el mismo caramelo pero con distinto envoltorio.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Cargo"

2006-03-13T17:52:00.000+01:00

Director: Clive Gordon
Intérpretes: Peter Mullan, Daniel Brühl, Luis Tosar
Estreno de España: 10 de marzo de 2006

Le damos un 4

Claustrofóbico thriller psicológico camuflado como crítica social que apunta maneras de entretenido largometraje, pero queda en idea de lo que pudo ser y no fue. Las promesas de un buen título empiezan cuando descubrimos que el guión de Cargo cuenta con la firma de Paul Laverty, mano derecha de Ken Loach en títulos como La canción de Carla, Felices dieciséis y Un beso cariñoso. El excelente trabajo de ambientación también nos sirve para dejar conquistarnos por la atmósfera inquietante de este carguero con curiosa y exótica mercancía en su bodega.

Tres actores consolidados, de tres generaciones diferentes, integran el reparto que da vida al grupo de marineros malditos: por un lado Daniel Brühl (Good bye, Lenin!), firme candidato a personificar la nueva hornada de interpretes europeos; un comedido Luis Tosar (Te doy mis ojos) que parece no encontrar su hueco entre los tripulantes del barco; y Peter Mullan (Braveheart, El perdón), atormentado, muy atormentado, y casi etéreo, tanto que no resulta convincente en su rol de capitán.

¿Qué ha ocurrido para que el barco se vaya a pique, cinematográficamente hablando? El argumento no se sustenta por sí mismo y el juego narrativo con los devaneos en el guión, con giros inexplicables, es peor que los efectos de una tormenta sobre una balsa en alta mar. Con una factura técnica impecable, capaz de atrapar nuestra atención y provocar inquietud y misterio, Cargo es de esos títulos que arrasarían en los apartados de mejor sonido y fotografía en los grandes premios, pero su interés es tal que meses después de su visionado no recordaremos ni su carga.

El pasado de Clive Gordon como documentalista salpica el largometraje, dominado por una historia de polizones y desapariciones misteriosas, una metáfora de lo que estamos viviendo y sufren otros en términos de inmigración. Pero sin acusar el trasfondo ni entrar en simbologías (la culpa, la sangre pura, la fe, etc.) y quedándonos con el envoltorio de acción, diremos que Cargo plantea preguntas a las que parece que no da respuestas, tirando cabos que no sirven para anclar el filme a puerto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La fiesta del chivo"

2006-03-03T09:29:00.000+01:00

Director: Luis Llosa
Intérpretes: Tomás Milian, Isabella Rossellini, Paul Freeman, Juan Diego Botto, Stephanie Leonidas, Shawn Elliot, Murphy Guyer
Estreno en España: 3 de marzo de 2006

Le damos un 6

Lo mejor para no llevarse una desilusión ante una adaptación de un libro es contemplarla con mente abierta o, más fácil aún, no ir al cine.

Responsable hasta ahora de títulos sin más pretensiones que las de hacer taquilla (El especialista, Anaconda), Luis Llosa da un giro a su filmografía con la adaptación de la novela escrita por su primo, un elogiable retrato literario sobre el caudillo Rafael Leónidas Trujillo que llega al cine por medio de este trabajo correcto, con buena factura técnica e interpretativa, a pesar de que el resultado no logra emocionar.

La película reabre el debate sempiterno de las traslaciones al cine de la palabra escrita. Hay libros que parecen estar destinados a ser relatados por medio de imágenes, es el caso de éxitos de venta como El código Da Vinci y Memorias de una geisha. Para Mario Vargas Llosa el cine aporta una nitidez que no da la novela, mientras que la palabra da sugerencias, sutilezas. Algo de lo que está exenta esta producción.

Una obra siempre será incomparable a otra debido a que un creador es distinto a otro. No hay dos percepciones iguales sobre un mismo hecho al igual que dos lectores configuran en su imaginario su relato literario, aunque encontramos la excepción que confirma la regla en Balzac y la costurera china, escrita y dirigida por Dai Sijie.

Apuntalada con alfileres nuestra teoría, nos centramos ahora en La fiesta del chivo como producto audiovisual. Aunque es cierto que este trabajo es plano, de esos títulos que uno no recordará pasados unos años, resulta un entretenido y bien construido filme acerca de los últimos meses en la vida política de un dictador y la conspiración que provocó su caída, una de las ópticas empleadas en el discurso: Trujillo visto por los opositores, pero también por la hija del más leal de sus secuaces, Agustín Cabral, alias Cerebrito, presidente del Senado y mano derecha del dictador que dejó de gobernar en la República Dominicana en 1961.

Este fin de fiesta a 30 años de yugo político-criminal con todo lo que implica, como la falta de libertad y el abuso de poder, tiene a Tomas Milan, impecable, en la piel del dictador, y a Isabella Rosellini como narradora-protagonista, un papel que engloba a muchas Uranias.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La semana que viene (sin falta)"

2006-03-03T09:20:00.000+01:00

Director: Josetxo San Mateo
Intérpretes: Imanol Arias, Charlie Levi Leroy, Roberto San Martín, Bárbara de Lema, Rosario Pardo, Nuria González, Josu Ormaetxe.
Estreno en España: 3 de marzo de 2006

Le damos un 6,5

Las últimas producciones de San Mateo (Báilame el agua, Diario de una becaria) acentuaban cierta reticencia natural a contemplar de manera limpia y sin prejuicios este título.

La semana que viene (sin falta), según las informaciones previas a su estreno, lastraba la etiqueta de ser una nueva versión de una cinta de culto francesa. Los tiempos cambian y la carpintería gala sobre la que se basa este remake se ha convertido en un modesto pero productivo taller de tuning (ya saben: personalizar el coche de serie con elementos originales a gusto del consumidor), un negocio que genera pingües beneficios económicos al empresario y emocionales al dueño del automóvil.

Lo que parecía una estrategia comercial, aprovechando el paso desapercibido de Mi pequeño negocio por las salas españolas, deviene en entretenida y correcta película cuya esencia hace gala de los beneficios del trabajo en equipo y el espíritu emprendedor. Por si fuera poco, San Mateo explora el terreno de barrio, las entrañas humanas de la gran urbe que acoge nuevos modelos de vecinos, y lo hace sin la grandilocuencia con la que otros tildan de comedia social sus películas. Y todavía con prejuicios, nos preguntamos si el catálogo de virtudes se fue llenado de manera casual ante el fiel reflejo de condicionantes habituales en los tiempos que corren, como la cultura del éxito y el hecho de tener que acertar siempre a la primera, o el miedo a que el desconocido entre en nuestras vidas.

Entre tanto realismo, acentuado por el dinamismo de las cámaras en mano (se impone esta moda, duplicando el número de campos simultáneos), se cuela alguna que otra secuencia surrealista, que rebaja el nivel de las pretensiones y acerca el resultado al público objetivo. Del reparto, nada forzado con la excepción de algún personaje estereotipado, destaca Imanol Arias, que se desliga de interpretaciones, mejor dicho, la interpretación a la que nos tiene acostumbrado en los últimos años, convirtiéndose en la figura omnipresente en torno a la que gira toda la trama.

Confeso heredero de Luis García Berlanga, de su naturalismo y el tratamiento del humor negro en situaciones irreverentes, San Mateo ofrece una divertida visión acerca de las segundas oportunidades que se presentan sin avisar. ¿Sabrá aprovechar la que le ha llegado con esta película?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

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Entrevista a Imanol Arias.

Crítica: "Syriana"

2006-03-03T08:48:00.000+01:00

Director: Stephen Gaghan
Intérpretes: George Clooney, Matt Damon, Jeffrey Wright, Chris Cooper, William Hurt, Mazhar Munir, Christopher Plummer, Amanda Peet
Estreno en España: 3 de marzo de 2006

Le damos un 8

Sin dar tregua ni un sólo instante, el responsable del guión de Traffic nos hace testigos de una interesante partida de ajedrez con trágicas consecuencias.

Sobre el tablero mundial aparece en un lugar estratégico Syriana, un espejismo, el sueño irreal de una nación erigida a nuestro antojo. Es también la gloriosa presentación como director de Stephen Gaghan (Abandon, La desaparición de Embry), el discípulo que aventaja al maestro, en caso de que consideremos a Steven Soderbergh como tal.

Con un tono similar al empleado en la certera El jardinero fiel (Fernando Meirelles), también su esencia entronca con la de la adaptación de la novela de Jonh LeCarré al tratar las peligrosas y egoístas maniobras en caladeros ajenos. Partiendo también de un libro –las memorias de Robert Baer, miembro de la CIA y conocedor de Oriente Próximo-, Syriana es al oro negro lo que El jardinero fiel a la industria farmacéutica, dos piedras de toque con un grabado común: todo está conectado de manera fatídica e irremediable.

Gaghan cuenta hasta el momento en que se deja llevar por su idea de que el mundo, el juego de Risk gigante sobre el que nos permiten vivir, seguirá dominado por entes abstractos, intocables. Es ahí cuando la narración se complica a conciencia para que el espectador construya su puzzle, el de Syriana. Un rompecabezas a escala mundial cuyas piezas encierran tanta información que lo mejor es probar a encajarlas sin reticencias y con pocas intenciones de abandonar la partida –es decir, salir del cine- dejándolas bien colocadas.

Su estructura es la de un visual ‘carrefour’ o cruce de caminos, una amalgama de acciones que se superponen entre sí, interconectadas en un punto concreto. En el panorama desolador que dibuja Gaghan cada uno juega un papel crucial: pobres tentados por el radicalismo religioso, herederos al trono de un rico trozo de tierra del Golfo Pérsico, espías de la CIA manipulados como marionetas a miles de kilómetros de distancia del lugar donde realizan la misión, directivos de macro-compañías petrolíferas cuyos acuerdos subyugan las estrategias geopolíticas del gobierno de Estados Unidos,... Y todo esto condicionado, no por la política o la religión, que ya de por sí daría miedo, sino por la economía y unos pocos dirigentes sentados en sus sillones con respaldos de cuero. Es decir, lo que ya sabíamos y pocos se atreven a gritar en alto.

Persiguiendo el asombro ante el desarrollo de las múltiples historias desde un punto de vista fatalista -realista-, sin presentar a buenos ni malos, y otorgando protagonismo a la corrupción, sin contemplar ideologías o confesiones religiosas, Gaghan nos insta a conocer a unos personajes magistralmente interpretados aunque sesgados por un montaje acorde al guión al plantear preguntas y no dar respuestas.

Syriana es la vida real: compleja, inestable y enigmática hasta cierto punto. Un retrato valiente y crudo, sin adornos, del negocio y el odio que se incuba en los despachos, de donde salen las mentiras y las etiquetas atribuidas por los magnates en función de sus intereses económicos. Una película complicada, tan tremenda como necesaria. Clave para comprender un poquito más el mundo actual.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

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Director, actor... Clooney a dos bandas.

Perfil de George Clooney.

Crítica: "Buenas noches, y buena suerte"

2006-02-17T10:11:00.000+01:00

Director: George Clooney
Intérpretes: David Strathairn, George Clooney, Robert Downey Jr., Patricia Clarkson, Jeff Daniels, Frank Langella
Estreno en España: 10 de febrero de 2006

Le damos un 7,5

Retrato del enfrentamiento que tuvo lugar en los 50 entre el senador McCarthy y Edward R. Murrow, periodista crítico ante los oscuros procedimientos del primero.

Un retrato interesante, aunque sesgado. Interesante porque Clooney, en su segundo trabajo como director (Confesiones de una mente peligrosa), demuestra que se puede hacer una película sobria, correcta y valiente acerca de un capítulo sangrante en la historia del supuesto país defensor de las libertades (episodio que afectó también a la cultura y las artes); pero también sesgada, porque a pesar del tono del falso documental ficcionado (con imágenes de la época), se centra en las vivencias del grupo de periodistas televisivos de la incipiente cadena CBS, personajes capaces de cambiar el mundo presentados como héroes cotidianos sin afán de serlo, huyendo de los roles estereotipados.

Aún así nos quedamos con el partidismo desde el que se pretende mostrar la realidad de una de las partes de este conflicto mediático presentado como pugna-adalid de la libertad de expresión. La cinta, premiada en la Mostra de Venecia, aporta una interesante visión y resulta una notable, aunque algo fría, experiencia cinematográfica por su austeridad en cuanto a los recursos empleados, contando con imágenes reales que no chirrían al ser insertadas en el montaje y un intenso trabajo interpretativo del coro que arropa al veterano Strathairn (Atrapado en el tiempo, Mi mapa del mundo, Las flores de Harrison).

Para evitar que nuestro enfoque se distorsione ante aspectos secundarios, Clooney elude elementos esenciales en las grandes producciones de Hollywood como la música envolvente o la duración alargada de un metraje innecesario, centrándose en pulir el guión y maximizar la fotografía en blanco y negro, esclarecedora al detenerse en los detalles y en los rostros de los personajes. En cuanto al mensaje, Clooney pega un derechazo atinado al estado de terror generalizado que pretenden establecer algunos mandamases del mundo y lo hace, no levantando ampollas sobre hechos actuales, sino invitándonos a echar un vistazo al pasado, tan presente en nuestros días.

Sin ser una gran película, Buenas noches, y buena suerte (que toma su título de la frase con la que se despedía el carismático o controvertido presentador, siempre a gusto del consumidor) consagra al Clooney director como uno de los cineastas más comprometidos y con mayor proyección del Hollywood off o alternativo, surgido al margen de la industria pero alimentado por el apoyo de sus estrellas. Al fin y al cabo, otra etiqueta de esas que venden, sobre todo en el exterior.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Casanova"

2006-02-17T10:07:00.000+01:00

Director: Lasse Hallström
Intérpretes: Heath Leger, Sienna Miller, Jeremy Irons, Lena Olin, Oliver Platt, Charlie Cox
Estreno en España: 17 de febrero de 2006

Le damos un 5

El legendario seductor protagoniza esta comedia costumbrista ambientada en la Venecia del siglo XVIII, haciendo honor a su fama de ligón empedernido.

No espere mucho de este estreno que pone en la palestra los asuntos más turbios y amorosos de un personaje real alrededor del cual se instauró una curiosa mitología debido a su fama de inconstante y cínico vividor, demasiado realista para la época que le tocó vivir.

Giacomo Casanova inició a temprana edad su carrera de coquetería y aventuras con diversas mujeres, haciéndose popular a través del tiempo como el prototipo de amante y aventurero. El hombre da paso al mito y ahí es donde entra su relación con Francesca Bruni, una mujer liberal que publica panfletos de liberación femenina. Pero lejos de constituir una crítica a la religión o al machismo, esta liviana película, sin más pretensiones que las de entretener y ayudarnos a pasar la tarde de sábado, nos plantea los enredos que sustentan la trama sin hacernos pensar demasiado en ellos.

Francesca, la única mujer que logró resistirse a sus encantos y rechazarlo, articula todo el argumento de este ir y venir de disfraces, duelos, engaños y carreras con la Serenísima de fondo, si me apuran, lo mejor de este filme en la línea de Shakespeare in love, aunque más cercano a la historia un tanto anodina de Algo de que hablar. Precisamente este título es del mismo director, que a su vez cuenta con ciertas perlas en una filmografía que avanza en paralelo a la del último cine de Hollywood, aunque algo más trabajada: las cintas Las normas de la casa de la sidra y Chocolat son de las más curiosas de todas las filmadas por el sueco Lasse Hallström, pero debemos ceñirnos a Casanova, carente de toda emoción dramática y valor histórico.

Llegados hasta este punto recomendamos la adaptación que del libro de memorias de autobiográficas realizó en 1976 Federico Fellini, con Donald Sutherland en el papel del seductor que sentía la necesidad de labrarse al menos una conquista femenina al día. Tiene este Casanova, eso sí, algunos puntos a su favor: un reparto formado por los siempre correctos Lena Olin, Oliver Platt y Jeremy Irons, que arropan a Heath Ledger en una interpretación plana pero capaz de conquistar al público femenino (después de lidiar con Brokeback mountain), ciertas imágenes reales de la insólita Venecia y una lejana reflexión a partir de flecos morales, como la reivindicación lógica de la igualdad intelectual femenina. Por destacar algo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Reeker"

2006-02-17T09:55:00.000+01:00

Director: Dave Payne
Intérpretes: Devon Gummersall, Derek Richardson, Tina Illman, Scott Whyte, Arielle Kebbel, Michael Ironside, Eric Mabius
Estreno en España: 17 de febrero de 2006

Le damos un 4

Está bien que su director aclare que pretendía mezclar horror y humor, porque aparte de prometer sustos, consigue sacarnos más de una carcajada.

¿Es tan difícil realizar una película de terror digna en sus planteamientos y que no acabe en el cajón de lo olvidable? ¿Acaso Reeker no es un trabajo coherente en función de sus principios? Si lo fuera, el caso es que nos parece un refrito de títulos como Halloween, Posesión infernal y La matanza de Texas. Aún así resulta entretenido y fiel al trazado inicial, con guinda de regalo: el cameo del idolatrado Michael Ironside.

Dave Payne, que recibe el influjo de Roger Corman (La matanza del día de San Valentín, Aullidos) repite el esquema, más que clásico aburrido, de las comedias de terror adolescente: jóvenes en medio de la nada, sin posibilidad de escapar debido a la falta de gasolina e incapaces de comunicarse con un ser vivo no sanguinario, cayendo como moscas en una telaraña de terror a manos de un ser maloliente (reeker alude a olor putrefacto y caos generalizado). Busca el grito fácil, pero Payne logra no sólo asustar, sino también descolocar al espectador, incluyendo escenas que provocan la risa, con personajes estereotipados.

Que los acérrimos seguidores del género me corrijan, pero acerca del terrible abismo que separa el mundo de los vivos del de los muertos se han hecho ya muchos largometrajes como Los Otros, The Dark –muy parecida a su vez a Amenaza en la sombra- y Dead End, una cinta estrenada el año pasado que ya brillaba por la nula originalidad del argumento y lo poco arriesgado de su realización. El título de Jean-Baptiste Andrea y Fabrice Canepar acerca de una familia perdida en una carretera sin fin jugaba desde el principio con los golpes de efecto, bebiendo del clásico por excelencia de este género, La matanza de Texas, y alargando su metraje injustificadamente.

Reeker se asemeja mucho, demasiado quizás, pero al menos no se hace pesada y tampoco engaña a nadie aparentando lo que no es.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Secretos compartidos (Prime)"

2006-02-03T11:13:00.000+01:00

Director: Ben Younger
Intérpretes: Uma Thurman, Meryl Streep, Byan Greenberg, Jon Abrahams
Estreno en España: 3 de febrero de 2006

Le damos un 6,5

Que cargamos demasiado nuestra vida con etiquetas y convencionalismos innecesarios lo tenemos ya asumido. Aunque esta cinta nos lo recuerde, a más de uno dejará indiferente su trasfondo. Eso sí, al menos habrá pasado un rato entretenido en la sala de cine.

Buena parte de los títulos que están hoy en cartel reflejan la realidad y en ocasiones se arriesgan a normalizarla: relaciones entre homosexuales, exhibición de comportamientos racistas, tratamiento de actos terroristas sin enjuiciarlos... De manera más suave se afrontan otros temas, menos hirientes y polémicos, que pronto serán cotidianos como la eterna cuestión de la diferencia de edad en las relaciones de pareja, algo ya resabido en el caso de hombres maduros y jovencitas aunque todavía poco tratado en el caso contrario.

Camuflada como la típica historia de enredos, con la dosis justa de humor, Secretos compartidos es de esas películas que pasan desapercibidas pero dejan cierto regusto dulce en el paladar. Como habrán leído en la reseña, cuenta la pasión compartida entre una atractiva mujer a punto de llegar a los 40 (Uma Thurman) y un veinteañero (el hasta ahora desconocido Bryan Greenberg). Las dudas, el plato fuerte del filme, acechan a nuestra protagonista y decide acudir a una psicoterapeuta para que le aclare las ideas. Se nos olvidaba un apunte para cerrar el círculo: él proviene de una familia judía de costumbres arraigadas. Y hasta ahí podemos escribir para no desvelar ningún secreto de una trama que por momentos parece rendir homenaje a El graduado, dirigida hace 40 años por Mike Nichols.

Ben Younger (confeso admirador de Neil Simon y Woody allen) enfoca las relaciones del trío haciendo lo normal en el cine, que consiste en que nosotros, como espectadores, sepamos más que las pobres marionetas que ponen en pie su guión y eso no deja de ser divertido. Ya lo hizo al tratar el aluvión de nuevos ricos en El informador, su entretenida ópera prima en la que los personajes se movían por entramados financieros de la incipiente economía a mediados de los años 90.

Sin cargar las tintas acerca del peso de las tradiciones –que de vez en cuando hay que renovar para que no se anquilosen- Younger adopta un estilo que recuerda, muy de lejos, al cine de Woody Allen. Para su suerte pudo contar con Meryl Streep, además de ofrecernos una buena oportunidad para ver a Uma Thurman como alegre divorciada que se desenvuelve muy bien en el corazón de Nueva York, campo de batalla donde se desarrolla esta singular historia de amor posible, otra visión del clásico Romeo y Julieta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Munich"

2006-01-27T08:58:00.000+01:00

Director: Steven Spielberg
Intérpretes: Eric Bana, Daniel Craig, Ciaran Hinds, Mathieu Kassovitz, Hanns Zischler, Geoffrey Rush, Ayelet Zurer, Michael Lonsdale
Estreno en España: 27 de enero de 2006

Le damos un 7

En su doble faceta de maestro certero y comerciante cinematográfico, Spielberg sigue en su línea de narrador dramático gracias a esta notable producción. Con ella pretende tocar la fibra sensible al tomar los trágicos acontecimientos ocurridos durante los Juegos Olímpicos de 1972 como excusa para narrar el dilema moral que se plantea un hombre cuyo principal objetivo es matar.

Dentro de su amplia filmografía, Munich entronca con títulos más comprometidos con la historia (La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan), es menos aséptico que los anteriores (Atrápame si puedes, La terminal) y se aleja de la ciencia ficción (Inteligencia artificial, La guerra de los mundos). Con tantos millones de dólares de presupuesto, un reparto donde hay caras australianas (Rush y Bana), británicas (Craig, el nuevo James Bond) y europeas (Kassovitz y Zischler, vistos en Amén), y el trabajo en tantas cintas en las que ha practicado la relación causa-efecto, el mago de la industria no debería encontrar problemas a la hora de sumergirnos de lleno en su particular visión de la respuesta israelí, la operación 'Cólera de Dios', a la matanza provocada por los terroristas del autodenominado Septiembre Negro.

Munich logra acongojar, emocionar y abrir el debate, aunque presenta algunos puntos negros, como la duración excesiva, el punto cómico que a veces resulta desmedido y el tratamiento técnico de algunos de los asesinatos perpetrados en la cinta, demasiados y muy violentos. Son esos aspectos precisamente los que demuestran cómo se inclina Spielberg por el cine comercial (no olvidemos que es el avispado productor de La máscara del Zorro, Shrek, Memorias de una geisha, etc.), pero algo que le dignifica es que, lejos de buscar una trama que no incomode demasiado, hurga en la hemeroteca y redescubre un hecho a los desmemoriados, servido, eso sí, en un plato cocinado con la experiencia audiovisual acumulada tras cuatro décadas de trabajo y aderezado con mucha ficción de cosecha propia.

¿Es un síntoma de madurez que se rodee de profesionales ajenos al glamour y la mecánica de los grandes estudios? Recurre Spielberg a un interesante escritor, de nombre Tony Kushner, cuyas obras de teatro se estrenan en los circuitos alternativos de media Europa, llegando a Broadway las menos minoritarias, como Angels in America. Es uno de los que firman el guión de Munich, inspirado en el libro La venganza: relato verídico de una misión terrorista israelí aunque su autor, George Jonas, se apresurase a decir que ambas obras poco tienen que ver. Pone el ojo en la eterna separación entre extremistas, en este caso sionistas y palestinos, cuestiona la acción policial de los alemanes durante el secuestro y apunta alto hacia lo que se conoce como 'terrorismo de Estado'. Spielberg no deja títere con cabeza, pero lo cierto es que él sólo se aprovecha de la historia para narrar, de forma certera y con maestría formal, el debate que tiene lugar en la mente de un hombre al que ordenan matar sin cuestionarse el porqué y acaba experimentando las graves consecuencias de esos actos.

Es así como equilibra la balanza, inyectando moralina a las relaciones entre unos y otros para que no seamos capaces de distinguir a los buenos de los malos y poniendo en primer plano a víctimas que para otros pasarían desapercibidas, como la mujer del héroe-villano, una judía condenada al exilio interpretada por Ayelet Zurer (Las tragedias de Nina).

Por encima de las oraciones por la paz del cuentacuentos mimado por Hollywood, Munich recupera el género de espías tan popular en los años 70 (Chacal), aunque las separa una estructura un tanto reiterativa y una visión hábil que termina deformándose en momentos puntuales, cuando acude a montajes de imágenes un tanto peliagudos (reconocerán la secuencia en cuestión) e incluye planos efectistas, de esos que suelen gustar a todos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Iluminados por el fuego"

2006-01-27T08:43:00.000+01:00

Director: Tristán Bauer
Intérpretes: Gastón Pauls, Virginia Innocenti, Pablo Ribba, César Albarracín, Arturo Bonín, Víctor Hugo Carrizo, Marchelo Chaparro, Juan Leyrado
Estreno en España: 27 de enero de 2006

Le damos un 6,5

Los fantasmas de la guerra regresan años después golpeando con tanta fuerza que el recuerdo se materializa de nuevo. El trauma de las Malvinas vuelve dos décadas después, restituyendo la memoria histórica.

Inspirada en el libro autobiográfico de Edgardo Esteban, que con sólo 18 años fue movilizado por el ejército, Iluminados por el fuego es la carta de presentación internacional de Tristán Bauer, un apasionado de Borges y Cortázar, que carece del sentimiento ultranacionalista que podría haber manchado el tratamiento de esta historia que tanto gustó al jurado del pasado Festival de San Sebastián. El cineasta, encaprichado de la historia real, se alejó de los condicionantes patrióticos –que casi siempre son terribles- acerca de una de las últimas batallas cuerpo a cuerpo que tuvieron lugar entre potencias occidentales.

Capítulo bochornoso para ambas partes, sobre todo para el lado argentino, se atisba el daño y la angustia que el conflicto provocó en la sociedad, mientras gobierno y ejército callaban al respecto. Por eso la propuesta de Bauer es interesante ya que rompe también el silencio impuesto aunque se den los aciertos y los errores de una primera cinta sobre el caso. Uno de eso fallos radica en que no cuenta con el gancho suficiente para conmover, quizás por la facilidad con que extrapolamos el caso de las Malvinas a otros conflictos.

Sin emplear un enfoque aséptico, la película planea sobre territorios y personas a quienes que no les pertenecen. Unas pocas pinceladas de rigor histórico no son suficientes para exportar su cinta a espectadores que desconocen o sólo tienen claros algunos apuntes acerca del conflicto que mantuvo en liza a británicos y argentinos en 1982. Y precisamente ahí, arma de doble filo, encontramos otro acierto: la desubicación temporal y espacial que hace que nos centremos en las secuelas que padecen aquellos que participan en una guerra.

Con una duración justa, secuencias medidas y un posicionamiento neutral, Iluminados por el fuego cuenta con interesantes momentos como el que resalta el sentimiento de perdida y desconcierto del personaje de Gastón Pauls en la enfermería, un paralelismo con los cerca de 400 suicidios producidos entre los ex combatientes, una cifra que casi dobla al número de muertos in situ y más escalofriante a la hora de comprender a los derrotados, que volvieron al continente si que nadie hablase de Malvinas. Aunque nuestro protagonista volverá a las islas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Caché (Escondido)"

2006-01-20T13:02:00.000+01:00

Director: Michael Haneke
Intérpretes: Juliette Binoche, Daniel Auteuil, Maurice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonsky
Estreno en España: 20 de enero de 2006

Le damos un 8

En 1961 centenares de argelinos murieron en Francia. Un episodio trágico oculto a la opinión pública. Pocos cineastas sabrían vincular un hecho histórico como ese a una acción de suspense llamémosle cotidiano o de andar por casa.

Michael Haneke se ha hecho merecedor de un puesto de mirón indiscutible al plantear un peculiar punto de vista acerca de las relaciones de pareja: introduce avisos externos o mueve elementos, a priori desechables, con tal de desestabilizar el universo íntimo y personal, provocando un pequeño 'big bang'.

El Haneke más desagradable también hace su aparición en este inteligente híbrido entre el terror real y el psicológico, donde el desgarrador desconcierto se convierte en protagonista haciendo mella, casi sin levantar sospechas, en un matrimonio de clase media-alta, menoscabando en los sentimientos de dos personajes que viven en la cuerda floja por culpa de una angustiante sensación de intromisión ajena.

Un valor seguro dentro de la interpretación, Daniel Auteuil, entra en la nómina de actores de este cineasta minoritario –La pianista, con Isabelle Huppert y Benoît Magimel, fue un extraño caso de éxito- que ha sido reconocido por la Academia de Cine Europeo. Completa el tándem de actores en perfecta conjunción Juliette Binoche, que ya trabajó con el responsable de Funny games y El tiempo del lobo en Código desconocido.

Caché (Escondido) puede gustar o no, aunque si es de los que salen del cine pensando que ha visto una aberrante muestra de cine absurdo y aburrido –la película se presta a ello para muchos-, sólo nos queda apuntar en su defensa que Michael Haneke, no tan accesible como otros creadores, se ha especializado en sembrar de miedos y angustias el terreno de lo cotidiano, suelos controlables en primera instancia pero que se tambalean en cuanto se induce el temor a lo desconocido, hacia algo escondido y no identificable.

A los mirones y curiosos les causará otro efecto, acumulable en la lista de virtudes del cineasta austriaco: en su faceta de provocador nos sitúa en el ojo de la cerradura para que miremos a través de la ventana durante un rato largo. El espectador acaba perturbado, desconcertado al ser partícipe de los secretos de la infancia gracias al pulso certero del director austriaco como narrador a partir del juego con nuestro desconocimiento y desconfianza –seguro que a otro cineasta no le permitiríamos tantos devaneos-, si bien algunos personajes están dibujados con menos acierto, como los sospechosos, quizás porque en definitiva, todos somos susceptibles de serlo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Alone in the dark"

2006-01-20T09:01:00.000+01:00

Director: Uwe Boll
Intérpretes: Christian Slater, Tara Reid, Stephen Dorff, Will Sanderson, Darren Shahlavi
Estreno en España: 20 de enero de 2006

Le damos un 2

El hombre siempre ha tenido miedo de la oscuridad, y en el cine las sombras han jugado malas pasadas en títulos que lograban su objetivo. A diferencia de esta desastrosa película que provocará la ira de los aficionados al videojuego homónimo.

Unimos una historia protagonizada por criaturas que viven en las sombras a la visión apocalíptica del fin de la humanidad tal y como la conocemos hoy. ¿Qué obtenemos? Una dudosa cinta de terror con antropólogos de museo y fuerzas de seguridad de élite que se topan con criaturas y efectos paranormales, descubriendo lo que nosotros no podemos o no queremos ver. En torno a ese argumento gira esta película, insostenible de principio a fin y no precisamente por su trama fantástica, sino por los personajes planos, la estructura infantil y unos efectos especiales basados en destellos luminosos y rápidos movimientos de cámara.

Aún así nos adentramos en ese mundo de sombras que está a nuestro alrededor a sabiendas de que puede acabar con el nuestro a menos que Christian Slater, metido a caza-entes, nos saque del apuro. Nuestro gozo en un pozo, ya que ni su presencia ni la de Stephen Dorff consiguen levantar esta fallida adaptación de juego de consola protagonizado por Edward Carnby, quien recibe encargos que van desde investigar casas encantadas a destruir localidades enteras dominadas por muertos vivientes. Eso en el videojuego, porque en la película Carnby se enfrenta a algo más antiguo y desconocido, encerrado tras compuertas que no deben ser abiertas.

Predecible y mecánica, el relato parece construido con retales: trozos de aquí y allá, retazos de historias protagonizadas por criaturas de museo, conciencia primitiva del miedo a la oscuridad (Darkness), creencias alimentadas por sectas o comunidades ancestrales (The dark), orfanatos y hospitales donde cohabita el mal a modo de experimentos (Creep, El internado) y males con esencia de virus o estelas de asteroides capaces de diezmar la población de la Tierra (La noche del cometa, 28 días después).

Alone in the dark bebe además de otras muestras de cine inspiradas a su vez en juegos de ordenador, como Resident Evil. El alemán Uwe Boll ya tenía una (fallida) experiencia con House of the dead, pero parece que no aprende de los errores cometidos. Los aficionados a los videojuegos todavía aguardan el estreno de la película de terror que combine inteligencia y entretenimiento. Propongo que por ahora nos quedemos con Final Fantasy y ese prodigio de mujer (animada) que es la doctora Aki Ross quien, dentro de la virtualidad, promete una interesante historia de descubrimiento personal.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Brokeback Mountain. En terreno vedado"

2006-01-20T08:56:00.000+01:00

Director: Ang Lee
Intérpretes: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Randy Quaid, Anne Hathaway, Michelle Williams, Valerie Planche, David Harbour
Estreno en España: 20 de enero de 2006

Le damos un 8

¿No están cansados de que todo en esta vida se catalogué, se clasifique en estantes independientes unos de otros?

Es cierto que nos movemos por clasificaciones y calificaciones, pero de cuando en cuando deberíamos limpiar nuestra mente de etiquetas. Sólo así, sin atender a prejuicios y moralinas, podremos disfrutar de buen cine, de una película narrada desde la maestría cinematográfica con dulzura y naturalidad, una historia sencilla acerca del comportamiento humano y el motor acelerado que constituye el amor.

En el mundo real no hay compartimentos exclusivos, tampoco en el cine. Con la última de Lee tendríamos que buscar el lugar adecuado entre el género protagonizado por rudos vaqueros, las películas con temática homosexual, el drama y la sección donde están las románticas. Lioso, ¿verdad?

Hartos de etiquetas encontramos esta cinta del responsable de Sentido y sensibilidad, La tormenta de hielo y Hulk, entre otras. A muchos entusiasmará y, curiosamente, pensamos que a pocos desagradará, ya que ni los más homófobos tendrán argumentos que esgrimir en cuanto al tratamiento de este relato que es, por encima de todo, una historia universal de pasión entre dos seres condenados a no estar juntos. El cineasta taiwanés, más pudoroso que de costumbre aunque en su línea, se alía con la mesura: no muestra casi nada, deja que nosotros hagamos el trabajo mediante nuestra intuición. Él, lejos de escaquearse de sus labores, trabaja el choque de personalidades contrapuestas que se complementan, la lucha de uno frente a los sentimientos (amores reprimidos como en Lo que queda del día) y el fiel retrato de la pasión consumada mientras el mundo sigue girando.

Intentamos no caer en convencionalismos, pero el propio Lee nos lo pone difícil, ya que a través del cine hemos descubierto que los hombres del salvaje oeste americano pertenecen a un arquetipo conservador, machista y heroico aunque, sintiéndolo por los abanderados de los movimientos de todo tipo, el western homosexual pierde fuelle frente a la reivindicación del derecho al deseo (La edad de la inocencia, Esplendor en la hierba). Como decíamos antes, no hay que ser excluyentes, permitiendo que los que saben cómo narrar cuentos (ya sean tórridos amores o estudios psicológicos) nos deleiten con uno que además cumple la función de derribar mitos, para después edificarlos más férreos si cabe. Todo gira en torno a este objetivo final: el trabajo de las actrices que dan vida a las abnegadas esposas, el ritmo sosegado, la fotografía que exalta la sensación de soledad y la música reposada.

En Estados Unidos la película ha gustado entre la gente del sector (4 Globos de Oro, entre otros premios) y los círculos críticos de las principales ciudades; y como era de esperar, ha provocado la ira de los más ortodoxos en materia social y sexual. Europa tiene otro talante, aunque ya nos gustaría que esto no fuera una pobre y recurrente etiqueta que nos apresuramos a soltar para que nos diferencien de nuestros vecinos al otro lado del Atlántico. La cinta se premió en la Mostra de Venecia, y eso que hay muchas cintas de temática homosexual bien enfocadas (Mi hermosa lavandería fue un referente en los 90), algo que nos induce a pensar que aquí nos dejamos llevar menos por la lectura inicial, la superficial primera capa que hace que más de uno califique esta obra maestra como mero western gay.

Un apunte para finalizar: sin menospreciar el trabajo de los actores de doblaje al castellano recomendamos la película en versión original sólo por la labor de caracterización de Heath Ledger, al que pronto veremos en Casanova seduciendo al otro sector, al femenino.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Sentencia de muerte"

2006-01-13T10:09:00.000+01:00

Director: Bille August
Intérpretes: Connie Nielsen, Aidan Quinn, Kelly Preston, Mark Holton, Timothy Daly
Estreno en España: 13 de enero de 2006

Le damos un 7,5

Secuestro, sentencia, culpabilidad, amor, escasez de perdón... Son algunas de las piezas de este rompecabezas. Un interesante título de intriga con el que el director de Pelle el conquistador y La casa de los espíritus desafía al espectador, y que llega a nuestro país después de pasar algunas vicisitudes de cara a su estreno.

Hace unas semanas pudimos ver en España La cosecha de hielo (Harold Ramis), un trabajo que, envuelto en sencillez aparente, narraba un hecho puntual explorando la fuerza visual del paisaje interior de los personajes. En la misma línea argumental del 'nada es lo que parece' y la evolución moral de los protagonistas, se sitúa un título que acentúa la necesaria revisión (y la consecuente abolición) de la pena de muerte dentro del sistema judicial aplicado en ciertos estados norteamericanos.

Sin embargo, Billy August no ahonda a priori en el tema de la pena capital con el mismo ímpetu de Tim Robbins en Pena de muerte (Sean Penn, Susan Sarandon), sino que el corredor de la muerte se emplea como decorado de fondo a la hora de relatar un caso de pesquisas e intriga, haciendo que Sentencia de muerte tenga más de thriller psicológico que de otra cosa. Un procedimiento parecido al usado por Lars Von Trier en Bailar en la oscuridad (Catherine Deneuve, Bjorg), aunque ésta abogue por un género mixto como es el de la tragedia musical.

La carrera contra el tiempo por recurrir la sentencia nos remite a la angustia de las imparables agujas de reloj, camufladas aquí a modo de secuencias concisas que dotan de ritmo ágil este puzzle de intriga con inusual historia de amor en medio. El trabajo de Aidan Quinn y Kelly Preston como corredores de velocidad guarda similitudes con títulos anteriores como Ejecución inminente (de Clint Eastwood) y Acusada (de Bruce Beresford), donde el personaje de Sharon Stone veía como los granos de arena de su reloj caían de manera irremediable mientras su abogado se dejaba la piel en el intento por librarla de un final inminente por irregularidades en el proceso de condena.

Interpreta a la rea Connie Nielsen (Gladiator, Hermanos), que ha dejado de ser la estrella que surgió del frío para proclamarse uno de los rostros habituales en el cine reciente. Sin ir más lejos aparecía en la mencionada cinta de Harold Ramis con un rol distinto aunque igual de rico en matices. De mujer fatal a reclusa abnegada ante su destino pasa la actriz que mantiene la conexión danesa con el director, que intenta por medio de este largometraje entender a una sociedad que mata a sus propios ciudadanos, una investigación moral encubierta que revela muchos datos reales que rodean las condenas a muerte, desde que han existido personas que se han enriquecido vendiendo cartas de los ejecutados, hasta cómo hay ciudadanos que reciben 200 dólares por apretar el interruptor de la silla eléctrica o suministrar la inyección letal. Aunque son demasiados los que participarían en este proyecto de muerte de forma gratuita.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Sud Express"

2006-01-13T10:02:00.000+01:00

Director: Chema de la Peña y Gabriel Velázquez
Intérpretes: Gerald Morales, Tino Guimarães, German A. Joao, Lidia Pinville, Javier Delgado, Pilar Borrego, Juanma Hernández
Estreno en España: 13 de enero de 2006

Le damos un 6,5

La proliferación de los vuelos de bajo coste ha desterrado la idea de pasar largas jornadas en cómodos compartimentos de tren. Pero justo ahora, surge una película que rescata las románticas sensaciones perdidas alojadas en nuestra memoria, permitiendo que asistamos a la intimidad ajena de forma cercana.

Atrás ha quedado el sentido épico del viaje, aunque por fortuna perduran algunas de las grandes rutas ferroviarias que aún hoy condicionan la vida de quienes crecieron a su amparo. Chema de la Peña (aunque no lo crean, es el responsable de las dispares De Salamanca a ninguna parte e Isi/Disi) y Gabriel Velázquez (experimentado cortometrajista) nos acercan varios de estos breves relatos de larga existencia, al igual que el argentino Carlos Sorín nos deleitó hace unos años con historias también mínimas.

Los trayectos en tren tienen algo de soledad y sueños por cumplir, así como mucho de introspección personal a pesar de estar en permanente contacto con el paisaje exterior. También a través de las ventanillas vemos la quietud de una estación en desuso, un pueblo solitario formado en torno a una vía por la que antes pasaban más trenes, y viejos factores que tras la jubilación serán suplantados por sistemas informatizados y consignas automáticas. A la vera de la vía se hace patente la incomunicación de la globalización, que sobre todo menoscaba las sociedades rurales.

Mucho de eso tiene este híbrido entre el documental y el largo de ficción que nació hace más de 2 años a partir de la idea de narrar con imágenes el trayecto del ferrocarril que da nombre al título y traza una línea entre París y Lisboa, atravesando de oeste a norte la península ibérica, echando a la mochila estaciones, horizontes y seres humanos, que seguirán inalterables cuando nosotros, años después de habernos cruzado en su rutina, los recordemos desde nuestra particular soledad.

Entre tanto realismo, donde pesa la visión negativa, sobresale la fuerza del silencio y la necesidad de sentir, más que la de entender. Los dos salmantinos encargados de la dirección, el guión y la producción han otorgado protagonismo a los sentimientos y las emociones que suscita un tren legendario habitado durante unas horas por personas con diferente procedencia, clase social y anhelos en la vida. De ahí la frescura de los intérpretes de nacionalidades que van más allá de la lusa, la española o la gala, territorios emocionales por los que pasa el tren: perseguir la credibilidad no es tarea fácil, y la sensación de realidad viene dada por una mínima parte de los interpretes, la que corresponde a los actores profesionales pero desconocidos, ya que en caso contrario, contando sólo con personajes reales, el rodaje se hubiera eternizado cayendo en la falsa naturalidad, haciendo mella en el resultado en pantalla.

Rodada en árabe, portugués, castellano, euskera y francés y con una impecable factura técnica –no consistió en coger la cámara y captar imágenes a lo loco-, la cinta sirve de ejemplo cuando hablamos de que la mejor improvisación proviene del ensayo. Sud Express es, por encima de una vetusta línea que transporta hoy a inmigrantes y jóvenes viajeros, un itinerario que une y también separa dos realidades bien distintas (la urbana y la rural, la oriunda y la inmigrante), a pesar de que un lisboeta sea similar a un parisino en el seno de la Europa común.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Crash" (Colisión)

2006-01-13T09:50:00.000+01:00

Director: Paul Haggis
Intérpretes: Sandra Bullock, Don Cheadle, Matt Dillon, Brendan Fraser, Thandie Newton, Ryan Phillippe, Jenifer Esposito
Estreno en España: 13 de enero de 2006

Le damos un 8

Vivimos en sociedades donde nos aislamos de los demás e intentamos no tocarnos, por miedo al extraño y el celo de nuestra intimidad. En ciudades como Los Ángeles puedes pasarte días enteros sin entablar contacto directo con nadie, pero es fácil que entre tanto habitante despunten historias rocambolescas. No resulta extraño que películas políticamente incorrectas como Traffic y Pulp Fiction se ambienten en la ciudad californiana. Con ellas tiene mucho en común la ópera prima del guionista y productor de Million Dollar Baby y más que por el escenario, por el tratamiento de la narración: las historias de Paul Haggis se entrelazan y precipitan en caída libre, como los coches que se estrellan y se ven sacudidos, desplazándose de su ruta milimetrada.

Este relato múltiple está protagonizado por víctimas y verdugos que alternan sus papeles cruzándose, algunos, en una fracción de segundo y moviéndose, todos ellos, en terrenos resbaladizos. El coche es el elemento que dignifica a unos, aunque muchos pueden acabar en un amasijo de hierros que antes formaban nuestro preciado don y aquí es el responsable de que seres dispares que forman un crisol variopinto se topen en lugares y momentos equivocados.

Todas las piezas del puzzle tienen el denominador común de la xenofobia. Se atisba la tajante moral y por fortuna, nada conservadora, de Haggis. Se palpa a través de guiños que acentúan la diferencia entre el norteamericano tipo y los vecinos, y eso que algunos llevan conviviendo con él desde hace bastante tiempo. Hay de todo en este cajón, como hijos de buena familia a los que corroe la ira y abusan de su autoridad, racistas gestados mediante un proceso alimentado por la rabia y el temor a lo desconocido y estadounidenses de segunda generación, construidos con ligeros pero acertados trazos, como la detective hispana y la forense de padres iraníes. Actores conocidos como Sandra Bullock y Brendan Fraser se reservan los personajes más frágiles y quizás, peor dibujados de toda la galería, de la que sobresale el creado por Matt Dillon, una lección acerca de cómo conseguir que el espectador sienta aprecio por un ser deleznable.

Hay un videojuego de nombre Los Sims en el que debemos controlar la vida de nuestras criaturas humanas: como cualquiera que se entretenga delante del ordenador, Haggis coloca a todos en suspenso, convirtiéndoles en equilibristas sobre la frágil línea que separa la vida y la muerte. El cineasta se ayuda de la música de Mark Isham, que ayuda a limar las transiciones entre historias, en las que nos detenemos no más de 3 minutos en cada una, a veces menos tiempo incluso, lo que confiere un ritmo ágil a esta recomendable película.

Joel Schumacher sacó de quicio al trabajador de clase media en Un día de furia y Lawrence Kasdan puso patas arriba el estado de bienestar con otra película ambientada en una caótica ciudad en constante ebullición y a punto de explotar. Aquella magnífica cinta, Gran Cañón, el alma de la ciudad, se rodó un par de años antes de los violentos sucesos racistas en California de comienzos de los noventa. A sabiendas del influjo de esos acontecimientos nosotros podemos ir resolviendo este rompecabezas, atando todos los cabos y disfrutando de una muestra de cine tan realista que no deja vía libre a la esperanza... Sólo tenemos que confiar en que no nos toque la china.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Everything is illuminated"

2006-01-13T09:37:00.000+01:00

Director: Liev Schreiber
Intérpretes: Elijah Wood, Eugene Hutz, Boris Leskin, Laryssa Lauret, Zuzana Hodkova, Jonathan Safran Foer, Jana Hrabetova
Estreno en España: 13 de enero de 2006

Le damos un 7,5

Hay tantas visiones sobre un mismo hecho que los cineastas nunca se quedarán sin argumentos u ópticas diferentes para sus trabajos. La del actor debutante en la dirección Liev Schrieber acerca del Holocausto se parece, en lirismo y valentía, a la de Steven Spielberg en La lista de Schindler.

Sólo ocurre que esta curiosa tragicomedia, adaptación de la novela homónima de Jonathan Safran Foer, deambula por el terreno de lo disparatado, bebiendo del cine de Emir Kusturica (Gato negro, gato blanco, La vida es un milagro), ácido en cuanto al tratamiento del último y más sangriento conflicto bélico en los Balcanes.

El miedo a olvidarse de las cosas y las sensaciones mueve el afán coleccionista del personaje interpretado por Elijah Wood (El Señor de los Anillos), único a la hora de introducir en pequeñas bolsas sus trocitos de recuerdos. Su personaje choca con los que aguardan su llegada a Odessa, junto al Mar Muerto, una familia que regenta una agencia de viajes especializada en excursiones a lugares poblados por judíos antes de la ocupación nazi. Ya sabemos que la llegada de un elemento extraño puede desestabilizar una apacible realidad apoyada sobre débiles pilones, y precisamente por esto nos acordamos de cómo lo contó mediante imágenes David Trueba en Soldados de Salamina. En este mismo sentido, Everything is illuminated se nos presenta desde una doble óptica: la del joven procedente de Estados Unidos y la del anciano antisemita que le recibe, abuelo de un histriónico ucraniano enamorado de todo lo americano.

El ritmo pausado nos lleva a pensar que a la historia le cuesta arrancar, deteniéndose en fotografías añejas amarilleadas por el tiempo y otros objetos, piezas clave en una trama que se acelera gracias al choque cultural que se produce cuando personajes tan antagónicos se encuentran. Sin desmitificar en ningún momento nuestra visión preconcebida de la Europa del Este –opuesta a las de Nikita Mikhalkov en Quemado por el sol y Milcho Manchevski en Después de la lluvia, pero plausible al lograr su objetivo-, este peculiar trío lanzado a la carretera nos detiene en situaciones surrealistas, salpicadas la mayoría de ellas por el tono melancólico que envuelve toda la película.

Incluso con escenas prescindibles que alargan de manera innecesaria esta inteligente ópera prima capta la atención, sobre todo en determinados momentos en los que llega un aluvión de imágenes cargadas de lirismo como las de esa casa con sabanas blancas tendidas y aislada en medio de un campo de girasoles, un respiro antes de recibir la bofetada de la historia. Así, entre una de cal y otra de arena, sacándonos la lágrima y la sonrisa, Schrieber se arriesga a contarnos lo mismo pero de forma diferente y a tenor del resultado, podemos decir que su experiencia se salda con una buena nota. Eso sí, para captar la esencia rocambolesca aconsejamos disfrutar de los capítulos audiovisuales de esta original y 'muy rígida búsqueda' en versión original.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Lutero"

2005-12-16T09:03:00.000+01:00

Director: Eric Till
Intérpretes: Joseph Fiennes, Alfred Molina, Jonathan Firth, Sir Peter Ustinov, Bruno Ganz, Claire Cox
Estreno en España: 16 de diciembre de 2005

Le damos un 7.

Soberbia, misticismo y visión humana se dieron cita en la vida de uno de los últimos y aún consentidos reformadores del cristianismo.

La controvertida figura de Lutero aglutinaba todo lo que un personaje requiere para brillar en la pantalla, elementos que cobran fuerzan gracias a un guión bien planificado y una interpretación correcta.

Más de lo segundo tiene esta biografía audiovisual, donde la balanza argumental se inclina de manera evidente hacia lo históricamente correcto: presentado como un gran comunicador y luchador empedernido, dispuesto a desmontar las corruptelas del imperio comercial de Roma, dirigido por un Papa que más se parece al magnate de un gran casino o a un mafioso que persigue a quienes montan negocios a sus espaldas, que al jefe espiritual de una corriente religiosa.

El hábito no hace al monje, un díscolo cordero de Dios nacido en 1486 que, separándose del resto del rebaño, estudia los libros, accede al sacerdocio y práctica una teología liberadora dependiente de las altas y divinas esferas pero alejada de lo establecido a hierro en el paso de la sombría Edad Media al Renacimiento, una nueva etapa cultural y social que propugna cierta apertura de miras. Ya se sabe que el conocimiento da la fuerza, una frase que resume el contenido ideológico de esta producción germana dirigida por un realizador londinense que lleva toda su vida trabajando para la BBC.

Papa malo, 0; reformador bueno, 1. En todo momento adelanta posiciones el exagerado partidismo y la grandilocuencia audiovisual, aunque todas las visiones sobre un mismo hecho son bien recibidas siempre y cuando no resulten traicioneras en su dogmatismo. De cada título debemos extraer la verdad que aquí se identifica con la crítica a las oscuras y eternas relaciones entre el poder eclesiástico y el dinero basadas desde hace muchos siglos en la ignorancia del pueblo llano (y el monje, dilemas morales a un lado, metió el dedo en la llaga al traducir las Sagradas Escrituras al alemán y dejar de rendir pleitesía a las santas reliquias).

Tras su promoción como genio, rebelde y libertador, grandezas atribuidas a una cinta de héroes a medio camino entre lo divino y lo humano (Juana de Arco de Luc Besson es un buen ejemplo), Lutero resulta entretenida, constructiva y a veces esclarecedora, más por su idiosincrasia única que por su aparente objetividad, dominada por la lucha contra la idea de que todo lo relacionado con la salvación del alma tiene un precio. La cinta está narrada con sencillez y protagonizada por un reparto internacional encabezado por un Joseph Fiennes acostumbrado a las galas del siglo XVI (Shakespeare in love, El mercader de Venecia), Bruno Ganz (caracterizado como Adolf Hitler en El hundimiento), Alfred Molina (el que roba a los pobres y acaba vencido por este Robin Hood en versión religiosa) y Peter Ustinov en su última aparición cinematográfica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario"

2005-12-08T21:47:00.000+01:00

Director: Andrew Adamson
Intérpretes: Tilda Swinton, Jim Broadbent, Georgie Henley, Skandar Keynes, William Moseley, Anna Popplewell, James McAvoy, Liam Neeson (voz)
Estreno en España: 7 de diciembre de 2005.

Le damos un 7.

Comienza con este título una saga cinematográfica que pretende superar en horas de metraje a la ya mítica Tierra Media de El señor de los anillos y al joven Harry Potter.

El mundo de Narnia también dio quebraderos de cabeza en su adaptación –una baza en su más que interesante resultado final- aunque no se trate de un universo paralelo con tantas eras como el de Tolkien: gracias a la magia tiene cabida en un armario con bastante fondo.

Las crónicas de Narnia, heptalogía que ha caído en las manos de más de 85 millones de lectores de 29 idiomas distintos, ha sido una ventana (o un armario) de entrada a la literatura fantástica desde su publicación hace más de 50 años. Los relatos de C.S. Lewis, amigo de J.R.R. Tolkien, inspiraron a J.K. Rowling, tres autores británicos que han creado universos paralelos aunque el que aquí nos ocupa entronca en mayor medida con la factoría Disney, la que produce.

Viendo la película es muy posible que al público adulto le lleguen vislumbres de El Rey León (debido a similares conceptos morales, no tanto visuales) y quizás también recuerde la isla de Nabumbu y el boliche de la cama mágica que aparecía como medio de locomoción en La bruja novata, protagonizada por tres niños huérfanos a consecuencia de los mismos bombardeos alemanes sobre Londres que provocan el cambio de residencia de los hermanos Pevensie, que entran en Narnia cumpliendo la profecía que anuncia la ansiada llegada de dos hijos de Adán y dos hijas de Eva y con ellos, el fin de un invierno demasiado largo.

Actores en su mayoría desconocidos dan vida a los personajes principales: humanos, faunos como Tumnus (James McAvoy), dríadas, grifos, centauros, cíclopes, minotauros y otros entes mitológicos que mantienen una relación bastante estrecha con todo tipo de animales dotados de personalidad. Mientras las fuerzas del Mal, al servicio de la bruja Jadis (aterradora en la piel de la actriz Tilda Swinton), se afanan en acabar con la vida de los 4 niños, las del Bien siguen el dictado del león Aslan (con la voz de Liam Neeson en la v.o.) y defienden valores como el honor, el deber, el coraje y la indulgencia. A este respecto, muchos se apresuran a identificarlos con ideales cristianos, alimentada esta opinión por alegorías como una humillación pública y el posterior sacrificio de uno de los personajes.

No se nos pasa que su autor escribiera varios ensayos religiosos, pero al margen de simbologías litúrgicas, la primera de las crónicas que se asoman a la pantalla grande (existe un telefilme y dos producciones, una de dibujos animados y otra de marionetas) lo hace con contundencia visual, sin escatimar en efectos digitales para recrear la población animal, ya sea real o no, y está acompañada de un excelente soporte musical que contribuye a recrear la atmósfera narniana.

La fluidez con la que el director de las dos primeras películas de Shrek narra el relato –bien construido sobre el segundo de los volúmenes originales- esconde el exhaustivo adorno de detalles en otros títulos del estilo y la imperfección en éste de algunas secuencias menos desarrolladas, pero el tono general es el adecuado en esta historia inicialmente enfocada para los niños que mantiene en vilo a los que ya somos adultos pero nunca demasiado mayores para los cuentos de hadas, magos y otros seres de leyenda. Muy recomendable para todos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "¡Viva Zapatero!"

2005-12-02T08:23:00.000+01:00

Le damos un 7.

Aquel que ejerza su derecho a expresarse libremente deberá atenerse a las represalias del gobierno en curso.

Eso le ha ocurrido a Sabina Guzzanti en la Italia mediática, dominada por la política de Berlusconi también en materia de comunicación, y ante una muerte segura de la democracia en su país, alerta en esta película-protesta.

¡Viva Zapatero! ilustra de manera ágil y contundente una situación concreta de desamparo ante las autoridades políticas por más que cuente con el respaldo del Pueblo... Demasiadas mayúsculas para destacar términos que acaban pisoteados por lideres que se olvidan de aquellos que le alzaron en su día desde las urnas.

Para aquellos que no piensen entrar al cine por el título y los otros que vayan prestos a por la entrada como buenos simpatizantes, hay que decir que no estamos ante un trabajo que exalte la labor de nuestro presidente actual, de hecho hay un solo guiño a su política de desvincular RTVE del gobierno de turno. Se trata de una acertada rabieta audiovisual y de derecho, un ejercicio a lo Michael Moore (Bowling for Columbine, Fahrenheit 9/11) y ligeramente parecido en su síntesis a las pequeñas piezas del largometraje conjunto Hay motivo. Una película que sólo gustará a quienes compartan ideales democráticos con sus responsables.

En España no tenemos una figura parecida a la de los cómicos que aparecen en este documental y mucho menos al astro televisivo en cuestión, Sabina Guzzanti, más aguerrida que controvertida, ya que basa su trabajo en monólogos y sketches críticos con el sistema, pero en ningún caso malévolos o de mal gusto. La distancia o el desconocimiento no implica que el mensaje nos llegue distorsionado ante la falta de referentes. Si lo pensamos por un momento, su historia da miedo al personificar un claro caso de censura en un país que se considera y consideramos: a) demócrata; b) libre; c) independiente. Un cúmulo de características cuyo incumplimiento se ve agravado por la época en que vivimos –pleno siglo XXI- y el entorno en el que se enmarca –la Unión Europea-.

Aunque tampoco deberíamos llevarnos las manos a la cabeza porque, en una línea similar a la impuesta por Berlusconi (reencarnación del fascismo, según la autora), en nuestro país se han cometido actos de manipulación y censura desde entes públicos de radio y televisión, tanto nacionales como autonómicos. Y no hablamos precisamente de la mano de dictadores fallecidos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El mejor día de mi vida"

2005-11-25T08:28:00.000+01:00

Director: Julie Lipinski
Intérpretes: Hélène de Fougerolles, Jonathan Zaccaï, François Berléand, Marisa Berenson, Michel Duchaussoy, Eva Darlan, Alexandre Brasseur, Elise Larnicol
Estreno en España: 25 de noviembre de 2005

Le damos un 3

Parece que el guionista que no tiene claro que camino tomar y opta por ensalzar o vilipendiar el matrimonio.

Hay que ver el juego que dan las bodas en la gran pantalla. Después de asistir a enlaces varios como Cuatro bodas y un funeral, El día de la boda, Mi gran boda griega, Planes de boda, La boda de mi mejor amigo y la recién estrenada De boda en boda, estamos algo empachados por culpa de tanto pastel.

La cineasta gala Julie Lipinski parte de los típicos preparativos de una boda típica a la hora de filmar esta historia previsible y bastante... ¿típica? Por tanto, ¿prescindible? Junto al guionista Laurent Tirard confecciona el traje a medida para una buena actriz que acaba protagonizando una visión nada edulcorada pero sí exagerada del proyecto de matrimonio.

El resto de intérpretes debe amoldarse a los caracteres estereotipados y las tramas insulsas que atentan contra el estado mental del espectador, sin que entremos en que este sea hombre o mujer. Durante la exhibición para la prensa alguien gritó -una periodista- que la peor enemiga de una fémina es otra de las mismas o inferiores características y que esta cinta de producción belga insultaba a su inteligencia y su independencia del hombre. Y que conste que no hacía gala de su fuerza como aguerrida feminista.

Nosotros nos ceñimos a lo que vemos (y oímos) y en cuanto a lo estrictamente cinematográfico digamos que esta ópera prima es una película insulsa como cualquier otra del listado anteriormente citado, y que para su responsable no es más que una fábula acerca de los errores que comentemos todos, muy visual y con ritmo ágil, las dos únicas bazas que evitan que nos sumamos en un profundo sueño.

Y volviendo al tema casorio y enlaces varios, en esta celebración festiva sí que deberían haber irrumpido los asesinos que en Kill Bill intentan acabar con la vida de la novia ensangrentada, y con su muerte también habrían sido fulminados todos los planes para que pasé a la historia esa jornada como la más idílica de su vida.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Gente di Roma"

2005-11-25T08:24:00.000+01:00

Director: Ettore Scola
Intérpretes: Girogio Colangeli, Antonello Fassari, Fabio Ferrari, Fiorenzo Fiorentini, Arnoldo Foà, Sabrina Impacciatore, Salvatore Marino, Valerio Mastandrea, Rolando Ravello, Stefania Sandrelli
Estreno en España: 25 de noviembre de 2005

Le damos un 6,5.

Es eterna porque ha resistido el paso del tiempo y por ser escenario de millones de historias de seres de todo el mundo. Su población se ha ido mezclando y ahora, como toda urbe occidental, es una gran amalgama de razas y culturas. Ettore Scola sin embargo se propuso, sin grandes artificios y con una clara pretensión, encontrar la idiosincrasia de un pueblo que conserva intactos ciertos valores y que comparte con los recién llegados con alguna que otra objeción. La idea original responde a su interés por dignificar el concepto de mezcla y la posibilidad de confeccionar el álbum de fotos o el diario que nunca completó: 'más tarde o más temprano, cada uno quiere comenzar a hablar de su propia ciudad'.

El veterano realizador de títulos como La familia y Una jornada particular se adentra en el documental antropológico, cámara digital en mano y ávido de conocer historias concretas de personajes que por fin dejan de ser anónimos... El recorrido de un autobús de línea le sirve como hilo conductor en su empeño por demostrar que todos los latinos nos parecemos aunque seamos tantos y tan diferentes a priori. Y contemplado el resultado de su peculiar investigación no resulta extraño que Scola obvie las imágenes más turísticas de la capital haciendo que cada ser humano sea lo verdaderamente emblemático, desbancando del pedestal audiovisual la escalinata de la Plaza de España, el imponente Coliseo o el inalterable Foro.

A diferencia de los nuevos programas de telerealidad o series documentales que narran un hecho a lo largo del tiempo y empiezan a proliferar, no tenemos opción de seguir en un futuro las historias de esta Gente di Roma, aunque fácilmente podemos trazarlas en nuestro imaginario con los pocos datos que Ettore Scola nos ofrece.

La irónica justificación de actitudes racistas, el paso del tiempo para un desempleado en un banco del parque en pleno invierno, la corta mañana para una asistenta del hogar, el quehacer diario de unos mendigos en un semáforo concreto... Son atrevidas pinceladas de vida, bocetos difuminados, que sirven para dar base al lienzo que nosotros debemos perfilar. No necesitamos más.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Harry Potter y el Cáliz de Fuego"

2005-11-25T08:18:00.000+01:00

Director: Mike Newell
Intérpretes: aniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Robbie Coltrane, Ralph Fiennes, Jason Isaacs, Gary Oldman, Alan Rickman, Maggie Smith, Timothy Spall, Tom Felton, Michael Gambon, Brendan Gleeson
Estreno en España: 25 de noviembre

Le damos un 6,5

Cuarta producción surgida de la factoría Potter, destinada a apaciguar las ansias de sus incondicionales y a no levantar demasiadas ampollas entre sus detractores.

La dimensión paralela se vuelve más festiva, farandulera si cabe, con motivo de los Mundiales de Quidditch, el glamour aportado por las aprendices de hechicera llegadas de Francia y la aparente hombría de los atléticos magos del Este, dos grupos que harán de Hogwarts su hogar coincidiendo con el cuarto curso académico de nuestro héroe.

La cuarta película con las aventuras de Harry Potter y sus amigos profundiza en la transición de la niñez a la adolescencia y todo lo que esa etapa conlleva: el primer amor, los cambios hormonales, la toma de conciencia moral e incluso el contacto con la muerte, aunque nuestro protagonista lo tuviese de forma temprana cuando 'aquel cuyo nombre no debes pronunciar' acabó con la vida de sus progenitores.

El anterior episodio de la saga narraba la historia del prisionero encerrado en la lúgubre prisión de Azkabán. El mexicano Alfonso Cuarón (Y tu mamá también) acertó con el tono que impregnó al relato sobre equivocaciones y pesquisas, más oscuro que el de las anteriores producciones filmadas por Chris Columbus y dirigidas a un público mayoritariamente infantil.

Por su parte, Mike Newell (Cuatro bodas y un funeral) se centra en la laboriosa tarea de llevar a la pantalla los pasajes del libro –800 páginas- de forma fidedigna, sin aportar mucho de su cosecha, salvando los impresionantes efectos especiales que consiguen su propósito de dotar de irrealidad la ya de por sí historia fantástica. Queda la sensación de haber dado un paso en falso en el desarrollo madurativo, intelectual y tenebroso de Harry Potter, convirtiendo en rutinaria entrega, compuesta por un par de conflictos y un menú de hechizos, lo que podría haber sido una excelente muestra de terror juvenil. Sólo hay que observar el hieratismo de Daniel Radcliffe ante las adversidades que acechan a un personaje que debería estar mucho más asustado.

La tecnología y la poesía literaria se asocian en el ancestral Torneo de los Tres Magos, relacionado metafóricamente con elementos cabalísticos y al poder de los tres elementos: aire, tierra y fuego. Nuevas incorporaciones se suman a la ya nutrida galería de personajes que ilustran el argumento, como Ojoloco Moody, un antiguo 'auror' (cazadores de magos tenebrosos) que sembrará de nuevo la desconfianza, repitiendo así patrones ya empleados en la serie.

Las secuencias finales salvan el formalismo que impera durante el extenso aunque soportable metraje: la temible aparición de los mortífegos (sirvientes de la Marca Tenebrosa) y Lord Voldemort, interpretado por un Ralph Fiennes que se asemeja al moribundo paciente inglés que le encumbró. Su primer duelo con el más famoso de los estudiantes del Colegio Hogwarts quedará en tablas. Por el momento.

Quizás el británico haya optado por no manchar demasiado la imagen de identidad de la saga realizando una cinta-eslabón preparatoria, un mero aunque lujoso trámite ante lo que se le viene encima a su compatriota David Yates en Harry Potter y la Orden del Fénix: muertes más aparatosas y lacrimógenas, dilemas morales, etc. Y que nadie se asuste por la integridad de sus pequeños, porque el Harry Potter audiovisual ha ido creciendo desde hace cuatro años con ese público infantil que se inició en el universo literario creado por J. K. Rowling y pocas son las altas en el club de magos que no hayan visto a su debido tiempo las tres primeras películas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "En sus zapatos"

2005-11-18T09:44:00.000+01:00

Director: Curtis Hanson

Intérpretes: Cameron Diaz, Toni Collette, Shirley MacLaine, Anson Mount, Richard Burgi

Estreno en España: 18 de noviembre de 2005

Le damos un 7.

Dos caracteres batidos en duelo, hermanas para más datos, protagonizan una entretenida historia sobre mujeres recomendada para todos los públicos, y que no resulta de consumo exclusivamente femenino.

Que nadie se equivoque por culpa del título ya que, ejemplarizando la antitesis que suele mostrar todo argumento fraternal en la literatura o en el cine, Cameron Diaz, en su papel de niña bravucona, y su polo opuesto, Toni Collette (La boda de Muriel), protagonizan una entrañable historia, aunque resulta más edulcorada que títulos europeos de referencia.

Las dos amigas, pero cada una por su lado, luchan por entender su camino en esta comedia sentimental con pretensiones sociológicas donde Curtis Hanson demuestra su pulso firme, su maestría con la cámara y su buen hacer en cualquiera de los géneros que afronte: el suspense (La mano que mece la cuna, Río salvaje), el cine negro (L.A. Confidential) y el drama con adolescentes de por medio (Jóvenes prodigiosos, 8 millas). Pero que nadie le pida responsabilidades ni logros a partir de un guión corrientucho basado en un libro de éxito firmado por una buceadora entre sentimientos llamada Jennifer Weiner (Bueno en la cama).

Retorna a la comedia –su primera cinta en 1983, prescindible, también lo fue- y además se cuela con una historia que le permite indagar en el universo femenino, que no feminista, desconocido por más de un macho que no entrará en el cine a no ser que su pareja se lo imponga como tarea dulcificadora. Pero las apariencias engañan y, colocado el gusano en el anzuelo, Hanson se adentra sorprendentemente en la realidad de la tercera edad a partir de ancianos recluidos, a la fuerza o no, en residencias soleadas aunque frías.

La concisión llega de manos de Shirley MacLaine, que representa a nuestra generación de mayores encabezando a unas modernas 'chicas de oro' y juega un papel fundamental sobre el guión. Es su presencia la que diferencia esta cinta de un filme menor, ya que los conflictos son de fácil y usual resolución. No obstante la interpretación de Diaz confiere crudeza al clima establecido y la batalla que iba a librar en principio con la análoga de la filipina Imelda Marcos, en cuanto a colección de zapatos se refiere, torna en la progresión dramática e individual de dicho personaje, el de Maggie, que consigue romper con las ataduras, aprende a leer –es un síntoma de nuevo rumbo- y encuentra la raíz de la raíz, el brote del brote.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Malas temporadas"

2005-11-18T09:38:00.000+01:00

Director: Manuel Martín Cuenca
Intérpretes: Javier Cámara, Nathalie Poza, Eman Xor Oña, Leonor Watling, Fernando Echebarría, Gonzalo Pedrosa, Pere Arquillué, Raquel Vega
Estreno en España: 18 de noviembre de 2005

Le damos un 8.

Con intensidad dramática y un punto de esperanza afronta este filme los golpes que asesta la vida, mostrando una salida a la soledad que nos embarga en esta sociedad consumista. Un ejemplo positivo y realista acerca de cómo superar las malas rachas o al menos convivir con ellas.

Las historias pasadas, soterradas o por llegar constituyen la base de Malas temporadas, porque no siempre las tramas van a ser buenas, maravillosas y vistosas. El que debutó en la dirección hace un par de años con La flaqueza del bolchevique (basada en la novela de Lorenzo Silva) se adentra de nuevo en un drama urbano, un entramado de vidas cruzadas que para muchos resultarán anodinas e incompletas por no llegar a buen puerto o a una resolución total.

Pero como apunta el título, hay buenas etapas y otras que no lo son tanto, y si uno mete la pata se puede agarrar a la segunda oportunidad que se brinda uno mismo o alguien, en este caso el director, sin rendirse ante las adversidades. Queda por tanto un fiel reflejo de una realidad muy cercana, presentada sin adornos, un viaje con paradas buenas y escalas malas... Y su lección, que la tiene y bastante clara por cierto, es que hay que aceptarse para seguir adelante en la búsqueda de un lugar en el mundo –perdonen tanta referencia cinematográfica junta-.

En un juego más personal que social –los temas quedan muy en el fondo, como un decorado desdibujado- Martín Cuenca se detiene en los personajes perfilados por el escritor pero mejor dirigidos e interpretados por un plantel de actores a los que no da precisamente lo que necesitan: les niega los abrazos y los besos cariñosos, dejándoles desnudos y desamparados. Maltratados, a Leonor Watling, Eman Xor Oña, Gonzalo Pedrosa y Javier Cámara sólo les queda que aferrarse a su interés por labrarse un porvenir mejor, un idealismo que sin embargo no les librará de las circunstancias derivadas de la cruda realidad, como la soledad, la enfermedad y el desamor.

El espacio desangelado acoge a los perdidos seres que deben solventar sus problemas envueltos en tonalidades afines a su carácter, roles en los que se atisba la honestidad y la verdad de los actores, que comprenden a sus personajes transmitiéndonos miradas y gestos mínimos cargados de intencionalidad. Y de esto saben mucho los sólidos Nathalie Poza y Pere Arquillué, dos pilares sin embargo maleables y sutiles.

En busca de la interacción del espectador el director y guionista almeriense opta por ocultar y sugerir en esta cinta que vale más por lo que apunta que por lo que afirma. Y es que los mundos soñados no existen y a veces se derrumban, aunque las malas temporadas son sólo el presagio de algo mejor.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Una canción del pasado"

2005-11-18T09:30:00.000+01:00

Director: Shainee Gabel

Intérpretes: John Travolta, Scarlett Johansson, Deborah Kara Unger, Gabriel Match

Estreno en España: 18 de noviembre de 2005

Le damos un 6,5.

Drama nostálgico sobre inadaptados sociales en la Nueva Orleans anterior al paso del Katrina. Un drama que, reconozcamoslo, si no fuera por sus actores quedaría en burdo largometraje de exclusiva emisión un sábado tarde en televisión.

Aunque el debut en la dirección de la documentalista Shainee Gabel tiene jugo que exprimir, aunque no precisamente porque asegure haber trabajado en su concepción 5 largos años. Alejados del Hollywood comercial, John Travolta y Scarlett Johansson entran en la piel de dos personas marcadas por el aire decadente y el carácter del Sur, más cercano al descrito por Tennessee Williams en su extensa obra (El zoo de cristal, Un tranvía llamado Deseo) que al dibujado por John Kennedy Toole en La conjura de los necios, pero perfectamente identificable en ambos: personajes autodestructivos, capaces de aferrarse a una mano amiga sólo si quieren y muy literarios.

Dicen que las actrices guapas deben ocultar su belleza para bordar sus mejores interpretaciones (Charlize Theron en Monster´s Ball, Penélope Cruz en No te muevas); no es el caso de la nueva musa de Woody Allen (Match Point), que aquí se mantiene bella y correcta en una línea de actuación previsible que no le permite destacar. Los hombres, por su parte, deben envejecer de manera prematura para alcanzar el reconocimiento, ya sea por un papel de relumbrón o por otro más pobre. Eso ocurre precisamente con Travolta: avejentado, hiriente consigo mismo, alcoholizado y deslenguado, da aquí muestras de su buen hacer interpretativo como en pocas películas (Pulp Fiction), tanto que le valió una candidatura al Oscar al Mejor Actor.

El tercero en discordia, Gabriel Macht (La prueba), actúa como elemento de fuga, elimina la tensión en el duelo interpretativo que articula las dos horas de metraje de una película sencilla, de esas que te animan y dibujan una sonrisa, pero en ningún caso original: la búsqueda de un pasado o el encuentro tardío con los progenitores a partir de unos retazos de vida en forma de diario, canciones o fotografías, deviene en un recurso referencial en el cine, también si hablamos de cenizas, las que marcan la pista en Cuando vuelvas a mi lado (Gracia Querejeta), o las cartas de Mi querido Frankie (Shona Auerbach), que sirven para configurar una realidad al antojo –es curioso que siempre sean filmadas por mujeres-.

Este juego acerca de cómo descubrir el pasado para comprender el presente se aliña con un interesante compendio de guiños literarios debido a la formación académica de los personajes masculinos y la relación maestro-alumno que se establece entre ambos, otro asunto que daría muchas líneas de comentarios (supremacía, admiración, rivalidad...) y que en la película denota un universo que se tambalea cuando un elemento extraño, en este caso ella, hace su aparición en escena.

Y como rezaba George Sand, no podemos arrancar una página de nuestras vidas, pero siempre tenemos la posibilidad de arrojar el libro al fuego. Nosotros rescatamos una preciosa canción para Bobby Long además de ciertos pasajes y optamos por no quemar el celuloide.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El exorcismo de Emily Rose"

2005-11-18T09:21:00.000+01:00

Director: Scott Derrickson
Intérpretes: Laura Linney, Tom Wilkinson, Jennifer Carpenter, Campbell Scott, Colm Feore, Shohreh Aghdashloo.
Estreno en España: 18 de noviembre de 2005.

Le damos un 7.

Cinta que se apoya en la iconografía cristiana y nos muestra la batalla entre la luz y las tinieblas de nuestra mente.

Alejándose del cine de género, esta acertada y bien enfocada cinta parte de la premisa, sin denostar el razonamiento científico, de que, creamos o no en ellos, los diablos existen, aunque se travistan de temores. Y el convencimiento está claro, al menos para los que rezan a un Dios: su antagónico también tiene derecho a existir.

Basada en hechos reales que provocaron la muerte de la joven Anneliese Michel, actos de posesión reconocidos aunque nunca probados en voz alta por los teólogos y mucho menos por los médicos, la historia plantea cuestiones punzantes, provoca la duda y pone de manifiesto que los exorcismos tienen lugar cada día –en España, se realizan una media de 8 al año-.

Y es curioso porque, conjuros contra espíritus malignos a un lado, estamos ante una excelente muestra de cine judicial salpicada de perlas con una pizca de terror y bastante original, en un polo opuesto al de la cinta que se nos viene a la cabeza, El exorcista y sus secuelas, por ser más fidedigna, más apegada a la realidad, una realidad asentada sobre el pilón de las creencias en la posesión o invasión de cuerpos, invocaciones varias, hipersensibilidad, pseudociencias y la propia religión, cuando lo fácil sería cimentarla sobre la epilepsia o la esquizofrenia.

Bien construida, con un montaje que balancea la dureza y la angustia de la familia protagonista con el miedo ajeno, el entramado deja ver secuencias propias del cine de terror con elementos que siempre dan buenos resultados, como escaleras interminables y casas destartaladas en medio de páramos desiertos. Aún así, el contencioso judicial domina el argumento y por tanto no tendría que dar miedo, pero la pesadilla, como ocurre en El silencio de los corderos, cobra fuerza al hilar el ovillo en lugar de la fórmula usual de desenrollarlo. Además de mantener la tensión, la película se enfrenta a la difícil tarea de dotar de credibilidad al argumento y sus marionetas, extrayendo sin algarabías forzadas el innato temor del ser humano a lo inexplicable.

El guionista de las dispares entre sí Leyenda urbana 2 y Tierra de abundancia destaca que su baza está en el cuadro de actores. Entre una amalgama de colores y una estudiada fotografía, Jennifer Carpenter, la que encierra 'al-que-habita-dentro', se presenta como reclamo atractivo, pero el peso recae en Laura Linney (Mystic River, Kinsey), en la piel de la prestigiosa abogada que se implica de manera sobrenatural con el caso del sacerdote acusado de homicidio, interpretado por Tom Wilkinson (Batman begins).

La cinta cuenta con el respaldo de la Iglesia Católica, ya que tras los hechos que narra llega la (libre) interpretación, o en otras palabras, el enfrentamiento entre Fe y Razón, y para alivio o no de los creyentes, acaba imponiéndose la primera.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Chicken Little"

2005-11-18T09:07:00.000+01:00

Director: Mark Dindal
Voces originales: Zach Braff, Joan Cusack, Amy Sedaris, Steven Zahn.
Estreno en España: 18 de noviembre de 2005

Le damos un 6.

Tierna comedia de bellotas que caen provocando el terror y trozos de cielo que se desprenden de la cúpula que nos protege...

Tras su ruptura con Pixar, Disney sale del cascarón con esta primera criatura que supone el adiós a la mítica técnica del cartoon y la entrada de lleno en el mundo de la imagen generada completamente por ordenador.

Con un argumento exagerado a partir de El show de Truman y La guerra de los mundos, este entretenido cuento moderno explora el imaginario de las fábulas tradicionales y las versiona aplicando parte de la lógica del mundo real al mundo de la fantasía.

Todo clásico de Disney sigue un patrón de personajes más o menos determinado: el héroe, el villano y el secundario que aporta la nota disonante, léase el genio de Aladdin, Timón y Pumba, amigos de Simba antes de convertirse en El Rey León o el atrezzo parlante de La bella y la bestia. El público infantil de hoy, abierto a toda clase de estímulos, demandaba la ironía y la rapidez de reflejos que por fin atesoran todos los miembros de la nueva familia de animación.

Y aún sorprendidos por el sarcasmo de estos animales caricaturizados a partir de las fábulas de siempre, se atisba el sufrimiento del pollito protagonista ante la incomprensión de su padre, desviándonos de la comedia al drama. Los niños acusarán el peso del remordimiento y el afán por lograr el reconocimiento porque nosotros, más mayores, ya estamos de vuelta de todo desde que la factoría de sueños nos empezó a acostumbrar a los cargos de conciencia y las cortapisas morales.

Dos ejemplares del mundo de las aves, un pollo tierno y empollón y una patita fea pero a la moda, tienen a Zach Braff y Joan Cusack como dueños de sus voces y también de sus gestos, porque son los actores quienes imprimen carácter a los personajes principales. Más ácidos y agudos que sus contrarios, los populares, los plumíferos ejercen de líderes del grupo social de los inadaptados cuya máxima les impide rendirse ante la adversidad.

Entre dilemas morales y subtramas de acción destacamos un dato fundamental: no abusa del metraje de manera innecesaria y además se ilustra gracias a la labor de John Debney (autor de la iconoclasta música de La Pasión de Cristo) que firma una banda sonora llena de referencias a los clásicos de ciencia ficción, a temas que sonaban en todas las discotecas avanzados los años 70 (I will survive, Stayin’ alive, Ain’t no mountain high enough) y a títulos más recientes (como We are the Champions y Don’t go breaking my heart). Y si esto no convence, para apaciguar las iras de todo adulto que aguarde el final más que predecible, llegan las diversas sorpresas cinéfilas –sutiles en su mayoría- interpretadas por uno de los inadaptados, un pececito enamorado del séptimo arte que también se las apaña para vivir fuera del agua.

Ni quejas ni remilgos... Chicken Little es un producto propio de las épocas que se avecinan y decente para niños alejados aún de Shin Chan y Los Simpson, aunque a la historia le falte gancho original y más emoción.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Elsa & Fred"

2005-11-11T19:02:00.000+01:00

Director: Marcos Carnevale
Intérpretes: Manuel Alexandre, China Zorrilla, Blanca Portillo, José Ángel Egido, Federico Luppi, Fanny Gautier, Carlos Álvarez-Novoa, Omar Muñoz.
Estreno en España: 11 de noviembre de 2005.

Le damos un 7,5.

¿Se imagina llegar a los 80 años con la cabeza bien amueblada pero siendo tratado como un niño de cuna?

Federico Fellini se alzó hace muchos años como referente de Marcos Carnevale, que tras una irregular Almejas y mejillones –su única película estrenada en España-, nos sorprende con una deliciosa y lacrimógena historia acerca de cómo perseguir los sueños y asirlos con fuerza.

El argentino hace su primera incursión en el mundo del marketing persiguiendo el derribo de la máxima extendida acerca de que lo viejo no vende. Es cierto que hemos pasado el tiempo de los 'cuerpos 10', aunque sigue contando el poder joven ante el escaso atractivo de nuestros mayores a los ojos de aguerridos ejecutivos publicistas. Pero vayamos a lo estrictamente cinematográfico...

Apoyándose en el clásico tira y afloja entre dos seres en apariencia contradictorios, Carnevale escribió un texto sobre el amor pasional y la posibilidad de rozar los sueños. No son dos veteranos en relaciones sino dos enamoradizos auténticos que abandonan sus deberes al ser protagonistas de una bella parábola acerca de cómo consideramos a los viejos –palabra empleada por la actriz principal a modo de reivindicación- y de qué forma les tratamos, relegándoles a un tercer plano.

Se pueden vivir pasiones irrefrenables en la segunda juventud o edad madura, porque lo del otoño de la vida ya no es que no venda, es que deberíamos retirarlo de nuestro vocabulario por sonar a residencia de ancianos. Confiándoles esta cinta a medio camino entre la crítica y el homenaje, el entrañable Manuel Alexandre se deja llevar por uno de sus grandes papeles protagonistas y se presenta con impronta China Zorrilla, una uruguaya querida, muy querida en Argentina. En España la conocimos hace un par de años gracias a la cinta Conversaciones con mamá. En su último personaje plasma todo lo que Carnevale destaca de ella: 'una mujer única en su especie, de gran vitalidad y muy especial'.

Pequeñas intervenciones de José Ángel Egido (Los lunes al sol), Carlos Álvarez Novoa (Solas) y Federico Luppi (Sol de otoño) aportan color a una trama bastante sencilla, aderezada con el humor del personaje de Elsa, aunque es Blanca Portillo (El color de las nubes) quien hace sobresalir un personaje corto y a priori convencional pero con moraleja final.

Ya es hora de que nuestros mayores disfruten, descansen lo que les apetezca y vivan dándose homenajes merecidos. Y si no le convence el argumento aguante hasta el desenlace de la película, una secuencia –sonido y fotografía excelentes en la imperecedera Fontana di Trevi- en consideración a La dolce vita, protagonizada ésta nueva por una Anita Ekberg y un Marcelo Mastroianni más nuestros.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Segundo asalto"

2005-11-11T18:57:00.000+01:00

Director: Daniel Cebrián
Intérpretes: Darío Grandinetti, Álex González, Eva Marciel, Alberto Ferreiro, Maru Valdivieso, Laura Aparicio, Pepo Oliva
Estreno en España: 11 de noviembre de 2005.

Le damos un 8.

¿Qué ocurre si unimos notables e intimistas interpretaciones con tramas propias del cine policiaco y un buen guión? Obtenemos como resultado un ejemplo de buen cine que acaba de ser reconocido con el Premio Pilar Miró al Mejor Nuevo Director en la Seminci de Valladolid.

De perdedores con ansias de ganar y de un triunfador sometido por un yugo que le convierte en esclavo de sus actos. Quizás condense la esencia de Segundo asalto el personaje de Grandinetti, que no admite un no por respuesta y se aferra a la idea de que lo que no te mata te hace más fuerte. Enseñanzas de un padre que nunca lo fue plasmadas en la segunda historia firmada por Daniel Cebrián que debutó en el largometraje con Cascabel.

Al igual que ocurre con la recién estrenada A golpes, en este retrato certero sobre perdedores que acaban ganando lo que menos importa es la historia vinculada al boxeo, al menos para los que disfrutan con las buenas interpretaciones. Y hay más paralelismos entre sus dos responsables, Juan Vicente Córdoba y Daniel Cebrián, ya que abordan la figura del padre ausente y su forma de condicionar la vida de cada uno de sus personajes principales.

Película de dobles intenciones y dobles significados –desde su título, el vocablo asalto viene con segundas-, entronca con el género negro con compromiso social. Si en su primera producción cargaba de conciencia las espaldas de Pilar Punzano e Irene Visedo, aquí envuelve con ella los puños de Álex González, que se deja guiar por un correctísimo Darío Grandinetti y se apoya en actores como Alberto Ferreiro, Eva Marciel, Laura Aparicio, Francesc Orella, Maru Valdivieso y Pepo Oliva, un reparto que supone otra de las riquezas de este título.

Su personaje tira piedras desde lo alto del muro que separa el bien del mal, levantado a partir de la opulencia, el riesgo, el dinero fácil y el acatamiento del destino. Sus aproximaciones a cualquiera de los dos terrenos por ahora es un tanteo que reconoce la labor de González al transmitirlos desde su interpretación de personaje franco, sin dobleces.

Hay mucho del Imanol Uribe de Días contados y , del drama contado con naturalidad –y efectividad-, sin levantar aparatosos montajes y vueltas de tuerca... El reflejo del barrio obrero y el influjo del deslumbrante centro de la ciudad en una interesante metáfora, confieren a la cinta una aplome social tras el estrato superficial de la acción y la crónica de sucesos realzado con una fría fotografía que profundiza en el universo ético de los personajes.

No es patrimonio exclusivo de Julia Otero ofrecernos parejas atípicas aunque complementarias con excelentes resultados: el matrimonio musical entre el ritmo callejero del hip-hop de Verdaderos Kreyentes y los sonidos de tango electrónico de Bajo Fondo Tango Club corrobora el punto de vista ambivalente y nos asevera que no todo es blanco o negro sino que la vida se presenta bajo una amplia gama de colores.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Plan de vuelo: Desaparecida"

2005-11-11T18:35:00.000+01:00

Director: Robert Schwentke
Intérpretes: Jodie Foster, Peter Sarsgaard, Sean Bean, Erika Christensen, Kate Beahan, Marlene Lawston
Estreno en España: 11 de noviembre de 2005

Le damos un 7.

¿Qué ocurre cuando a un animal le arrebatan a su cría? Es más, ¿qué pasaría si la enojada madre está encerrada en una jaula con sus cuidadores, posibles captores de su retoño?

Parece difícil perder a una hija en un avión en pleno vuelo transoceánico, un aspecto que incide en la sensación de agobio que pretende provocarnos la cinta, mucho más efectiva ahora que los gigantes con capacidad para cientos de pasajeros surcan el cielo.

No es tan claustrofóbica como otras historias con espacios cerrados y aeronaves en sus múltiples variantes, pero cuenta con un elemento inquietante, una niña de lo más misteriosa. La no-presencia de un fantasma, un recuerdo o una víctima, sitúa Plan de vuelo: Desaparecida más allá de las narraciones de catástrofes o secuestros aéreos, entroncando con dos muestras de terror como Alien y Cube.

Ingredientes jugosos a priori –el instinto de protección, la manipulación consentida de la claustrofobia del espectador- y con los costes propios de una producción de altura, sólo se requiere un rostro que evite toda posible sospecha de que esta tortilla dé la vuelta y se convierta en telefilme. Con esta finalidad está Jodie Foster, que sabe exprimir y extraer dulzor hasta de las naranjas amargas, pero no es la única ya que a su altura están algunos de sus compañeros de reparto: mantendremos el misterio apuntando que se trata de los que interpretan con miradas furtivas y sospechosas a dos azafatas, un piloto y un par de pasajeros, claves en las pesquisas.

Un cúmulo de enigmas nos mantiene en vilo durante toda la primera parte, apoyada en varias secuencias invernales a modo de flash-back y ambientadas con una banda sonora del siempre efectivo James Horner (La máscara del Zorro, Una mente maravillosa). Los primeros planos de la protagonista en el Metro de Berlín nos adelantan que todo el trabajo fotográfico de Florian Ballhaus va a sugerir un halo de desasosiego, interpretado también por una de las actrices más solventes de Hollywood, aquí explotando además de la paranoia propia de la trama, cierto aire decadente.

Y aunque el guión de este thriller va perdiendo fuelle a medida que nos acercamos a su (posible) resolución, todos los planteamientos son correctos –algo preparados, como que la principal angustiada sea ingeniera aeronáutica-, permitiendo que el espectador vaya resolviendo los acertijos. Schwentke logra una interesante atmósfera por la que deambula el personaje de Foster (al igual que en La habitación del pánico), que dota de credibilidad su equilibrio sobre la delgada línea entre la realidad y la ficción que le han creado, entre la obsesión y la enajenación. Como cualquier padre puede sufrir esta pesadilla y además de estar bien planteada, la película es bastante entretenida, obviamos algunas torpezas en cuanto a giros de guión, el final feliz y su moralina.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"La monja"

2005-11-04T07:45:00.000+01:00

La productora Filmax sigue labrándose un hueco en la industria de terror a través de su filial Fantastic Factory.

De esta división cinematográfica provienen títulos como Rottweiler, Romasanta, El segundo nombre, Dagón, Arachnid y Faust, todos emparentados además por ser prescindibles aunque, también es verdad, la mayoría de ellos bien concebidos y entretenidos.

La coalición formada por el productor Julio Fernández y el director Brian Yuzna está haciendo bien al grueso de técnicos y actores sin menoscabo de su integridad cinematográfica al optar por la fábrica de churros, en su sentido más popular, churros al uso con el objetivo de ayudar a pasar el rato que pierden su esencia patria a fin de acabar en los gaznates foráneos.

El producto que nos ocupa, La monja, tiene su origen en la siguiente fórmula precisa: asesinato (premeditado o no) dividido entre adolescentes (con o sin problemas, eso se verá luego) es igual a venganza, pero de las sangrientas. Matemático. El cine de terror actual vive de las múltiples variantes de esta receta y si no están seguros de ello, anímese a cerrar el listado: Sé lo que hicisteis el último verano, Día de venganza (que bebe de Carrie), Secuestrando a la Srta. Tingle... El patrón es siempre el mismo aunque aquí se confecciona el vestido (o hábito religioso) con otros retales.

Variado es el abanico de leyendas e historias macabras ambientadas en conventos, colegios y escuelas: la religiosa mala a la que después de muerta le cortan las extremidades para que no vuelva a pegar a nadie o las trágicas consecuencias de pronunciar el nombre de Verónica frente a un espejo... ¿3 o 33 veces? Yo no lo he probado, por si las moscas. Escurrimos el bulto y la afrenta se la dejamos al joven pero experimentado montador Luis de la Madrid, que extrae de este filón su primer largometraje como director con argumento desarrollado por Manu Diez.

En un intento por mostrar la fortaleza de la joven protagonista, erradicar tópicos (o rendirles homenaje) y dotar al filme de originalidad, De la Madrid cava en demasiadas vetas a la vez haciendo que la historia se complique y se solucione con bruscos giros de tuerca ideados a partir de un lejano núcleo surgido de la mente del alumno aventajado, Jaume Balagueró (Los sin nombre, Darkness, Frágiles). Sin ser aburrida (mucho menos si no ha visto Seven, un clásico reciente), las apariciones de la religiosa macabra (la modelo y actriz Cristina Piaget) acaban por impacientarnos mientras que el cineasta se recrea creando una sofisticada e inquietante atmósfera terrorífica pasada por agua.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Camarón"

2005-11-04T07:39:00.000+01:00

Afrontar un proyecto de estas características es como llevar al cine la historia jamás contada.

Superado el vértigo inicial que nos embarga, llega la convicción, y con ella, lo que podría haber sido un suicidio, queda en interesante mirada a un mito.

Más allá de nuestras fronteras Camarón se venderá como 'biopic', perfil audiovisual de un personaje, siempre ficcionado, porque la objetividad es difícil de alcanzar. Recientes son los de Ray (Charles), Tina (Turner) o Cole Porter (De-lovely). En nuestro país no son muy dados a afrontarlos (La niña de tus ojos y Lobo quedaron en ficción exagerada, quizás por miedo) y esperamos que pronto se haga el siempre anunciado sobre Lola Flores.

Es Jaime Chavarri, un cineasta necesario, quien lanza un órdago más certero aquí que en las anteriores Las cosas del querer (a partir de las vivencias de Miguel de Molina) y Sus ojos se cerraron (una visión personal de Carlos Gardel). Al responsable de títulos como El desencanto, Las bicicletas son para el verano y Besos para todos, le lloverán los estudios sesudos dentro de unos años por ser iconoclasta, tocar muchos y variados palos y ser un pionero al que la industria discográfica de nuestro país debería rendir pleitesía. Por lo pronto empezará a levantar ampollas al explorar –desde la ficción, no lo olvidemos- el terreno más humano de quien muchos consideran una divinidad, por encima del bien y del mal. En este caso, un revolucionario del flamenco casi sin proponérselo porqué Joselito iba para torero hasta que entró por la puerta de la Venta de Vargas.

Fascinación, y a muchos, como los nacidos en los 70 y comienzos de los 80, un tanto de dejadez... A partes iguales se configura un trabajo cinematográfico con el que Chavarri nos contagia el interés por alguien que estaba ahí y al que aún no nos habíamos aproximado. Hizo bien en enviciar a 5 ó 6 sujetos, cobayas como Mercé Llorens, Verónica Sánchez, María Isasi, Raúl Rocamora (como Paco de Lucía), Alfonso Begara (encarnando a Tomatito) y el propio Oscar Jaenada que, al estímulo del flamenco de Camarón, acaban haciéndonos gozar con sus interpretaciones, sus palabras, sus silencios y, sobre todo, sus miradas: es impresionante como soporta Jaenada el objetivo de la cámara en muchos primeros planos y durante el play-back de los títulos de crédito.

Quizás sea esa inocencia, esa inmadurez en materia musical, fue la que les hizo empaparse del asunto y lo que a nosotros nos engancha... Más que correctos en sus trabajos, echamos en falta más intervenciones de la Chispa para convencernos al 100% de la garra de Sánchez –magnífica en las secuencias de la playa y el coche- al tiempo que corroboramos la buena labor de Llorens –cómo es posible que se parezca tanto a Silvia Abascal- al aunar en una misma persona a varias mujeres que se toparon con un inexperto y algo perdido Camarón en Madrid, el que daba sus primeros palmeos en el mítico tablao Torres Bermejas.

Reconocido por todos, incluso por sus más acérrimos detractores en vida, la vida y milagros de José Monge Cruz da para una y decenas de películas. Hasta el momento sus familiares no habían dado el visto bueno a ninguno de los proyectos –uno incluso de Imanol Uribe- pero algo les cautivó de este: no se recrea en la muerte, ni en los detalles escabrosos de su herencia discográfica y presenta a Camarón como un hombre doblegado ante el dolor sin meter el dedo en la llaga aunque planee una presencia a modo de sombra mortífera (el camello que le suministra la droga). Humanizar al personaje no requería de más detalles.

Da la sensación de que el mano a mano entre cineasta y guionista (Álvaro del Amo) tenía su freno en los asuntos que podían acabar con el buen entendimiento entre la familia real y la cinematográfica que se estaba afianzando. Pero José Monge, al convertirse en Camarón, se alzó como personaje universal y como tal, es patrimonio de todos. El respeto impera sobre los posibles manchurrones en la vida del cantaor en una cinta que, tarde o temprano, hubiese llegado porque 13 años son muchos cuando, desde el momento del ocaso del hombre y el nacimiento del mito, se pretendía llevar su voz desgarrada a la pantalla de cine.

Ya hacía uso de la garganta en Noviembre, en uno de los espectáculos callejeros de esos artistas teatrales. Jaenada se convierte desde ya en nuestra apuesta segura para el Goya al Mejor Actor. Se merece eso y mucho más. Mientras llega, me quedo escuchando –sin el permiso de los puristas- el tema que unió a dos genios andaluces y universales, La leyenda del tiempo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"A golpes"

2005-11-04T07:37:00.000+01:00

Las que solían lamer las heridas de los machos tras la pelea echan un pulso a un futuro que les pinta bastante pesimista.

Por más que nos presenten al boxeo como protagonista de esta cinta, es la marginalidad la que juega un papel más importante en esta historia femenina, que no feminista, sobre los trances del destino.

La idea es más que interesante: un quinteto de pandilleras, alejadas de todo signo de feminismo, mantiene el tipo ante los golpes que da la vida. Pero Juan Vicente Córdoba (Aunque tú no lo sepas) cae en el error de tirar de manual al acudir a un cúmulo de secuencias-tipo con la intención de agradar a todos los espectadores-tipo que puedan contemplarla. El hilo argumental se enreda de manera peligrosa al tocar, y no precisamente de soslayo, muchos temas como el racismo, el machismo y los malos tratos.

Quien nos guía por el barrio es el personaje encarnado por Natalia Verbeke, de quién impacta más su certero golpe emocional que el físico, más visible a priori. Su caracterización como guerrera bien vale A golpes y en ningún caso debe ser comparada con Hillary Swank en Million Dollar Baby porque Natalia recoge el guante con técnica y maestría, aprehendida por si sola, aunque en esto María Jesús Rosa, boxeadora y campeona, tenga buena parte de culpa. Y aunque Córdoba se emplea más a fondo en el tema de las bandas callejeras y, grosso modo, la riqueza mal repartida, hacemos un apunte más acerca del boxeo, que en nuestro cine es casi como un oasis en el desierto, pocos y mal perfilados, aunque ahora lleguen varios títulos con esta temática de fondo (Segundo asalto, La distancia) y no olvidamos los que ya están en la filmoteca: El Tigre de Chamberí (Pedro Luis Ramírez), Young Sánchez (Mario Camus), Cuadrilátero (Eloy de la Iglesia) y Sin noticias de Dios (Agustín Díaz Yanes).

A pesar de la sangre esparcida por el cuadrilátero, ninguna de las tramas secundarias tiene gancho suficiente y lo interesante de las historias permanece soterrado, saliendo a la luz lo convencional y esperado, sin que el guionista arriesgue lo más mínimo y prefiriendo por tanto, ganar por puntos y no por K.O. Por el contrario, la balanza se inclina hacía el lado de las interpretaciones: si sorprende el manejo con los guantes de Verbeke, mucho más si cabe el dominio de la jerga callejera por parte de una María Vázquez muy alejada de sus anteriores trabajos (Silencio roto, Deseo), el peleón Guzmán como un nuevo león de Vallecas y las convincentes Juana Acosta, Zay Nuba y Marian Álvarez. Otros actores, en cambio, parecen molestos en sus trajes pero acordes con el decorado principal.

La periferia de las grandes ciudades da mucho juego en cuanto a historias y personajes, y al igual que Solas y 7 vírgenes, A golpes vale más por lo que muestra que por lo que cuenta, asestando un buen derechazo con panorámicas como la de las cinco amigas de espaldas a un inmenso depósito de autobuses urbanos: si en cada uno de ellos tienen cabida más de 70 personas, podemos imaginar la cantidad de historias que se multiplican.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El largo viaje"

2005-11-04T07:34:00.000+01:00

Interesante itinerario apoyado en los patrones de una típica road movie es este que nos lleva de Francia a Arabia Saudí.

Un viaje en el que recorremos 10.000 kilómetros en un viaje de ida hacia los desconocidos territorios de la existencia humana y vuelta al orden establecido.

Las distancias generacionales y culturales que nos convierten en extraños se acortan por medio del correcto trabajo de Ismael Ferroukhi, un marroquí educado en el país galo, que se enfrenta con decisión y acierto a una aventura un tanto filosófica, como todos los viajes, ya sean físicos o interiores.

Un emigrante y su hijo, de primera generación, nacido en el territorio del exilio, son los protagonistas de una fábula que responde a una frase: Dios dispone, el padre propone y el hijo obedece hasta que llegue a ser padre, que ya le tocará. Con las creencias musulmanas de fondo y cierto toque autobiográfico, Le grand voyage no se diferencia demasiado de dos versiones de un mismo guión llevadas recientemente al cine: Carreteras secundarias, con Antonio Resines y Fernando Ramallo, y Caminos cruzados, con Sergi López y Kevin Miranda.

Las vías llevan hasta La Meca, pero en lugar de optar por un viaje en avión, que nos rompería los esquemas y el título, se deciden por un trayecto menos cómodo aunque más gratificante. Lo es en primera instancia para nosotros pero también para el joven protagonista que en medio de las incomodidades propias se va despojando de lujos y necesidades básicas a medida que se adentra en el corazón de las culturas balcánicas, turcas y arábigas. Trazado largo y tanto, ya que se trata de la propia existencia.

Sin grandes aspavientos ni pretensiones, la cinta aporta nuevas visiones acerca de la confrontación entre culturas y sus armas más beligerantes, las que responden al nombre de la religión, y va de la parte al todo, apoyándose en una situación de crisis familiar para mostrarnos un compendio fascinante: Occidente va al encuentro de Oriente sin que exista de por medio una concepción turística de la peregrinación... Y en este punto lo dejamos para que saboree la interesante mixtura.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"The Dark"

2005-10-28T08:06:00.000+02:00

Hay fronteras que no deben ser cruzadas, aunque nos podemos armar de valor y atravesarlas con un guía como John Fawcett. De manos del creador de una ácida y sangrienta historia de licantropía titulada Ginger Snaps nos llega una entretenida y bien realizada muestra de terror sobrenatural provocado al despertar a los muertos que descansan de forma apacible en el entorno rural del país de Gales.

En el cajón de las leyendas existe un notable filón del que extraer relatos. Simon Maggin buceó en la mitología celta para ambientar el libro Sheep, una peligrosa bajada a Annwyn, el otro lado, el mundo de los muertos o en una acepción más correcta, 'el territorio donde nada está sujeto a las restricciones marcadas por el tiempo y el espacio'. Un descenso parecido pero desde la también inquietante Venecia hicieron a finales de los 70 dos padres en enloquecida búsqueda de su hija desaparecida en Amenaza en la sombra, de Nicolas Roeg y protagonizada por Julie Christie y Donald Sutherland.

Comprendemos cómo el cineasta canadiense John Fawcett quedó prendado de esta historia y sus referentes: hay personajes con profundos matices psicológicos, aunque no se atisbe fácilmente y juega con el misterio al atravesar la delicada frontera que separa el mundo de los vivos del vasto terreno dominado por los muertos. El halo de ocultismo se refuerza al introducir en plano congregaciones sectarias –pastor con su rebaño- que profesan cultos paganos y protagonizan suicidios colectivos al igual que los lemmings, roedores árticos que en una marcha suicida escalan los acantilados más escabrosos y, obcecados por seguir su peregrinaje en pos del sustento, se arrojan al mar. ¿Quién sabe si estos animalitos siguen los dictados de un profeta que les induce a atravesar las puertas de la eternidad?

Los adaptadores del relato original se aprovechan de esta idea para configurar un interesante puzzle con piezas como el antiguo uso de la trepanación –practica ancestral de 'medicina' que consistía en perforar el cráneo- o el mar y su carga claustrofóbica. Ambientar la historia en el Reino Unido les facilitaba las cosas, ya que en Gales, como en todas las regiones costeras, el agua embravecida juega un importante papel a través de su simbología.

Para dos caracteres difíciles de interpretar por soportar la credibilidad de la historia, Fawcett confía en Sean Bean (Goldeneye, El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo) y María Bello (La ventana secreta, Una historia de violencia). Él no hace mucho ruido pero se posiciona como uno de los secundarios fijos de las últimas grandes producciones como Troya y Plan de vuelo: Desaparecida; ella consiguió destacar entre el reparto original de Urgencias y se confirma como uno de los valores del siglo XXI. Los dos forman un sólido dúo protagonista.

El guión no abusa de los sustos innecesarios, cosa que se agradece, aunque los que hay deben coger prevenidos a los cardiacos. Tampoco arriesga en el montaje Chris Gill (28 días después) pero es acorde con la atmósfera inquietante de la fotografía que realza los paisajes intimistas desde acantilados abruptos y recoge el averno galés, reflejo del mundo real y nexo de unión etéreo y eterno entre una madre y una hija, relación que tan buenos resultados da en pantalla por los conflictos generados. Una fuente de dramas aquí acrecentados por culpa de un macabro canje: uno de los vivos por uno de los muertos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El leñador"

2005-10-28T08:03:00.000+02:00

El sentimiento de culpa es en sí mismo una de las armas más poderosas; pero también el mejor vehículo para la autodestrucción.

Por esto no era necesario presentar al pederasta de esta cinta de manera exagerada ante un público que, desde el primer momento, señala el suelo con su pulgar para que el esclavo de su conciencia muera en la arena del circo.

Interesante aunque en exceso introspectiva acaba resultando esta parábola con la que Nicole Kassell plantea un punto de fuga en la explotada relación entre el cine y la pederastia. Si lo esperado es que un sujeto de este calibre acabe destruido, como el que también interpretaba Kevin Bacon en Sleepers –en la que se daba al abuso de niños-, esta debutante tras la cámara aporta un giro de tuerca al no condenar a su verdugo-víctima desde la primera secuencia.

Hablar de El leñador es hacerlo de su personaje principal. Difícil era la tarea de Kevin Bacon ya que el protagonista de Mystic River y Apollo 13 debía dar un paso más y dotar de humanidad y empatía un pederasta, tan repugnante para el resto de la sociedad. ¿Es posible cambiar? ¿Reestablecerse según los parámetros cívicos? Fácil no es, seguro, pero ahí surge el dilema moral: ¿dejamos que esa bestia reconvertida en cordero entre en nuestro círculo, consiguiendo un trabajo estable e iniciando una relación sentimental con unos de los nuestros?

Nicole Kassell apunta alto, debuta como directora con un asunto espinoso, bien enfocado, pero quizás reiterativo y denso por la profusión con que crea la atmósfera, los caracteres y la agonía ante los impulsos. No deja una vía de escape a la tensión en ningún momento y el personaje de Walter vive en medio de la angustia, en un estado de desesperanza que bien le podría haber llevado a tirar la toalla. El planteamiento, ya lo hemos dicho, resulta novedoso al contarnos qué ocurre cuando uno cumple su condena y encara la vida exterior al salir de la cárcel, no así de la prisión interioor, donde se automargina sin posibilidad, a priori, de redención.

Si Benjamin Bratt y David Alan Grier adoptan el rol en el que nos posicionamos todos y Kyra Sedgwick, mujer en la vida real de Kevin Bacon, supera el tabú y confiere realismo a una complicada situación, el protagonista cumple su parte y saca a la luz el lado escabroso de todo ser humano, cimentando un personaje difícil en todos los aspectos, una interpretación que, de forma injusta, pasará tan desapercibida como la de Christian Bale en El maquinista. Por cierto, ¿se acuerdan del cuento del leñador, el que salvaba a la niña de la barriga del lobo...?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"La novia cadáver"

2005-10-28T07:57:00.000+02:00

El muerto al hoyo y el vivo... ¡también, a pasárselo bien!

La frase podría promocionar el último de los proyectos de Tim Burton que ve la luz. Y no erramos ya que, a pesar de que Mike Johnson figura como director (al igual que Henry Selick en "Pesadilla antes de Navidad"), el californiano firma en el registro como el padre de la criatura: más esquelética, más macabra, más feísta, más introspectiva.

Tim Burton ha ido haciendo amigos desde que comenzó en el mundo de la animación gracias a una beca de la Disney. También tiene detractores, acérrimos algunos, pero son mayoría quienes le catalogan como un cineasta diferente, sobre todo los que no saben qué decir. Evitaremos pues ese adjetivo y comenzaremos diciendo que 'el-que-ya-no-es-ese-niño-malo-de-Hollywood' crece con cada producción y propicia comentarios del tipo 'no es que sea una maravilla, pero es de Tim Burton', una marca, una etiqueta de autor, perseguida por muchos cineastas que se quedan en el camino.

Así es "La novia cadáver", una notable experiencia burtoniana que no llega a las cotas alcanzadas por "Big fish" aunque supone un nuevo escalón en su idolatrada filmografía, un paso adelante que, sin embargo, nos remite al novato de "Bitelchus" –su primer largo-. Nos desgañitamos al afirmar que se trata del mejor narrador vivo, del cuentista que se apropia de los relatos que nos gustaría escuchar bajo un edredón a la luz de las velas, pero Burton se pierde a veces en el todo y acaba siendo preciosista por el modo en que cuida los detalles. Y al igual que ocurría en "Charlie y la fábrica de chocolate", el supervisor de la factoría de sueños se centra más en las minucias que en la historia en si: cómo no iba a ser divertido y acertado el homenaje a todas las mascotas muertas con ayuda del perro todo huesos, un prodigio de la animación.

Este ejemplo nos da la razón cuando nos aventuramos a decir –y que no nos pegue nadie- que Burton es notable en sus largos, pero sólo alcanza la perfección en pequeñas dosis, vean si no el cortometraje Frankenweenie, donde adapta la historia de un niño aspirante a doctor macabro ilusionado por recomponer a su fiel compañero de juegos muerto. Si aquel trabajo –Mary Shelley tamizada por Burton- estaba protagonizado por personajes de carne y hueso, en este predominan el hueso y la plastilina gracias al diseño de personajes del catalán Carlos Grangel. Burton recupera la animación stop-motion, una técnica consistente en filmar fotograma a fotograma el movimiento de marionetas. Rescata y homenajea la labor de especialistas en efectos especiales como Ray Harryhausen en su lucha con esqueletos y monstruos en cintas como las míticas Jasón y los argonautas, Hace un millón de años y El viaje fantástico de Simbad.

Resulta curioso que la cinta se estrene en nuestro país el mismo día que el thriller sobrenatural The Dark, cuyos protagonistas hacen equilibrios entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Aquí se aparca el funambulismo fomentando la espeleología cadavérica con objetivo final: encontrar el punto gótico para luego emborronarlo por medio de una sucesión de números musicales y escenas coreografiadas bajo un ritmo trepidante, inusual para los dibujos animados.

Por si queda alguna duda y pese a no ser de sus mejores historias, La novia cadáver gusta por todo lo que gira a su alrededor: la capacidad de recrear mundos imaginarios extraídos de retales narrativos –una leyenda rusa en este caso-, dotar de modernidad la forma de trabajo artesanal en el campo de la animación y elevar a las sombras, juguetonas y sorprendentes, sobre los claros, típicos y tópicos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"La leyenda del Zorro"

2005-10-28T07:42:00.000+02:00

Atrás quedó la sorpresa y cierto atrevimiento de La máscara del Zorro, pero se mantiene el carisma de Banderas.

El Zorro más Zorro de todos los anteriores, con permiso de Douglas Fairbanks y Tyrone Power, aunque en la esperada secuela, más que un zorro astuto parece un murciélago acróbata. Cosas de Spielberg y Campbell en su apuesta por redescubrir (léase 'hacer dinero con') los patrones del cine de aventuras en su vertiente más clásica, la de los años 40 y 50.

En La leyenda del Zorro son muchos los elementos ajenos a las historietas por entregas creadas en 1919 por Johnston McCulley: desde la aparición de dos miembros de la Agencia Pinkerton, una especie de central de servicios de inteligencia como la C.I.A. pero más primitiva, hasta la propuesta de divorcio puesta sobre la mesa por Elena de la Vega, más aguerrida, más ducha en la espada y más madraza y patriótica que nunca. Y no se nos puede olvidar el intento de dominio de la vieja Europa sobre la nueva América mediante los planes de la sociedad secreta de los Caballeros de Aragón, dispuestos a provocar la guerra entre el Norte y el Sur.

Bajo la promesa de la libertad, la historia vuelve a ponerse el yugo impuesto por el show-business, y aquí llega la pregunta: ¿para esto eran necesarios 4 guionistas? Debido a su experiencia en cintas como Piratas del Caribe, The island y Misión imposible 3 han añadido demasiada acción a expensas de una reiterada pérdida de credibilidad y romanticismo. Apoyándose en una banda sonora no muy trabajada en esta ocasión por James Horner, Campbell se esmera en explotar la belleza de Zeta-Jones con cuantiosos primeros planos y la humanidad del Zorro intensificando sus problemas conyugales mientras su mujer es reclutada para hacerle la competencia en lo que se asemeja a una versión californiana y decimonónica de Sr. y Sra. Smith.

Y como el productor es consciente del tirón de Banderas en taquilla, le ha permitido que aderece su papel con mucho sentido del humor, saliéndose de los parámetros de lo que el personaje debía ser. Divorcio, tequila, celos, paternidad, problemas de comunicación... ¡y hasta números circenses! Peligroso batiburrillo de ideas que sobre el papel se refleja sin chispa y de forma exagerada, y en pantalla, igual de exagerado, sólo prevalece gracias a la química entre Z (Zorro) y E (Elena), de lo poco que salvamos de una producción que ha costado demasiados millones de dólares y está llena de secuencias sean interminables y, como la última del tren, escasas en originalidad.

Muy contento parece estar Banderas con la secuela de la película que le confirmo como estrella (y también a Zeta-Jones) pero no podemos pasar por alto que la industria del cine, lo mismo que da, quita: da efectismo, saltos, equilibrios y situaciones para el lucimiento del justiciero metido a funambulista, pero pierde su esencia de normalidad al representar los sueños, lo alcanzable por el pueblo, aún conservando su gancho popular. Para bien o para mal, el Zorro nace del pueblo y trabaja para el pueblo, representa lo posible –aunque todo parezca imposible- y por eso, y por la presencia de Antonio Banderas, el Zorro seguirá dando que hablar...

Más allá de la historia nos quedamos con un detalle, un aliciente sólo apreciable en la versión original: no pierdan detalle del acento de Banderas, al que en inglés se le nota el deje malagueño, cosa que cuando habla en castellano con su hijo en la ficción desaparece y con su ausencia no queda restos de procedencia española, algo que se esfuerza en encontrar su compañera de reparto, 'la galesa más latina', en palabras del propio Banderas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"11 M-Ilusiones rotas"

2005-10-28T07:35:00.000+02:00

Imagine que quiere contar su vida por medio de imágenes. ¿Qué es lo primero que le pasaría por la cabeza? Seguro que, después del impulso lógico, sería si ese relato, esa parcela tan personal, tendría valor cinematográfico o, por el contrario y en absoluto cuestionable, sólo valor sentimental.

Nos quedamos con lo emocional, a lo que sumamos las buenas intenciones y cierto afán protagonista, más infantil que egoísta, al pretender ser el primero en hacer/contar algo... El resultado de esa mezcla acaba siendo un experimento apresurado con demasiados cantos que deben ser pulidos. Y ojo que el valor emocional junto a la conciencia son motores que deben mover la existencia, pero no necesariamente conducir un producto hasta una pantalla de estreno.

Firmar la primera película de ficción sobre el 11-M... Presa de la intención ha estado durante muchos meses Álex Quiroga y parece que se movió por envites poco razonados, aunque no malinterpreten las palabras: nadie duda de su dolor por los acontecimientos y su interés natural por liberarse del ahogo que nos produjeron. En un atisbo de lucimiento optó por fantasear sobre las vidas de cuatro posibles victimas del atentado terrorista, cuatro existencias presentadas aquí sin ritmo ni adornos fílmicos que hagan más llevadera una pobre narración.

El elemento sorpresa es uno de los factores más apreciados en el cine. Sin él nos aburriríamos (y asustaríamos) tanto como en un viaje de avión sin auxiliares de vuelo pasando por el pasillo que de vez en cuando ofrezcan un caramelillo. El filme no avanza cayendo en situaciones previsibles y apuntando una prescindible crítica al anterior Gobierno y sus ganas de posicionarse en la Historia por media de su política exterior. Prescindible porque eso ya lo conocemos y además, ni se debe mezclar de forma tan evidente e infantil el drama con la opinión, ni hay que contarlo todo con pelos y señales... ¿Se duda acaso de la inteligencia del espectador?

Reconocemos la indignación ante el suceso, las ganas de expresarse en voz alta, pero Álex Quiroga cae en obviedades desde el título hasta los rótulos que nos ayudan a seguir la historia, aunque es más duro si cabe atender a 105 minutos de sentimentalismo innecesario acompañado de una banda sonora nada sutil que elimina el posible encanto de alguna de las historias. Relatos en definitiva convencionales presentados mediante un montaje casero que acentúa lo cansino del tratamiento de guión.

Perfiles trazados con rotulador de punta gruesa, personas anónimas dotadas de un encomiable instinto de superación y lucha personal, pero mal retratadas por medio de intérpretes abandonados a su suerte sin bastones cedidos por el realizador que ayuden en su complicado camino lleno de diálogos, todos bastante simples. A ellos se les lanza un órdago, ya que rodar y, en este caso, grabar sin elemento de sujeción a tierra tiene peligro: no se debe forzar este recurso y mucho menos constreñir los planos evitando que los actores miren directamente a la cámara ya que así, al contrario de lo que se pretende, se deja escapar la naturalidad.

Es obligatoria una película sobre estos y otros trágicos sucesos, pero podemos esperar. Todavía hay mucho que contar y, aunque al hilo de este texto no tenemos nada que decir acerca del 11-M, no hace falta puesto que se sufrió con intensidad... Por eso, por el respeto que provoca, y a pesar de que su recuerdo acabará suavizándose, no hay que lanzarse al vacío de manera innecesaria.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Arcadia"

2005-10-28T07:31:00.000+02:00

Alto ejecutivo en paro persigue un objetivo: ocupar un puesto directivo en Arcadia, el imperio europeo de la industria papelera. Cuando lo logre, si es que lo consigue, habrá alcanzado su idílico lugar imaginario donde reina la paz y la alegría, la arcadia en el puro sentido mitológico.

Costa-Gavras, más macabro y punzante, sigue en su línea de compromiso aunque bastante alejado de su anterior trabajo, Amen. En ella no quedaban rastros del cine negro aprehendidos por medio de títulos como Z, La confesión y Estado de sitio, pero sí que en todas las de su filmografía se percibe el fondo político y el vuelco, el giro de sus protagonistas. Arcadia mantiene los toques de responsabilidad ideológica impregnados con mucho humor aunque, no nos engañemos, resulta triste que ciertas situaciones provoquen la risa: la tensa espera ante una llamada que no se produce, la muerte de un rival laboral...

El cineasta francés de origen heleno regresa a una Arcadia diferente a la de su lugar de nacimiento: su última región cinematográfica está poblada de reestructuraciones, relocalizaciones, subcontrataciones y despidos varios, además de estar regida por una política laboral que persigue desterrar la idea de que el trabajo no lo es todo, al tiempo que desnuda y desprotege al parado, propiciando el nacimiento de un desocupado con malévolos menesteres en mente.

El cineasta tuvo su etapa americana –antiamericana, dirían muchos-, inaugurada por Desaparecido, cinta protagonizada por un Jack Lemmon del que, a través del propio Costa-Gavras, José García recibiría un fuerte influjo de manera consciente, aunque tampoco se aleje de la progresiva desesperación del personaje interpretado por Michael Douglas en Un día de furia (Joel Schumacher) o el dramático cambio de rumbo seguido por los personajes de Grand Canyon. El alma de la ciudad (Lawrence Kasdan).

Ken Loach, Nanni Moretti, Fernando León de Aranoa y Stephen Frears son algunos de los que nos han hablado de las consecuencias de la falta de trabajo. Cuando los despidos llegan a los altos puestos la cosa no es más llevadera porque se les quede una prestación por desempleo mayor: después de dos años, Bruno no sabe qué hacer aunque le quiere dar la vuelta a la tortilla –volvemos al quid de la cuestión-. En un intento por reponerse de uno de los males de nuestras sociedades desarrolladas del primer mundo –las reducciones de plantilla- y de su consecuencia más inmediata –3 años de paro forzoso- este héroe en toda regla, emprende una lucha egoísta pero comprensible.

El animal defiende a sus crías y el ser humano, como animal que es, también las protege con uñas, dientes y lo que sea necesario. Ante el individualismo, la deshumanización y la autodestrucción, Costa-Gavras divaga por medio de la historia de un metódico homicida a la fuerza... Y es que, como reza la canción, el mundo le hizo así.

José García, en el polo opuesto a su personaje, no se quedará sin trabajo por ahora: este hijo de emigrantes gallegos nacido en París lleva más de 15 años protagonizando cintas al otro lados de los Pirineos, aunque aquí sólo le conocíamos por Utopía, de María Ripoll, y El 7º día, de Carlos Saura. Con Arcadia consigue demostrar que es algo más que un actor cómico perseguido por los productores galos y se convierte en posible piedra de toque para cineastas de la talla de Costa-Gavras.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El mercader de Venecia"

2005-10-27T16:06:00.000+02:00

Acertada adaptación del clásico de Shakespeare, al que estamos muy agradecidos por su contribución histórica.

Tantos asuntos diferentes trató, que su biblioteca se erige en escenario del mundo conocido. No es de extrañar que se ocupara también de los marginados aunque, como era habitual, desde la óptica del grupo dominante, aquí léase, mostrando el antisemitismo de finales del siglo XVI. Nosotros nos bastamos para transformarlo en análisis de los prejuicios religiosos.

Los judíos de la Perla del Adriático eran considerados inferiores por sus conciudadanos con un plus añadido para su rechazo: eran los más ricos de la ciudad-estado. Obligados a vivir en las peores zonas de la urbe e incapacitados por ley para llevar a cabo determinadas actividades comerciales –no así la usura, vetada para los cristianos-, los judíos, muchos de ellos sefardíes procedentes de la península ibérica, vivieron altibajos en la zona del Véneto, precisamente por esa permisiva doble moral cristiana en relación a la riqueza y la valentía de los ‘marginados’ a la hora de echarse a la mar y establecer nuevas relaciones entre la República y puertos de Oriente.

Shakespeare, acusado de antisemita –como el 99,9% de la población no judía del viejo continente-, trazó en El mercader de Venecia algunos rasgos, los suficientes para que la obra nos llegue con tintes pedagógicos, sin olvidar las tramas amorosas y las situaciones no exentas de comicidad, como el asunto del cuarto de libra de carne que a más de uno trae en vilo.

Hay cine de autor y, ante la imposibilidad de apropiarse de una historia inmortal, un verso con más de 400 años de vida, hay títulos fieles al texto original y este lo pedía a gritos: la Venecia poderosa y liberal de los comerciantes y los judíos no había llegado con tanta contundencia al cine, aunque el tema de la religión se toque aquí de soslayo, provocando nuestra curiosidad por el asunto. Michael Radford nos guió por el mundo de George Orwell en 1984 con gran fidelidad al libro y también nos presentó tanto al cartero de Isla Negra como al mismísimo Pablo Neruda sin quitar ni poner ni una coma audiovisual a lo escrito por Antonio Skarmeta.

No esperábamos menos de su relación con el escritor inglés: el cineasta se ha limitado, que no es poco, a coordinar los trabajos de vestuario, ambientación y fotografía, a jugar con un montaje paralelo entre las dos historias cruzadas y a engrandecer la figura de sus actores principales, sobre todo la de Al Pacino, que vuelve a Shakespeare (Looking for Richard) con el miserable e incomprendido Shylock, entrando en la tríada de intérpretes de uno de los personajes mejor perfilados por el dramaturgo, interpretado por Lawrence Olivier y Orson Welles.

El antipático, no sabemos si a la fuerza o no, nos introduce en su drama personal y en las entrañas del Ghetto, un islote del distrito de Cannaregio, aislado del mundo por anchos canales y dos compuertas guarecidas por guardas cristianos. Un lugar de reclusión que nada tenía que ver con la Giudecca, una isla mayor de la laguna, la elegida por los judíos para vivir en comunidad.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Charlie y la fábrica de chocolate"

2005-10-27T16:00:00.000+02:00

Podría haberse superado, pero Burton no traiciona a los lectores de esta obra cumbre.

El responsable del primer Batman cinematográfico y de joyas tan diferentes como Big Fish y Eduardo Manostijeras opta aquí por la mera descripción de paisajes y situaciones, dando pinceladas acerca de un mundo maravilloso engendrado por el autor y proporcionando secuencias irrepetibles en la historia del cine, como la conversación del humilde Charlie Bucket con sus abuelos sin que estos salgan de la cama... ¡la única para los cuatro!

Acerca de la historia -si no la saben no la desvelaremos nosotros- sólo apuntaremos que comienza cuando un excéntrico amante de las golosinas y de su ego organiza un concurso mundial del que saldrá el niño que heredará su imperio de chucherías y chocolatinas.
Si vas a hacer una adaptación de una obra ya llevada al cine, que aporte algo inédito y también proponga un nuevo punto de vista de la novela original. Eso es lo que habrá rondado durante tantos años en la mente de Burton, a la hora de enfrentarse a este clásico surgido del imaginario de Roald Dahl en 1964: buscar el componente novedoso y sorprendente en una historia archiconocida, que ha pasado al menos por 28 millones de manos... Y lo encontró dejando su huella a la hora de llevar a la pantalla un libreto cuidado con mimo: sin croma (el panel azul o verde que permite incrustar decorados virtuales), volviendo a la antigua técnica de diseñar mundos en miniatura y crear árboles de caramelo comestibles, hierba con olor y sabor a menta y hasta un río de chocolate y su cascada.

Los avances tecnológicos se encuentran por ejemplo en la miniaturización del actor que da vida a Oompa-Loompa y a su multiplicación en cientos de ellos, devolviendo al intérprete el auténtico poder de narrar historias sin efectos especiales que le hagan sombra. La mano de Tim Burton también deja marcas en la trama, ya que de su cosecha son las secuencias sobre el pasado de Wonka y la relación con su padre, al que da vida Christopher Lee.

No podemos imaginar a otro Wonka que no sea Johnny Depp –siempre con el permiso de Gene Wilder-. Esta es la cuarta colaboración con el cineasta en 15 años: Eduardo Manostijeras, Ed Wood y Sleepy Hollow (y aún queda por escucharle como el protagonista animado de La novia cadáver). Se suceden las paradojas al conocer la vida profesional del actor de 42 años, el ‘niño grande’ que interpretó en Descubriendo Nunca Jamás al escritor James Matthew Barrie: a Depp se le concede la licencia de no crecer, pero no a otros adultos –y no pensamos precisamente en Peter Pan-.

Los que no crecen demasiado son los Oompa-Loompas que se reúnen para cantar sobre el mal comportamiento de los niños y los efectos que eso les produce. Cuatro números musicales insertados en medio de la historia y que, a modo de fábula, rematan el carácter de los personajes y completan la acción, un recorrido por la maravillosa factoría casi descriptivo en el que se conjuga el misterio con la oscuridad y lo inconcebible, sin olvidar la ternura que emana el protagonista principal, el pequeño Charlie, un niño bueno y feliz en su pobre entorno, tan pobre que sólo recibe una chocolatina al año –enseñanzas como losas-.

Al igual que Roald Dahl, Tim Burton no nos trata como si fuéramos críos, pero se decanta por dar claves para que nos olvidemos de nuestras tareas y obligaciones como adultos, haciéndonos disfrutar como los más bajitos sin que nos imponga nada. Ya el libro, cinematográfico en todo momento por su vertiente narrativa, no habla de comportamientos ejemplares, sino de modelos imitables.

En su traslado al audiovisual, Burton parte de la obra de Dahl hasta hacer suyas las moralejas, las licencias literarias, así como alguna que otra crítica al sistema esclavista por el que son sometidos hombrecillos de la selva y ardillas. Una entretenida y loable producción que nos acaba dejando la miel en los labios, quién sabe si sólo hasta que se firme el proyecto de una segunda entrega, basada en Charlie y el ascensor de cristal.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Largo domingo de noviazgo

2005-10-24T09:08:00.000+02:00

Director: Jean-Pierre Jeunet
Año: 2004
Título original:

El 6 de enero de 1917 un grupo de 5 combatientes franceses encamina sus pasos hacia el pelotón de fusilamiento. Han sido juzgados por el tribunal de guerra por autolesionarse en un intento de escapar a las atrocidades y la degradación humana. Los altos mandos ponen fin a su participación en el frente y también a su existencia, anclada desde que la guerra entró en sus vidas.

Tras el prólogo a modo de enganche con el que los cuentacuentos atrapan a sus oyentes, la temática bélica se difumina para dar paso a una tierna y poética persecución de sueños dominada por una premisa: si Manech estuviese muerto, Mathilde lo sabría. Más allá de lo que todos ven, la obstinada joven se percata de lo que otros son incapaces de descubrir. Y gracias a eso mantiene la esperanza de que su amado no haya muerto, una llama alimentada por pocas pistas proporcionadas por las novias y amantes de los hombres condenados a muerte.

Guerra en tiempos de amor podría ser el subtítulo de esta tragicomedia donde quedan en segundo plano las escenas de batalla, cuidadas y bellas, y en absoluto reñidas con el lirismo propio de una película como ésta. Porque Jean-Pierre Jeunet no ha hecho una segunda parte de Amélie pero poco le ha faltado, al abusar –con bastante acierto- de la estética empleada en filmes anteriores y que tantas satisfacciones le ha reportado.

Se decantó por una novela de Sébastien Japrisot cuyo argumento deambulaba por la primera guerra mundial y el París de comienzos de los años 20, un periodo histórico que le fascinaba. Encontrado el barro únicamente tenía que modelarlo a su manera, combinando las atrocidades de la guerra con la plástica lírica y delicada en la que mejor se desenvuelve. Jeunet se deleita jugando con la voz en off, empleando recursos infográficos, resaltando la calidez de las imágenes y sobre todo dota de un sentido mágico la historia con poesía calculada que empapa nuestra retina, que nos lleva por ejemplo a ‘donde todo acaba, que se convierte en el lugar donde todo comienza’.

No hay nada al azar, todo está en su justa medida: si Mathilde toca la tuba es porque se trata del único instrumento que manda señales de auxilio; y si a usted le parece estar viendo a otro personaje encarnado por Audrey Taoutou no se está engañando ya que ni la herencia de una poliomelitis hace que no veamos en Mathilde a la mismísima señorita Poulin, la que transmitía la felicidad a cuantos le rodeaban. Decisión premeditada por parte del tándem director-actriz ya que en cintas como Negocios ocultos no encontramos ni un solo guiño al personaje que la lanzó a la fama, aclaramos por tanto que si se siente encasillada es por gusto.

Angelo Badalamenti es el autor de la música que incrementa el tono de nostalgia que escapa de las bellas imágenes en los grandes momentos como en la secuencia del faro o la que presenta a Mathilde corriendo hacia la curva para ver pasar al coche de su tío. Con Largo domingo de noviazgo se aleja Jeunet del realismo para humanizar una tragedia, pero lo hace labrando su propio camino, un próspero y largo viaje por el reino de la inocencia del que regresa en cada película para dejarnos un buen sabor de boca.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"A las cinco de la tarde"

2005-10-22T19:49:00.000+02:00

El paisaje desértico y medieval de Afganistán sirve de escenario al poético canto a la libertad femenina y del ser humano surgido del imaginario de la cineasta responsable de títulos valientes como La pizarra.

Dos personas condenadas a vivir en Kabul establecen unos peculiares lazos de amistad a partir de la obsesión de uno de ellos. Es entonces cuando el deambular lento de nuestros guías, un ritmo sosegado casi inherente al cine iraní, nos lleva por un paisaje urbano anclado en tiempos pasados.

La conexión con el porvenir viene dada a través de una joven con aspiraciones más sociales que políticas, al querer convertirse en la primera mujer presidenta de la república de su país. El sueño de la joven, a la que da vida Agheleh Rezaie, va mezclándose con la realidad más dura y tangible: el drama de los refugiados, las secuelas de la invasión estadounidense, los flecos de una rígida sociedad donde la mujer es un bien más, sin acceso a la educación o al trabajo, etc.

Jugando con las especificidades del género documental traza Makhmalbaf los rasgos de una mujer cuyas ansias de libertad chocan contra el espíritu conservador de su padre, símbolo de la vieja generación. Y hablando de símbolos, la película está repleta de ellos que, aunque pasen desapercibidos, tienen un importante valor, como los zapatos blancos a modo de objeto precioso y talismán de fortuna o el vuelo de los helicópteros extranjeros. Inteligente y muy cinematográfico es el paso de la protagonista de un mundo a otro: de la sociedad aún marcada por la herencia taliban al Kabul oculto, donde encontramos el germen de un Afganistán futuro y cierto atisbo esperanzador.

Heredera del buen hacer de su padre –cineasta de títulos como Kandahar- Samira Makhmalbaf obtuvo el Premio del Jurado de Cannes por esta historia, la primera rodada en el país asiático tras la caída de los talibanes. La responsable de La manzana –su ópera prima- y La pizarra –también reconocida con el mismo premio en el certamen francés- es una ferviente admiradora de la obra de Federico García Lorca y de ahí el título y el halo poético que domina todo el metraje, no exento del realismo que sacude con más fuerza.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Yossi & Jagger"

2005-10-22T19:41:00.000+02:00

Director: Eytan Fox
Intérpretes:
Año de producción:

El amor en tiempos de guerra ha dado pie a interesantes películas pero el componente novedoso que aporta "Yossi & Jagger" la hace mucho más valiente: una relación homosexual en un mundo tan cerrado como es el del ejército israelí de comienzos de los 80. A medio camino entre el relato de ficción y el formato documental, esta historia de hombres atrapados llega a las pantallas españolas con varios años de retraso.

El mundo militar aparece aquí como punta de lanza ejemplarizante, un espacio igual de cerrado que las sociedades árabe y hebrea en Israel, herméticas en cuestiones de identidades sexuales no consentidas. Cinematográficamente hablando esta es la segunda arma arrojadiza del cineasta neoyorquino, un revolucionario ‘rompe-tabúes’ que tiró "After", un mediometraje de 1990 que sirvió de base a este largo de 71 minutos, y no escondió la mano: el propio Eytan Fox con "Caminar sobre las aguas" pondría en entredicho 2 años después, y no sin cierta sorna, la masculinidad del servicio secreto de su país de adopción, el Mossad.

No obstante, a pesar del coraje y el esfuerzo, Fox no indaga demasiado en las heridas abiertas, donde podría haber hurgado con un instrumental saneado como la mente de sus espectadores. Ni ataca en demasía al sexismo manifiesto, ni trata el desencanto de la población más joven ante el ejercito –hasta hace poco tiempo, casi inmutable- y las cuestiones sociales y políticas del polvorín oriental. Parece que aprendió la lección y en su siguiente filme, Caminar... jugó a tocar más palos sin que uno solo perdiese fuelle: el recuerdo del holocausto en la Alemania nazi, la homosexualidad, la hombría asociada a un inexistente escaparate de sentimientos...

Tampoco dota de credibilidad la relación entre el soldado a punto de licenciarse y su superior: perfiles que se diluyen en medio de la confrontación bélica que se vislumbra en el horizonte, más cercano de lo que creen. Más preocupado por cuidar los detalles que el todo, Fox confía la excelente banda sonora a Ivri Lider, un fenómeno de masas en una población que no llega a 7 millones de habitantes.

Películas como ésta son necesarias pero –siempre los hay y en "Yossi & Jagger" existen unos cuantos-, estrenada después de una tercera y más redonda cinta que golpeaba con dureza los cimientos de las instituciones israelíes, supone una mirada tópica, casi adolescente, que resalta más por los fallos que por las virtudes de un cineasta al que, sin embargo, no debemos de perder de vista: su cuarto largometraje, "La burbuja", nos introducirá en el estilo de vida occidental de Tel-Aviv, del que queda prendado un terrorista suicida palestino que cuelga los hábitos y el cinturón de explosivos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Pasos"

2005-10-22T19:40:00.000+02:00

Una cinta que vale más por lo que pretende, por sus buenas intenciones, que por lo que refleja. Pasos nos transmite la intención de un cineasta ambicioso, novel en este caso, por contar muchas cosas.

No es el primero al que aplicamos eso de ‘quien mucho abarca poco aprieta’: Ramón Salazar con Piedras, Vicente Molina Foix con Sagitario... Trabajos pretenciosos pero interesantes por la dosis de riesgo que conllevan y la honestidad de sus planteamientos. Por eso merecen ser juzgados con otros ojos, porque cuesta mucho hacer una película y, razón de mayor peso, en conjunto el resultado es viable.

Un sexteto de jóvenes en los primeros años de una joven democracia restablecida y sus relaciones como parejas, como amigos y como excusa para hablar abiertamente del divorcio, la homosexualidad, la tiranía de la religión y la fuerza de las convenciones sociales y la falsa moral. Un discurso valiente del cineasta aunque algo denso y esclavo de los fallos de realización y montaje que no taparon los vaivenes del guión... ¿Saben qué? El tándem Federico Luppi/Susana Hornos asumirá los errores, pero también se llevarán la gloria de afrontar un capítulo obviado por nuestro cine como es el del intento del golpe de Estado de Tejero en 1981 y levantar las capas que ocultan una sociedad enferma que aún pervive.

Descubrimos a Susana Hornos, como guionista y actriz, aplaudimos a Ana Fernández y confirmamos a todos los demás, a pesar de lo esquemático y previsible de algunos roles. Luppi es actor, sabe por tanto como cuidar a sus compañeros y queda reflejado en pantalla. Es verdad que, derivando en soluciones algo forzadas, se cierran las heridas de algunos de estos desaparecidos simbólicos del espíritu de la última transición política española, pero también cubre el vacío que ningún español ha sabido llenar. Moraleja: entender en lugar de juzgar.

Hay que mirar a nuestro pasado más cercano, hacer películas que traten episodios históricos o al menos, aborden una visión diferente o parcial sobre los mismos. En esta línea, con el 23-F como tema central, Chus Gutiérrez presenta El Calentito o cómo aferrarse a unos principios en una situación adversa. Lo dicho, otra visión.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Batman begins"

2005-10-22T19:35:00.000+02:00

Si le gusta Batman, el de las novelas gráficas, no tiene excusa: acertará si decide ver la cinta y además, querrá indagar en la filmografía de Nolan, que ahora entra en el universo del más famoso de los quirópteros, rediseñando su mundo estético y psicológico.

Volvemos al ambiente gótico y sombrío del primer Batman (y su secuela, Batman vuelve), el de Tim Burton, donde el héroe era un personaje central tan mimetizado con el estilo y la arquitectura fílmica que casi le impedía resaltar. Aprendiendo de los errores cometidos por otros, este viaje ha sido realizado con más acierto y nada tiene que ver con las dos mencionadas y menos aún con la fiesta de color y circo de las últimas entregas, Batman forever y Batman & Robin, ambas de Joel Schumacher y bastante alejadas del cómic original.

Que nadie se asuste al conocer el pasado oriental de nuestro querido superhéroe, que verán que domina como pocos las artes marciales, ya que sirve de justificación al presente y futuro de la gris urbe donde se establecieron las Industrias Wayne, una moderna ciudad de Gothan condenada a desaparecer como hicieron otras a lo largo de la historia por culpa de la pecaminosa actitud de sus habitantes. El fin se avecina, los secuaces del ninja Ra’s Al Jul deben cumplir su cometido celestial como herederos de la Liga de las Sombras, los que dieron escarmiento a Roma, Constantinopla y tantas urbes poderosas donde la lujuria se había hecho fuerte.

Salvar lo insalvable, ese es el objetivo de un joven y algo perdido Bruce Wayne que acepta el reto de transformar o canalizar la ira y la sed de venganza (ya sabemos de la muerte de sus padres) en su arma contra el mal, entrando en lo más profundo de su ser. Nolan recoge la experiencia de Memento e Insomnio y sitúa en torno a ese dilema el grueso de la trama, que por primera vez se aleja del análisis en paralelo de la figura del villano: el principal enemigo del Hombre Murciélago es él mismo, aunque se reserven algunos minutos del metraje a la confrontación con el Espantapájaros y su propio mentor.

Hasta en una película donde priman los efectos especiales y las secuencias de lucha y acción podemos atisbar el portento interpretativo de Christian Bale, el mismo que sorprendió con su trabajo –y caracterización- en El maquinista. El guión (firmado por él mismo que levantó Dark city y Blade) profundiza en sus relaciones con personajes ya conocidos, como Alfred, el fiel mayordomo interpretado aquí por Michael Caine, el inventor con el rostro de Morgan Freeman (James Bond también le debe mucho al suyo) y su aliado en la policía, James Gordon (Gary Oldman), el honesto teniente que acaba siendo comisario y hace las delicias de los aficionados al cómic de Fran Miller. ¿Y la chica? También existe, no se preocupe.

A decir verdad, no descubrimos nada nuevo: la muerte de los padres, la fuerza del miedo, la búsqueda de respuestas existenciales, la capacidad amorosa del protagonista, el devenir del imperio familiar... Pero además de dar claves a la historia, también abre nuevas vías argumentales teniendo como máxima que ‘nos caemos para aprender a levantarnos’. Así que, después de 60 años y 4 tropezones cinematográficos, esta precuela nos reconduce por la senda correcta, garantizando la continuidad de la franquicia Batman. Gracias Nolan, gracias Bale.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Omagh"

2005-10-22T19:31:00.000+02:00

Una ciudad de Irlanda del Norte en verano, un día caluroso. La calle principal está en ebullición, 30 niños españoles estudiantes de inglés bajan de un autobús, la gente compra en el mercado, charla en las cafeterías... El reloj marca las 15.10 y los 220 kilogramos de explosivos cumplen su función asesina (la reivindicativa quedará manchada para siempre por la sangre derramada).

Ese día, 15 de agosto de 1998, hubo una llamada avisando de lo que iba a ocurrir, pero la gente evacuó el lugar encaminándose hasta la vía más transitada, donde estaba aparcado el coche que finalmente explotó. La de la cabina telefónica no es una secuencia de adorno, será un apunte clave en el desarrollo de la historia posterior, marcada por una pregunta: ¿nos dicen siempre la verdad?

Doloroso argumento pero notoria experiencia cinematográfica acerca de un problema que nos toca de cerca, primero por las inevitables comparaciones entre ETA e IRA (con todos sus matices), y también porque el atentado se cobró dos vidas españolas. "Omagh" llega tarde a las carteleras después de su paso en 2004 por el Festival de San Sebastián (Premio del Jurado al Mejor Guión) donde cosechó aplausos por su fiel retrato del día después que embarga de soledad a los familiares de los desaparecidos.

Dar voz a los que no la tienen en el conflicto, tratado desde las víctimas, a través de los ojos de una familia interpretada de manera magistral, cuyo padre constituye el núcleo visible del Grupo de Apoyo y Autoayuda que busca respuestas y culpables, lo único que les queda a estos católicos, protestantes, presbiterianos, mormones y agnósticos unidos por el dolor y la impotencia. La sencillez y el realismo elevan la cinta a un nivel superior, pero entronca con títulos que indagan en el tema como "En el nombre del padre" y "The boxer" (Jim Sheridan), "En el nombre del hijo" (Terry George) y "Agenda oculta" (Ken Loach).

La brillante filmación de los minutos previos al atentado se debe al interés del cineasta por el documental: cámara en mano, iluminación natural, escenas cotidianas y un montaje vigoroso que aumenta la tensión, una intensa y desgarradora primera parte con imágenes contundentes que reflejan el horror de la ciudad que da paso a la batalla legal post-mortem articulada por medio de la fijación de Mike Gallaguer, el padre de una de las víctimas. Retomando el clima de ficción documentada y con una pregunta constante, la segunda parte se mueve por detalles de desaliento y esperanza y el intento de reconocimiento por parte de los gobiernos local, británico e irlandés, de unas víctimas de segunda o tercera categoría: hasta el momento, ningún sospechoso o detenido ha sido procesado por asesinato, sabiendo que el atentado fue reivindicado por el IRA Verdadero, facción pequeña que se escindió en 1997 del Ejército Republicano Irlandés en su campaña por acabar con el dominio británico en el norte de la isla.

Pete Travis aprovecha su experiencia como realizador televisivo en su debut en la dirección de largometrajes y saca el máximo partido audiovisual a un guión firmado por Paul Greengrass, responsable de la dura y necesaria –por divulgativa- "Domingo sangriento". Las dos cintas constituyen un dúo indivisible e introductorio acerca del conflicto del Ulster, sobre dos episodios cruciales que lo enmarcan: aquel bloody sunday del 30 de enero de 1972 que provocó la muerte de 13 manifestantes por los derechos civiles en Derry y el nacimiento de un conflicto, y el atentado de Omagh, el más mortífero en 3 décadas, no sólo por el número de víctimas (una treintena de muertos y más de 200 heridos), sino también por dinamitar el momento en que la gente empezaba a pensar que los enfrentamientos que habían conocido toda su vida llegaban a su fin.

"Omagh", impecable y necesaria, habla de los atentados, de los terrorismos y de la impunidad, las mentiras, las promesas incumplidas y el distanciamiento de las víctimas, herramientas con que políticos y gobernantes negocian nuestra paz.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Millones"

2005-10-22T19:25:00.000+02:00

Son cosas raras, extraordinarias o maravillosas. Los milagros no pueden explicarse a partir de leyes naturales, por eso "Millones" queda en fábula, una entretenida historia sobre al apego a lo material.

Después de cuentos sobre niños malos ("Trainspotting"), paraísos que se desmoronan ("La playa") y muertos vivientes e infectados en un mundo apocalíptico ("28 días después"), el cineasta británico Danny Boyle volvía a plantearse un cuento pero esta vez desde la óptica de un niño. Para ser más exactos, desde la visión de un chico y su antítesis, dos hermanos que no parecen nacidos del mismo vientre.

El más pequeño –7 años- cuenta con una imaginación desbordante que le hace conocer en primera persona a los integrantes de su divertido catálogo de santos; el otro, más pragmático por su avanzada edad –ya tiene 9, que conste- vive la fiebre económica propia de todo pre-adolescente del mundo occidental aunque magnificada por el extraño regalo sobrenatural que se produce ante sus ojos.

Para dar con un argumento original, Boyle se anticipa a la cercana muerte de la vieja libra esterlina y la integración de Gran Bretaña en la Unión Monetaria Europea. Juega con una maleta caída literalmente del cielo y que revolucionará los alrededores de la Escuela de Todos los Santos, a la que acaban de llegar Anthony y Damián que hace verosímiles las divertidas referencias a mártires y santones (uno de los puntos fuertes de la cinta).

El dinero no hace la felicidad, pero contribuye a ello, aunque tengas que escapar de un monstruo con aspecto de ladrón de bancos y que parece un habitante de tu imaginario, como el hombre que persigue al lactante de Arizona baby. En este caso existe, y es real, confiriendo un ritmo trepidante a la historia, en perfecta comunión con unos planos medidos al milímetro, sofisticadas tomas aéreas y un montaje tan sincronizado como ajustado que en determinados momentos deja escapar la habilidad cinematográfica de Boyle.

Después de una catastrófica 28 días después, Millones abre el camino a los sueños a través de una película positiva, no sólo por su humor, sino también por una estética al servicio de la luz y el color, estudiado en cada elemento de una historia que por cierto, es apta para adultos que quieran iniciar a sus pequeños en la afición al cine. Adultos que disfrutarán tanto o más que los niños al acercarse Boyle al toque irónico del Stephen Frears de Abrete de orejas y Mi hermosa lavanderia.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Algo en común"

2005-10-22T19:24:00.000+02:00

Cuesta volver a la vida que un día dejaste atrás, sobre todo si huiste de ella. Piensa que a veces reconforta regresar al hogar familiar, por mucho que suponga al principio ante la ebullición de recuerdos de una etapa que, simplemente, no nos gusta.

En el cine los viajes al pasado, además de melancólicos y surrealistas, tienen la cualidad de ser fructíferos –no somos más que una suma de reminiscencias-. Quizás hasta podamos encontrar en ellos algo interesante o incluso la propia paz espiritual. No olvidemos que el aburrimiento nos acompañará allá donde vayamos, un hastío que no se quedó en el lugar del que un día desaparecimos.

Algo en común pone en imágenes la esencia de los dos párrafos anteriores. Zach Braff se ha desvelado como cineasta integral con esta opera prima basada en una historia sencilla, sin dobleces y transparente que busca momentos íntimos desde la cotidianeidad. Escrita, dirigida e interpretada por este desconocido en nuestro país que a partir de ahora no lo será al sumar a la cinta sus intervenciones en la serie Scrubs –en la programación de Canal +-, por las que ha sido candidato a los Globos de Oro.

A sus 29 años vuelve a casa y desafía a la industria con su juego dialéctico, una colección de tipos raros que buscan sentirse seguros y miradas perdidas, y hasta con el título original: Garden State se refiere a la denominación popular del estado de Nueva Jersey y aquí al paraíso ajardinado con cadencia propia. El personaje y la persona se confunden en una película autobiográfica que plantea una ruptura de esquemas envuelta en receta contra el aburrimiento a partir de extravagancias y situaciones propias del teatro de lo absurdo. Para asombro de muchos, Braff dota de credibilidad este discurso alimentado por 9 años de ausencia del nido familiar, un periodo que condensará en una semana acelerada en la que se topará con amigos enterradores, adultos abandonados, fiestas pastilleras y jóvenes perfectamente ubicados en sus desorientadas vidas.

Pero esa intensidad no abruma al espectador, que se siente aliviado a pesar de que pueda estar atravesando una crisis de reordenación vital o planee hacerlo. Se sentirá identificado con el personaje de Braff y con el propio Braff, un joven con más capacidad imaginativa que cinematográfica y he aquí un ejemplo de ello: encuentra dificultades para concluir las secuencias, le falta a muchas un cierre contundente que atrape el exceso de existencialismo que se le escapa por las ramas. Pero entre sus aciertos cuenta con la forma alocada de estructurar las piezas de su puzzle, un fresco que es capaz de llegarnos a todos.

Se rodea de veteranos actores como Ian Holm (Alien, El Señor de los Anillos) y jóvenes que despuntan tanto en el terreno independiente como en el corte estrictamente comercial. Es el caso de Peter Sarsgaard (Kinsey, El precio de la verdad) y una adelantada Natalie Portman que afianza con acierto una brecha en su carrera, ya verán: esta sencilla producción de 2,5 millones de dólares entronca con el argumento de otras películas en las que se vislumbra como el regreso a casa puede suponer un golpe más traumático que lo que provocó su abandono, como ... ... con Holy Hunter, pero sobre todo, Beautiful Girls, donde se dio a conocer Portman.

No estaría de más revisitar los territorios de Ted Demme con el que Braff se identifica: similar estructura, temática generacional, fantástica banda sonora ... Uno hizo una gran película, pero el otro se ha propuesto mejorarla –juzguen ustedes, resulta un constructivo ejercicio-.

Braff se ríe de si mismo y ahí está su cordura, además de ser un perfecto oteador discográfico, ¿se imagina quien puede ser el productor del disco que recopila parte de la banda sonora? Estupenda colección de temas que envuelven la historia desde su impactante inicio. Por si no ha quedado claro, Braff tiene talento, tanto que asusta a las grandes productoras, pero que no se deje pervertir por Hollywood. Por cierto, nos hacemos mayores... Cada año, uno más.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Lanetro.com.

"Código 46"

2005-10-22T19:23:00.000+02:00

Con 2 años de retraso llegó a España esta cinta sobre virus empáticos y violaciones de códigos universales que encierra todo un tratado acerca del amor en un mundo deshumanizado.

A medio camino entre Gattaca –sobre élites e incompatibilidades- y Olvídate de mi –hay cierto paralelismo gracias a frases como ‘¿puedes amar a quién no recuerdas?’-, Código 46 supone otra muesca en la inclasificable filmografía del inglés Michael Winterbottom: no es la mejor ni la peor, es una película más, hecha con dominio de la(s) técnica(s) cinematográfica(s) e imperfecta en cuanto a su variopinta mezcla de géneros y la estructura que sigue.

Juega su carta precisamente a partir de esa combinación de cine negro y ciencia ficción. Además es creíble en cuanto a la cimentación de un mundo aún lejano pero tangible, sin marcianos ni robots, aferrándose a la ingeniería genética y las consecuencias de la clonación. Cinta futurista pero en una naturaleza perfectamente identificable donde los movimientos están controlados por estrictos mecanismos de seguridad impuestos en forma de seguros especiales, exponentes de la globalización que nos espera. En este sentido, pero más poético, el juego con el idioma –francés, italiano, iraní, español- es sólo un guiño anecdótico, aunque invita a ver la versión original.

El futuro está aquí, en las construcciones de asentamientos como Shangai y Dubai, donde la modernidad convive con la tradición... Las ciudades se muestran como oasis en un mundo árido del que sólo puedes salir con papeles. El cineasta no es ajeno a la problemática de la emigración y al control del Estado sobre el hombre; ya con una precisión diferente tocó el tema a través de En este mundo.

Volviendo a sus referentes –los literarios pasan por 1984 y Un mundo feliz- ahí está la cinta de Andrew Niccol protagonizada por Uma Thurman y Ethan Hawke, dos in-validos en un mundo donde sólo tienen opción de ascenso profesional los válidos; las diferencias entre los seres humanos quedan marcadas aquí por la separación ‘vivir dentro / estar fuera’. Como en Gattaca, Winterbottom trata la manipulación genética desde el thriller, con un detective, Tim Robbins, que se enamora del sujeto a investigar, el personaje interpretado Samantha Morton (la protagonista de Edén, de Amos Gitai, y En América, de Jim Sheridan) de la que sabe aprovechar su increíble fotogenia en primeros planos imposibles en otras actrices.

El escritor Frédéric Beigbeder dejó escrito que El amor dura tres años. En el cine, pocos han estado tan obsesionados por el tema como este joven pero prolífico director que a sus 44 años habla de dos seres con capacidad de amar entre sí pero coartada por los mundos a los que pertenecen y un ADN que también se ocupa de que no se plantee un romance... ¿Revisión del clásico Romeo y Julieta? Dejémoslo en tratado acerca de la relación entre el sexo y el amor, un sentimiento que aquí dura lo que un seguro, escasas 24 horas.

Iconoclasta en su forma de hacer cine su estilo es, sin embargo, cada vez más personal e identificable. Su progresión le ha ido llevando a cierto desencantamiento ante el mundo, ahora más sosegado y con cierta melancolía que se ve en los ojos de sus dos actores, la misma que se respira en la música.... Llegados a esta línea no está de más sugerir un paseo por su heterodoxo terreno: Besos de mariposa, Jude, Welcome to Sarajevo, Wonderland, 24 Hours Party People, 9 songs, etc.

Sin decorados futuristas ni efectos especiales, basta echar un vistazo a nuestro alrededor: el futuro ya ha llegado.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El cielo abierto"

2005-10-21T09:03:00.000+02:00

Un psiquiatra un poco reprimido y bastante manso y una peluquera inocente y sencilla viven una deliciosa y atípica historia de amor. Sergi López y Mariola Fuentes protagonizan ‘El cielo abierto’.

Nadie te avisa cuando llega el primer día de la mejor parte de tu vida. Con esta frase se promociona ‘El cielo abierto’. Esta comedia, cargada de dramatismo, es la cuarta en la filmografía de Miguel Albaladejo: En 1998 nos sorprendió a todos con ‘La primera noche de mi vida’, y a raíz de una película por año, ‘Manolito Gafotas’ y ‘Ataque verbal’, Albaladejo se ha convertido en un valor en alza.

Estamos ante una película de diálogos chispeantes y cargados de sensibilidad elaborados por Elvira Lindo y Miguel Albaladejo. ‘El cielo abierto’ supone la cuarta colaboración entre los dos amigos, que un día decidieron alargar la historia de Jasmina, la peluquera de barrio que debe mantener a su familia y que ya aparecio en la primera película del director alicantino.

No solo el personaje de Jasmina recuerda a los orígenes de Miguel Albaladejo en ‘La primera noche de mi vida’. También hacen lo suyo las cabinas telefónicas, un elemento predominante en las cintas de este director que ha dejado de ser promesa para convertirse en factor seguro. Si Jasmina hace uso de la cabina que hay debajo de su casa para no molestar a su familia cuando habla con Miguel, el psiquiatra recurre a la que está junto al hospital en el que trabaja para manifestar su amor hacia la joven.

Las declaraciones telefónicas de Miguel realzan el carácter tierno, generoso y honrado del personaje encarnado por Sergi López. Incluso su aspecto físico recuerda al típico hombre bonachón, con aspecto de rudo que luego es incapaz de romper un plato. La frase ‘tengo muchas ganas de verte’, puesta en boca de Sergi López, rebosa de humanidad y dulzura.

Al actor catalán, nominado a los César franceses como mejor actor por ‘Harry, un amigo que os quiere’, no le ha llegado aún el reconocimiento de ciertos sectores de la cinematografía española. Cierto es que en nuestro país ha interpretado pocos protagonistas, pero sus personajes en ‘Morir o no’ y ‘Caricias’, de Ventura Pons, o ‘Lisboa’, de Antonio Hernández, bien le podrían haber reportado alguna nominación a los Goya por actor revelación o de reparto.

Mariola Fuentes cuanta con un don innato que la hace especial, el de conmover. Lo hace con la expresión de su cara, con su mirada... Un día dejó atrás Málaga para probar suerte en el mundo del cine. Tras numerosos papeles secundarios, dos jóvenes y avispados directores han sabido aprovechar al máximo sus encantos, uno es Albaladejo, la otra es Laura Mañá, en ‘Sexo por compasión’.

Son numerosos los guiños a personajes y tramas narrativas de otras películas de Albaladejo. María José Alfonso y Emilio Gutiérrez Caba, galardonado con el Goya al mejor actor de reparto por su papel de administrador en ‘La comunidad’, representan la veteranía y la clase interpretativa entre unos jóvenes actores rebosantes de talento. Sergi y Mariola han despuntado ya en nuestra cinematografía, aunque a muchos les cueste reconocerlo. Junto a ellos Geli Albaladejo interpreta un personaje entrañable en el que se apoyan algunas de las conversaciones más frescas y clarificadoras.

En definitiva, y permitiéndonos el asesinato de resumir en dos líneas ‘El cielo abierto’, se trata de una película cuyo argumento gira en torno a las pequeñas cosas que dan sentido a nuestra vida.

Texto escrito por Daniel Galindo.

"Poniente"

2005-10-21T08:50:00.000+02:00

Un mar de plásticos frente a otro mar, de los de verdad, de un azul intenso y testigo de las diferencias entre pueblos hermanos. Usando ese paisaje, concretado en la costa más oriental de Andalucía, la directora granadina Chus Gutiérrez ha querido contar una historia de amor entre dos personas que vuelven a su hogar, una pasión con el drama de la inmigración de fondo.

Lucía es una joven maestra que vive en Madrid. Siete años antes había decidido dejar atrás parte de su pasado trágico en su pueblo de origen, pero ahora, por causas del destino, debe regresar y lo hace con su hija Clara. Junto a la pequeña descubrirá que las cosas han cambiado en el poniente almeriense (por cierto, que en ningún momento de la cinta se menciona).

Subsaharianos, marroquíes, lituanos y ecuatorianos se han convertido en mano de obra barata en los invernaderos, que poco a poco han ido ocupando el terreno. Lucia debe hacerse cargo de una de esas explotaciones agrícolas y en medio de esa aventura conoce al personaje interpretado por José Coronado (“La caja 507”), un hombre sin raíces que busca un sitio al que pertenecer.

Cinco años han pasado desde que Chus Gutiérrez presentara su última película, “Insomnio”. Desde entonces la directora y guionista de “Sexo oral” y “Alma gitana” ha estado volcada en “Poniente”, un largometraje que no pretende otra cosa que contar una historia de amor y mostrar una serie de problemas sociales.

“Poniente” más que de emigrantes habla de migraciones, movimientos de personas que van de un lado a otro... Su directora también ha hecho un ejercicio de observación y traslada a la pantalla grande la realidad que se vive en algunas zonas del campo español. Teniendo recientes los acontecimientos vividos en El Ejido, Almería, las comparaciones pueden ser numerosas. Pero no se equivoquen: en la película además se habla de la mezcla cultural y de la memoria de un pueblo, el español, que en su día también fue emigrante.

Cuca Escribano es la actriz principal de “Poniente”. Esta sevillana, que ya había trabajado en teatro y en la televisión autonómica andaluza en series como “Plaza Alta” y “Arrayán”, se ha presentado al público de toda España con un protagonista que le va a abrir las puertas del cine y que ya la ha llevado a conocer los festivales de Venecia y Toronto, donde se presentó esta producción de Olmo Films y Amboto Audiovisual con una calurosa acogida.

José Coronado y Cuca Escribano están arropados por intérpretes andaluces como Mariola Fuentes (“El cielo abierto”), Antonio Dechent (“Intacto”), Alfonsa Rosso y Antonio de la Torre, además de Farid Fatmi, quien acaba de trabajar en “Tiempo de tormenta”, de Pedro Olea. Todos ellos, guiados por Chus Gutierrez, han hecho “Poniente”, una historia sobre el amor, el viento, la diferencia y la indiferencia.

Texto escrito por Daniel Galindo.

"La mejor juventud"

2005-10-21T08:48:00.000+02:00

Auténtica delicia al alcance de cualquiera que esté interesado en el drama de una familia italiana entre 1966 y 2003. Lección de Historia que en principio iba a estrenarse sólo como miniserie en la RAI pero que, por su calidad artística, llegó al Festival de Cannes.

¿Os gusta la literatura clásica de finales del XIX? Sagas familiares que continuan a lo largo de historias.... Así es esta historia dividida en dos partes, con personajes creibles y alguna que ora trama forzada con la intención de conectar con la historia reciente de Italia (la mafia, los jueces y policías corruptos en Sicilia, las brigadas rojas, etc.). Pero se les perdona la pretensión...

Eso y más es "La mejor juventud". Ya me diréis más cosas sobre sus seis horas de metraje (y, por favor, que nadie se asuste).

"¡Goool!"

2005-10-21T08:09:00.000+02:00

Primera y entretenida entrega de una trilogía sobre el instinto de superación y el mundo del fútbol.

El argumento de la cinta no es muy original que digamos: chico aficionado a correr detrás de un balón quiere cumplir su sueño a pesar de todas las complicaciones que se le vienen encima. En pantalla repite patrones establecidos, como la lucha entre padre e hijo por intereses opuestos y el intento por dejar atrás las etiquetas de la inmigración mexicana en EE.UU.

Danny Cannon, consciente de que no puede cambiar la trama manida y recurrente, adorna la historia con elementos propios de su trabajo como director de series de intriga como "CSI" y largometrajes como "Juez Dredd". Aplica por ejemplo el juego cromático empleado por Steven Soderbergh en "Traffic": una doble fotografía cálida y fría para que contrasten la introducción donde sueña el protagonista y la realidad que acaba imponiéndose. Pero Cannon no es Soderbergh, aunque por algo se empieza.

Con la llegada a Newcastle del gran –aunque no lo sepan- Santiago Munez, esta cinta con visos de telefilme explota otra de las vertientes temáticas: la amistad sincera entre los personajes interpretados por Kuno Becker ("Imagining Argentina", "La hija del caníbal") y Alessandro Nivola ("Trabajos de amor perdidos", "La sombra de un secuestro"), convincentes en sus papeles de estrella en potencia y estrella en su máximo esplendor rescatada del abismo.

Cayendo en obviedades, Cannon exprime demasiado el sentimentalismo y explora las ansias de superación y ambición, que no tiene por que ser mala. El individualismo se castiga con frases edulcoradas del 'mister', que encuentra su partenaire dialéctica en la novia enfermera del joven protagonista, una actriz a medio camino entre Liv Tyler y Aitana Sánchez-Gijón. Tendríamos mucho que decir acerca de Zidane, Beckham y Raúl, los personajes reales que pretenden aportar credibilidad a la historia y sólo con su doblaje ya resultan cómicos, sin hablar del guión de esa prescindible secuencia. Pero preparémonos ante la llegada de los futbolistas metidos a actores...

Su segunda parte, un regalo para madridistas, se estrenará el próximo mes de mayo. Danny Cannon pasa el testigo a Jaume Collet-Serra, que se está abriendo paso entre los realizadores de Hollywood. ¿De dónde habrá salido con este nombre? La pregunta de muchos tiene aquí su respuesta: barcelonés de 31 años, Jaume aterrorizó a buena parte de los adolescentes aficionados al cine con "La casa de cera", haciendo sombra al mismísimo Ridley Scott y "El reino de los cielos", y destacando dentro de ese grupo de cineastas baratos para el sistema cuyo objetivo principal, a priori, es el de hacer taquilla.

Volviendo al "¡Goool!" que nos meten por la escuadra con decenas de copias, impecable es la factura técnica de las imágenes del gran partido, al menos para un no-aficionado al fútbol, y las retransmisiones deportivas, aunque reconocemos un trabajo coreografiado y poco realista. Lo cierto es que nunca hemos dicho que el cine muestre la realidad tal como es, sino como la queremos ver. El encuentro crucial que supone el fin de la trama de este capítulo inicial y la confirmación de una estrella, al contrario que otros partidos álgidos de cintas recientes como "El clan de los Rompehuesos" y "Coach Carter", no se excede en duración con tomas interminables y aburridos giros.

El partido acaba de comenzar, ya que "¡Goool!" es la primera pieza de una trilogía sobre el mundo del fútbol que refuerza el lema 'si quieres, puedes' y otros del estilo que echan por tierra alguno con carga más negativa como 'si sueñas, estás perdido'. Todo un catálogo de buenas intenciones con ritmo, aunque previsible.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Somne"

2005-10-21T08:03:00.000+02:00

Se vislumbran las buenas intenciones pero una cinta comercial no puede quedar en eso, sobre todo con la cantidad de medios y la profesionalidad de los actores a su alcance. Por el momento, ni los ordenadores son capaces de suplir las capacidades humanas ni hemos encontrado el hilo –por supuesto ni hablar de filón- con el que tejer una interesante producción basada en la ciencia ficción y menos con cintas como ésta.

En la isla imaginaria de Salerma se levantan un complejo educativo, la Universidad de Linza, y otro científico, Neurocom... ¿qué se esconde allí? Un mundo claustrofóbico con dos ambientes, uno decimonónico y otro futurista, combinados de forma chirriante y que sirve de imán a brillantes alumnos, en la ficción, y oscuros compromisos, también en cuanto a lo cinematográfico se refiere.

Tal y cómo transcurre esta pesadilla sobre el complicado estado del cerebro durante el sueño con asesinatos de por medio, da la sensación de que los equipos técnico y artístico tenían que aferrarse a demasiados plazos a cumplir y prueba de ello es la frialdad de las primeras secuencias con unos contenidos (igual a poco creíbles en sus diálogos) Goya Toledo y Oscar Jaenada. Para nuestro consuelo, los dos se van soltando, haciéndose con sus personajes y creyéndose lo que dicen, pero es entonces cuando el guión flojea, atando de forma apresurada los cabos sueltos y desmoronando los principios del experimento y de la institución que lo fomenta.

Dice su director Isidro Ortiz ("Jugar a matar", "Fausto 5.0") que la película aborda el tema de los sueños, entendidos como deseos y anhelos, la parte más privada de nuestro yo y aquí mostrada ante todos a modo de escaparate. La idea inicial, aunque no muy original, les lleva a jugar con el destino y su manipulación, pero el desarrollo cae en los tópicos de siempre y el desenlace nos resulta infantil por su sencilla resolución.

Somne está a medio camino entre cintas de calado psicológico como "Abre los ojos", historias médicas contrarias a la realidad ("Línea mortal") y productos de acción con toques científicos al estilo de "La isla", basada a su vez en clásicos de ciencia ficción. En definitiva un mix de intereses que no convence y en el que sólo destacan detalles mínimos como la aparición de Chete Lera o un Iván Hermes desaprovechado por el cine.

La industria española debe buscar nuevos mercados y este caso puede ser un atisbo de su entrada en el campo de la acción y el terror. No es sólo Filmax a través de la Fantastic Factory la que produce este tipo de títulos: ahora se animan Vaca Films y Lotus Films con apoyo de la Televisión de Galicia, donde hay un incipiente entramado audiovisual y prueba de ello son cintas acertadas como "13 campanadas", "El regalo de Silvia", "El lápiz del carpintero" y "La promesa", sin olvidar los notables ejemplos de cine de animación.

Eso si, la próxima vez que se enfrenten a un thriller psicológico podrían cuidar las historias a narrar, eliminando ciertos referentes que las pongan en evidencia: Ortiz nos convence de que Salerma y su Universidad de Linza ya no es el sitio idílico donde estudiar al igual que allá por 1996 un joven debutante aseveró sobre la Complutense. Lástima para "Somne" que tengamos tan presente la "Tesis" de Alejandro Amenábar.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado (edición) en LaNetro.com.

"Caminar sobre las aguas"

2005-10-20T22:47:00.000+02:00

El nazismo esta extinguido, con él también ha desaparecido la homofobia y el conflicto entre israelíes y palestinos va por el mismo camino. Es triste pero suena falso, por ahora.

Este título optimista serpentea por temas tan variopintos como los anteriores, entrelazados con sutileza por un cineasta que aporta viveza y frescura al cine israelí concentrado en retratar el conflicto con el mundo árabe y el peso de la memoria hebrea. ‘Sólo el pasado es imposible de cambiar’. La frase está en mente desde que la hemos visto en el sugerente cartel pero luego nos daremos cuenta de que es sólo una de las muchas ideas que Eytan Fox pretende trasladarnos con su tercera película, la primera que llega a España.

Caminar sobre las aguas traza un camino hacia un mundo más tolerante, ridiculizando el victimismo del pueblo israelí y su actitud hacia una Alemania diferente, con una ácida critica a la parte machista y retrograda de la sociedad israelí mediante machos estereotipados que se derrumban. Dicen de él que es el más valorado de los jóvenes actores de Israel: hermético, atractivo, interesante... Lior Ashkenazi da vida a un eficiente agente secreto del Mosad en caída libre en su vida personal al que encargan una misión camuflada como un juego de niños que no está a la altura de sus últimas acciones, una tarea que, sin pretenderlo, le liberará de prejuicios: encontrar a un oficial nazi a partir de las pistas servidas por un joven alemán que acude a Israel para visitar a su hermana.

Convertido en sombra de Axel, una persona que aglutina todo lo que no es/siente nuestro hombre de acción, Eyal debe luchar contra su pasado, su carácter introvertido y aprender de quien menos se los espera. Se vuelve vulnerable al tiempo que la relación con el joven alemán va afianzándose, acercándole cada vez más al entusiasmo vitalista que le falta. Empleando momentos de gran intensidad dramática, medidos y estructurados en las dos partes de la historia, Fox va sembrando el camino de sorpresas, algunas más gratas que otras como los diálogos frente al mar de Galilea y el mar Muerto. Esa combinación de elementos hace de la película un inteligente y original ejercicio de cine.

Y aunque no vamos a desvelar el final si nos detendremos en el título: caminar sobre las aguas, algo imposible destinado a unos privilegiados, un intento por avanzar en un mundo donde se imponen las diferencias. Agitador de conciencias contemporáneas, Eytan Fox se ha convertido en el cineasta con mayor proyección de la industria cinematográfica de su país, gobernada casi en exclusiva por Amos Gitaï. Polémico por tratar la homosexualidad en la sociedad hebrea y en uno de los estamentos con más peso en ella como el ejército, Fox encontró ya distribución para su anterior cinta: Yossi & Jagger.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Batalla en el cielo"

2005-10-20T21:33:00.000+02:00

Es complicado hablar de esta película sin entrar en detalles escabrosos y enfocarla desde las sensaciones provocadas en el espectador.

Estas son incomodidad, repulsión y vergüenza. Eso, junto a la expiación de la culpa, a lo grande, pueden constituir el tamiz desde el que catalogar un estreno diferente; pero que nadie malinterprete las palabras, ya que la cinta debe ser apreciada precisamente por cumplir su objetivo principal: el de provocar y remover algo más que las conciencias.

Por el Festival de Cannes pasó levantando polémica la segunda película de un mexicano afincado en Bruselas propuesto por la crítica como renovador de la cinematografía latinoamericana. Carlos Reygadas ya consiguió en ese mismo certamen un premio por "Japón", un primer largometraje que tampoco dejó indiferente a su público.

La historia se resume en 36 palabras: la confesión de un crimen en medio de la atracción que siente Marcos, al servicio de un general del ejército, por la hija de este, que alterna una vida normal con la prostitución de alto nivel. Sin falta de pudor, Reygadas adopta el rol de mirón y hace que sus personajes desfilen desnudos frente a la cámara. Sin ropajes ni tabúes, las víctimas de sus intenciones protagonizan una inclasificable cadena de secuencias de sexo explicito que, créanme, no acaban siendo lo más criticable.

En su intento por mostrar el sexo, la obsesión por el cuerpo se combina con el tratamiento simbólico de muchos aspectos de la vida cotidiana, quizás demasiados, provocando de este modo y de forma consciente el desconcierto. Desde su percepción del mundo que le rodea, el creador exalta con alevosía el cuerpo gordo, orondo. Filma la desnudez, la convierte en algo desagradable y al mismo tiempo la reviste de sentido religioso, haciéndonos participes de su peculiar redención pecaminosa.

Planos excesivamente largos tomados cámara al hombro y música religiosa acaban por introducirnos en una atmósfera lejana para nosotros, pero no por ello menos inquietante. Las intenciones, no así la forma ni el contenido, nos acercan al González-Iñárritu de "Amores perros": mostrar una esquinita de la realidad mexicana desprovista de clichés y tópicos. La vida allí para Reygadas, al menos la parcela contenida en "Batalla en el cielo", es una fusión entre violencia, religión, fútbol, orden militar y sexo. Habrá quienes coincidan con él, seguro.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.